Codinome Pensador

Viver e conviver é preciso

2011-12-22T13:37:00.000-08:00

O ano de 2011 acabando, me peguei pensando e pude analisar e observar como cada vez mais o mundo está doente, por inúmeros motivos, mas o motivo que mais me chamou atenção foi a falta de intolerância com o outro, como o nosso semelhante, a ausência de disposição para aceitar pessoas com pontos de vista diferentes, que está baseada no preconceito, podendo levar à discriminação até na violência mais extrema.
As formas mais comuns são: o racismo, o sexismo, a homofobia, o heterossexismo, o etaísmo, sem esquecer as intolerâncias religiosa e política, que estão cada vez mais frequente em nossa sociedade. Uma atitude no mínimo lamentável e põe lamentável nisso, pra não falar coisa pior.
Quem não se lembra da polêmica sobre o racismo no futebol, durante o amistoso entre Brasil e Guatemala em 2006, quando uma banana foi atirada no gramado do estádio do Pacaembu, em São Paulo, com os dizeres "Grafite macaco!", citando o atacante do São Paulo e da seleção, pivô da confusão envolvendo também o argentino Desábato, naquela data o jogador Grafite acusou Desábato de ter lhe feito ofensas raciais. O jogador argentino foi detido ainda dentro do estádio e passou quase 40 horas preso em São Paulo. Liberado após pagar fiança de R$ 10 mil, ele irá responder a processo por injúria com agravante racial.
E isso não acontece só no Brasil, lembram em maio deste ano, quando o estilista londrino John Galliano que foi preso no chiquérrimo bairro do Marais, em Paris, depois de ter ofendido um casal de judeus em um bar. Galliano chegou a depor, negou que tivesse xingado o casal e foi liberado após pagar fiança.
Falar em homofobia e logo vir a minha mente aquele caso horrendo há dois meses atrás, que um grupo de quatro menores e um jovem de 19 anos, todos de classe alta, agrediu com socos, chutes, pauladas e lâmpadas fluorescentes três pedestres que caminhavam na avenida Paulista. Agressão foi motivada pelo fato de as vítimas serem ou estarem acompanhadas de homossexuais. E agora pasmem, por conta do crescente número de casos de homofobia no Senegal, o governo daquele país da África Ocidental, está forçando os gays a reprimirem suas vidas. Em janeiro do ano passado, foi condenado um grupo de nove homens a oito anos de prisão por homossexualismo. Parece mentira mas é a mais pura verdade.
E os crimes desse tipo só aumentaram, toda semana há pelo menos um caso de homofobia noticiado no Brasil, isto é, casos de agressões verbais ao cúmulo do assassinato à homossexuais, travestis e transexuais são notícias recorrentes no Brasil ao se transformarem em vítimas constantes de crimes de ódio motivados pela discriminação.
O etaísmo é um tipo de discriminação contra pessoas ou grupos baseado na idade. Quando este preconceito é a motivação principal por trás dos atos de discriminação, maus-tratos ou intolerância contra aquela pessoa ou grupo, então estes atos se constituem em discriminação por idade. Etaísmo está geralmente associada a duas faixas etárias específicas: adolescentes: (etaísmo contra adolescentes é também chamado "adultismo"), a quem são atribuídos as características estereotipadas de imaturos, insubordinados e irresponsáveis e terceira idade: que são rotulados de lentos, fracos, dependentes e senis.
E quem não viu o vídeo em setembro, do caso do interior de São Paulo de uma idosa de 70 anos que era cega, surda e não podia andar, que era agredida constantemente por uma mulher de 33 anos contratada para tomar conta da idosa, após desconfiança da família que percebeu muitos hematomas no corpo da anciã, decidiu-se instalar uma câmera dentro do quarto e em uma semana, a rotina de violência que a vítima sofria foi comprovada. As imagens foram entregues à polícia caiu na net e toda a imprensa noticiou.
Mesmo antes de fazer as gravações, a família já tinha registrado um boletim de ocorrência por suspeita de maus-tratos. Na época, a empregada foi chamada para depor, mas disse que não sabia de nada. Mas um laudo constatou lesão grave na idosa, provocada por meio cruel. Os advogados da empregada alegam que ela tem problemas mentais.
No primeiro semestre deste ano, o Disque Direitos Humanos registrou mais de três mil denúncias de agressão e maus tratos contra os idosos em todo o País. O Estatuto do Idoso, criado em 2003, ganhou mais uma lei que reforça a proteção a quem já passou dos 60 anos. Agora, as instituições de saúde públicas ou privadas são obrigadas a notificar as autoridades caso haja uma agressão física ou psicológica contra o idoso.
Agora entrando em terreno delicado, a intolerância religiosa, como diz aquela música do Gilberto Gil: “Ele diz que tem como abrir o portão do céu. Ele promete a salvação. Ele chuta a imagem da santa, fica louco-pinel. Mas não rasga dinheiro não”. Baseado nessa letra me lembrei de um episódio que aconteceu em 1995, quando um bispo da Igreja Universal do Reino de Deus, que ainda bem que não lembro o nome do tal, chutou em seu programa de TV uma imagem de Nossa Senhora de Aparecida, causando consternação em todo o país. Enquanto chutava a imagem da Santa, também proferia um discurso carregado de preconceito e ódio, nada condizentes com um representante religioso de Jesus Cristo. Entre suas declarações, a mais surpreendente foi que ele se referiu a santa como: “Ela não funciona! Ela é feia! Ela é preta! Ela não tem valor no mercado! Ela só serve para atrapalhar os negócios com antigas superstições!” disse o bispo na época. Sem querer usar um trocadilho mas já usando: Que cidadão é esse pelo amor de Deus?
E o caso de intolerância politica mais marcante e significativa até hoje na história do Brasil é na minha opinião a Ditadura Militar, onde pessoas desapareciam e eram mortas por conta do enfrentamento contra o Estado e as ideias de oposição à esse regime entre os anos de 1964 e 1985. Um tempo de autoritarismo e desrespeito total aos direitos sociais e humanos.
Tem um livro excelente do escritor Heinrich Mann que fala que intolerância está presente na esfera das relações humanas desde que o mundo é mundo e são fundadas em sentimentos e crenças religiosas. Que era que uma prática que se auto justificar em nome de Deus, adquirindo automaticamente o status de uma guerra de deuses encarnados em homens e mulheres que se odeiam e não se suportam.
Já o Maquiavel, me lembro que diz em seu livro famoso livro O príncipe que a intolerância tomou a forma de lutas ideológicas. Maquiavel cantou a pedra do futuro de este caminho de não respeitar as diferenças entre as pessoas, quando no Renascimento, advogou que os fins justificam os meios, em outras palavras, que a razão do Estado deve se impor a despeito dos meios utilizados.
Pra mim está claro que o maior problema do mundo de hoje, sem dúvida, é a intolerância. A intolerância que faz com que o meu “Deus” seja o único verdadeiro. A minha opinião a única certa. A minha verdade, a única verdade. A intolerância é radical, fera deixa marcar pro resto da vida. A intolerância é violenta pela própria natureza da não-aceitação a não ser do que consideramos certo, do que entendemos como justo, do que acreditamos como verdadeiro, da minha e somente minha verdade.
E é aí que estamos sendo uns completos idiotas e totalmente cegos, porque a verdade nunca vai ser pura e simples. Quando a verdade é na verdade apenas um instinto humano do mais primitivos possíveis, que nasce com a pretensão do homem e vai morrer com ele. Até porque quem conhece a verdade é um ignorante e a usa como artifício, análise ou idéia para tentar fazer as pessoas acreditarem nela. Até porque a verdade só é verdade, por mais absoluta que ela aparente ser, até que se prove o contrário. Falando em contrariar, vou contrariar agora Fernando Pessoa em sua famosa frase. Viver é preciso e conviver com as diferenças também é preciso, navegar fica pra depois, pra horas de lazer.

(Codinome Pensador)

Tô ouvindo: CD Cavaleiro selvagem aqui te sigo da Mariana Aydar

2011-12-22T13:34:00.001-08:00

A cantora paulistana Mariana Aydar é certamente um dos principais talentos da nova safra da música brasileira, mesmo que ela prefira afastar-se desse rótulo. Seu mais recente trabalho o CD intitulado Cavaleiro Selvagem Aqui te Sigo, é o terceiro de sua carreira, mostra Mariana como uma cantora em constante evolução. Sinto que existe nela uma espécie de fuga da mesmice trazida por diversas cantoras brasileiras, que preferem se infiltrar somente no samba ou mesmo trazer algum ar de pseudomodernidade a MPB. Neste CD há espaço para diversos estilos, desde rock até forró, com direto à participação especial de Dominguinhos na doce Preciso do teu sorriso. Até mesmo por esta razão, seja difícil rotular o estilo de Mariana neste universo musical.
Algo que chamou atenção no CD, foram geniais e descolados arranjos de percussão e metais durante todas as músicas, que foi gravado praticamente ao vivo no Na Cena Studios, em São Paulo, com alguns adicionais no estúdio próprio da cantora, o Casa de Kavita.
Algumas das músicas de Cavaleiro Selvagem chegaram a ser apresentadas ao público em diversos shows da cantora, que serviram como uma espécie de laboratório para aprovação ou não do público. Foi o caso da excelente versão de Nine Out of Ten, de Caetano Veloso, considerado o primeiro reggae brasileiro, gravada no antológico disco Transa, de 1972 e de Porto (Porto, é Lisboa ou Salvador/Lindo, é cidade ou é amor), composição de Romulo Fróes e Nuno Ramos. Excelentes também estão as versões de Galope Rasante, do cantor e compositor paraibano Zé Ramalho, que sem a voz cavernosa de Zé Ramalho, fica uma leitura bem particular na voz da cantora e de Vai vadiar (Alcino Corrêa e Monarco), conhecido samba na voz de Zeca Pagodinho, e que no disco ganha um novo arranjo, quase um tango por conta da sanfona de Guilherme Ribeiro. No entanto, o grande achado mesmo é Preciso do teu sorriso, forró do Trio Virgulino que ganha uma balanço gostoso com a sanfona parisiense do mestre Dominguinhos.
Mariana Aydar, ou melhor Kavita (seu codinome), apresenta algumas composições próprias como Solitude, composta durante um retiro espiritual, Floresta, Cavaleiro Selvagem e Vinheta da Alegria.
Para se ter uma idéia, uma das faixas mais contagiantes é O homem da perna de pau, a guitarrada paraense candidata a hit das pistas mais antenadas.
Mas a grande afirmação artística de Mariana está na música Passionais, segue a inspiração da cantora de encontrar grandes músicas para engrandecê-las um pouco mais. Grande composição, grande letra, grande interpretação da cantora. “Escrevi essa letra porque sou passional em tudo na vida”. Diz ela.
A banda Los Caballeros acompanha a cantora em todas as faixas: Robinho nos baixos, Guilherme Held nas guitarras (de 6 e 12 cordas), Gustavo de Dalva na percussão e efeitos, Guilherme Ribeiro nos teclados (Rhodes, Hammond, piano acústico e sintetizadores) e Duani Martins, o segundo produtor deste álbum e também dois anteriores Kavita 1 de 2006 e Peixes, Pássaros, Pessoas (2000), na bateria. Letieres Leite toca flauta, pífano e caxixi.
É nítido que Mariana procurou investir em seu lado compositora. E se deu bem em canções que são enriquecidas por trompas e trombones sinfônicos, percussões suaves e bem colocadas, linha de baixo envolvente e guitarra etérea. Quase um trip hop genuinamente brasileiro.
“O cavaleiro passa, perpassa, atravessa o álbum da faixa de abertura aos galopes finais da última canção, como se todas as coisas não acabassem, mas se renovassem constantemente voltando às suas origens.A idéia se conecta com o conceito de fundamento das coisas da ancestralidade, tão ligado aos padrões percussivos afrobaianos, que dão um espírito particularmente forte ao disco”. Diz a cantora.
“A Saga do Cavaleiro é sugerir e guiar, passar e inspirar. Criei meu CD mais artesanal, cheio de mistérios, afromântrico. Não tem manual, não é uma homenagem a tradições, cada um de nós tem seu próprio Cavaleiro Selvagem. É uma busca a algo maior pela música, pela expressão, pela soma. O caminho é pessoal a cada participante e ouvinte e se é universal é pelo ímpeto artístico. O coração sente e derrama vida. E fim”. Refletiu Mariana.
A cantora consegue percorrer pelos mais diversos estilos e com uma moldura musical mais apurada, Mariana mostra ter firmeza e conhecimento sobre o que está fazendo e os faz ter uma projeção de que vem muita coisa boa pela frente em seus próximos trabalhos. Confirmando a tendência da nova geração em querer se mostrar eclética, Mariana Aydar ganha pontos por fazer isso de forma autêntica e realmente eclética.

Fonte: Misturebapop.

Feriado

2011-12-07T06:48:00.000-08:00

Vamos deixar a vida chata pra depois
Desligar o celular e a tv
Se ligar em alguém especial, em algum lugar legal
Notícias perderam todo o sentido de ser
Amanhã o tempo terá todo o tempo do mundo
Silêncio, mudez, preguiça, sono
Apenas o desejo puro e simples de nada
Vontade de apenas sentir o mundo girar
Vontade de apenas sentir o tempo passar
Insuportável paciência
Dependência incansável
Amanhã o dia terá uma outra história
Esqueça o fato
Não esqueça a data
Ôpa, amanhã, no calendário, é feriado!

(Codinome Pensador)

Tatuagem

2011-11-01T14:31:00.000-07:00

Uma cicatriz marcada na carne
Um pigmento que vira paixão
Uma pele que vira história
O corpo colocado em exposição
Sereias, corações, serpentes
Identidade colorida de nanquim
Os pêlos, os poros, a penugem
A flor da pele na pele uma flor
Cobras, caveiras, dragões
Tatouage para francês ver
Tatuagem só pra você
Derme, epiderme, hipoderme
Uma superfície de ideologia, modismo e crença
Uma camada que dialoga com um ponto corporal
Uma marca registrada pra sempre
Resumindo-nos apenas a sangue, tinta e suor.

(Codinome Pensador)

Salve Drummond!

2011-11-01T12:34:00.000-07:00

“...Mundo mundo vasto mundo, mais vasto é meu coração...” Com esse Poema de Sete Faces que se iniciou minha paixão por esse grande poeta “gauche” de Itabira (MG), chamado Carlos Drummond de Andrade , que há 31 de outubro de 1902 nascia para entrar para história da literatura brasileira, do mundo e viver em nossa memória pela eternidade. Se estivesse vivo estaria este mês comemorando 109 anos de idade e de muita poesia da melhor qualidade.
Filho de uma família de fazendeiros em decadência, estudou na cidade de Belo Horizonte e com os jesuítas no Colégio Anchieta de Nova Friburgo RJ, de onde foi expulso por "insubordinação mental". De novo em Belo Horizonte, começou a carreira de escritor como colaborador do Diário de Minas, que aglutinava os adeptos locais do incipiente movimento modernista mineiro.
Ante a insistência familiar para que obtivesse um diploma, formou-se em farmácia na cidade de Ouro Preto em 1925. Fundou com outros escritores A Revista, que, apesar da vida breve, foi importante veículo de afirmação do modernismo em Minas. Ingressou no serviço público e, em 1934, transferiu-se para o Rio de Janeiro, onde foi chefe de gabinete de Gustavo Capanema, ministro da Educação, até 1945. Passou depois a trabalhar no Serviço do Patrimônio Histórico e Artístico Nacional e se aposentou em 1962. Desde 1954 colaborou como cronista no Correio da Manhã e, a partir do início de 1969, no Jornal do Brasil.
O modernismo não chega a ser dominante nem mesmo nos primeiros livros de Drummond, Alguma poesia de 1930 e Brejo das almas de 1934, em que o poema-piada e a descontração sintática pareceriam revelar o contrário. A dominante é a individualidade do autor, poeta da ordem e da consolidação, ainda que sempre, e fecundamente, contraditórias. Torturado pelo passado, assombrado com o futuro, ele se detém num presente dilacerado por este e por aquele, testemunha lúcida de si mesmo e do transcurso dos homens, de um ponto de vista melancólico e cético. Mas, enquanto ironiza os costumes e a sociedade, asperamente satírico em seu amargor e desencanto, entrega-se com empenho e requinte construtivo à comunicação estética desse modo de ser e estar. Drummond, como os modernistas, segue a libertação proposta por Mário e Oswald de Andrade; com a instituição do verso livre, mostrando que este não depende de um metro fixo.Se dividirmos o modernismo numa corrente mais lírica e subjetiva e outra mais objetiva e concreta, Drummond faria parte da segunda, ao lado do próprio Oswald de Andrade.
Vem daí o rigor, que beira a obsessão. O poeta trabalha sobretudo com o tempo, em sua cintilação cotidiana e subjetiva, no que destila do corrosivo. Em Sentimento do mundo de 1940, em José de 1942 e sobretudo em A rosa do povo de 1945, Drummond lançou-se ao encontro da história contemporânea e da experiência coletiva, participando, solidarizando-se social e politicamente, descobrindo na luta a explicitação de sua mais íntima apreensão para com a vida como um todo. A surpreendente sucessão de obras-primas, nesses livros, indica a plena maturidade do poeta, mantida sempre.
Várias obras do poeta foram traduzidas para o espanhol, inglês, francês, italiano, alemão, sueco, tcheco e outras línguas. Drummond foi seguramente, por muitas décadas, o poeta mais influente da literatura brasileira em seu tempo, tendo também publicado diversos livros em prosa. Em mão contrária traduziu os seguintes autores estrangeiros: Balzac, Marcel Proust, García Lorca, François Mauriac e Molière.
Quando se diz que Drummond foi o primeiro grande poeta a se afirmar depois das estreias modernistas, não se está querendo dizer que Drummond seja um modernista. De fato herda a liberdade linguística, o verso livre, o metro livre, as temáticas cotidianas. Mas vai além. "A obra de Drummond alcança — como Fernando Pessoa ou Jorge de Lima, Herberto Helder ou Murilo Mendes — um coeficiente de solidão, que o desprende do próprio solo da História, levando o leitor a uma atitude livre de referências, ou de marcas ideológicas, ou prospectivas", afirma Alfredo Bosi .
Segundo o escritor e estudioso da obra de Drummond, Affonso Romano de Sant'ana costuma estabelecer que a poesia de Carlos Drummond a partir da dialética "eu x mundo", desdobrando-se em três atitudes: Eu maior que o mundo, que é marcada pela poesia irônica, Eu menor que o mundo, que é marcada pela poesia social, Eu igual ao mundo, que abrange a poesia metafísica.
Sobre a poesia política, algo incipiente até então, deve-se notar o contexto em que Drummond escreve. A civilização que se forma a partir da Guerra Fria está fortemente amarrada ao neocapitalismo, à tecnocracia, às ditaduras de toda sorte, e ressoou dura e secamente no eu artístico do último Drummond, que volta, com frequência, à aridez desenganada dos primeiros versos: A poesia é incomunicável. Fique quieto no seu canto. Não ame. Muito a propósito da sua posição política, Drummond diz, curiosamente, na página 82 da sua obra O Obervador no Escritório,RJ, Editora Record, de 1985, que Mietta Santiago, a escritora, expõe-me sua posição filosófica: " Do pescoço para baixo sou marxista, porém do pescoço para cima sou espiritualista e creio em Deus."
No final da década de 1980, o erotismo ganha espaço na sua poesia até seu último livro.
Atualmente, também, há representações em Esculturas do Escritor, como é o caso das estátuas Dois poetas, na cidade de Porto Alegre, e também O Pensador, na praia de Copacabana no Rio de Janeiro, além de um memorial em sua homenagem da cidade de Itabira.
Alvo de admiração irrestrita, tanto pela obra quanto pelo seu comportamento como escritor, Carlos Drummond de Andrade morreu no Rio de Janeiro, no dia 17 de agosto de 1987, poucos dias após a morte de sua filha única, a cronista Maria Julieta Drummond de Andrade. Como disse Drummond: "...Quem morre vai descansar na paz de Deus. Quem vive é arrastado pela guerra de Deus...". Fica então a sábia lição.

Lição
Tarde, a vida me ensina
Esta lição discreta:
a ode cristalina,
é a que se faz sem poeta.
(Carlos Drummond de Andrade)

Fonte: Memória viva.

Eu vi. Filme: Cópia fiel

2011-10-03T12:58:00.000-07:00

Sinopse: James Miller (William Shimell) é um filósofo inglês que vai a uma pequena cidade da Toscana apresentar seu livro sobre o valor da cópia na arte. Chegando lá, encontra Elle (Juliete Binoche), uma francesa que é dona de uma galeria de arte há muitos anos, que vive com seu filho pré-adolescente (Adrian moore). Eles passam a tarde juntos. Ao mesmo tempo em que vão se conhecendo, começam a desenvolver um complexo jogo de interpretação de personagens. A reflexão sobre a relação entre cópia e original preside o debate pelo espaço de duas horas de projeção, os diálogos entre esse homem e essa mulher vão pontuando, com essa temática, toda a primeira parte do filme. Não são coisas comuns ou banais, embora possam fazer parte da vida das pessoas, em qualquer tempo ou lugar. E a segunda parte do filme mostra todo um universo complexo das relações homem-mulher que, inevitavelmente, nos coloca novos desafios e reflexões tão importantes quanto os que ocuparam as atenções do escritor e da dona da galeria. Não é novidade dizer que a atriz principal atua muito bem, aqui, no entanto, ela está sublime, construindo nos mínimos detalhes as nuances de sua personagem e circulando com fluidez pelo francês, italiano e inglês.

Ficha técnica: título original: Copie conforme, lançamento: 2010, direção: Abbas Kiarostami, gênero: Drama, elenco: Juliette Binoche, William Shimell, Jean-Claude Carrière, Agathe Nathanson.

Tô lendo: Coração andarilho - Nélida Piñon

2011-08-25T13:43:00.000-07:00

Em Coração andarilho, faz-se um comovente e sensível registro de suas lembranças de infância e juventude, família e viagens pelo mundo desta da aclamada escritora. Nélida Piñon revela suas memórias, temperadas com boas doses de imaginação. Da infância no bairro carioca de Vila Isabel à descoberta do mundo pelas viagens e sua formação como escritora reconhecida no Brasil, sendo uma das damas da literatura de nosso país e primeira mulher a presidir a Academia Brasileira de Letras.
Coração andarilho é também uma homenagem a seus pais e a sua origem espanhola. Um livro de cunho autobiográfico no qual traz a essência de Nélida como criadora formando seu universo pessoal e criativo perpetuado em mais de 20 publicações, narrando com precisão sua odisséia pessoal de forma corajosa e lírica.

Trecho: “Meu testemunho é impreciso. Misturo a colheita da memória com a invenção, porque é tudo que sei fazer. Os episódios que registro, de teor familiar e cotidiano, emergem da minha modéstia e dos meus desacertos. A seleção que faço da família, dos amigos, dos pensamentos vagos, compõe o meu horizonte pessoal. Me fazendo apresentar em alto grau de subjetividade, me fazendo viajar pelo mundo e fazer dele uma faixa de terra cercada de água e memórias”.

Ficha técnica:
Livro: Coração Andarilho
Autora: Nélida Piñon
Editora: Record
Páginas: 352.

Ela encanta e canta muito.

2011-07-25T13:28:00.000-07:00

Video: Someone like you - Adele

Adele Laurie Blue Adkins nasceu em Enfield em 5 de maio de 1988, conhecida pelo nome artístico apenas como Adele, cantora e compositora, ela foi a primeira a receber o prêmio Critics Choice do BRIT Awards e foi nomeada Artista Revelação em 2008 pelos críticos da BBC de Londres. Em 2009, Adele ganhou dois Grammy Awards de Artista Revelação e Melhor Vocal Pop Feminino. Seu reconhecimento mundial ao lançar o álbum 21 e dominar as paradas de sucesso nos Estados Unidos e Reino Unido com o single da maravilhosa, poderosa e contagiante música Rolling In The Deep.
Adele atraiu a atenção da XL Records com suas três demos no seu perfil no MySpace e acabou por assinar com a gravadora. Desde a sua estréia, com o álbum 19 que Adele foi aclamado pela critica e foi um sucesso em vendas. O álbum estreou em número um e recebeu três certificações de platina no Reino Unido. Sua carreira de sucesso nos EUA começou após uma apresentação sua no programa Saturday Night Live em 2008. Adele lançou seu segundo álbum em janeiro de 2011 na Inglaterra e em fevereiro nos EUA. O álbum foi um sucesso comercial e de crítica, vendendo 208 mil cópias na primeira semana de vendas no Reino Unido estreando em primeiro lugar na UK Albums Chart e também liderou as paradas de vendas em vários países.O CD também estreiou muito bem nos EUA alcançando a primeira posição na Billboard 200 vendendo 352 mil cópias na primeira semana.
Depois de uma aclamada performance ao vivo no BRIT Awards de 2011, a canção Someone Like You chegou ao primeiro lugar das paradas de sucesso no Reino Unido, enquanto o álbum também permaneceu como número um no país. A Official Charts Company anunciou que Adele é a primeira artista a alcançar, ainda viva, a ter uma canção e um álbum como número um ao mesmo tempo na Inglaterra desde Os Beatles em 1964.
O melhor dessa história toda de sucesso na minha opinião é que Adele se tornou um fenômeno de vendas sem precisar de coreografias rebolativas e nem letras de cunho sexual como alguma Divas do momento.
Canções como Rolling In The Deep, Someone Like You, Set Fire To The Rain e Lovesong (versão de música já gravada pela banda The Cure) impulsionaram as vendas de seus discos: 19 e 21, os números correspondem à sua idade na época do lançamento. Do dia para a noite, Adele deixou de ser uma branquela redonda e chorosa para se tornar, até agora, o maior fenômeno de vendas desse ano de 2011.
Desde 1990, quando Madonna lançou The Immaculate Collection, uma mulher não ficava em primeiro lugar por dez semanas consecutivas na parada inglesa. Adele foi lá e bateu a marca. Nos Estados Unidos, ela ultrapassou a soma de 1 milhão de discos vendidos e obrigou Lady Gaga, depois de Born This Way despencar 84% nas vendas de uma semana para outra, a disputar palmo a palmo a um lugar na parada de sucessos.
Seu álbum 21 foi produzido por nomes experientes do ramo, como Rick Rubin (Johnny Cash, Red Hot Chilli Peppers e The Gossip) e Paul Epworth (Cee Lo Green), 21 chegou ao topo como um elemento estranho, cercado por beldades como Rihanna, Shakira e Britney Spears. E deve se manter por uma mistura de talento e qualidade. Pedir autenticidade no soul de boutique que Adele canta já seria demais.
Como Adele funciona assim, a pessoa se apaixona pela sua voz e sim pelo seu visual também. A questão é que ela chama atenção de qualquer forma. Nunca peca nos modelitos, bem resolvida e segura de si varia entre vestidos e casacos de mangas 3/4, principalmente na linha A, túnicas, leggings e sapatilhas, e claro usando sempre um olhão estilo anos 60, sempre com seu indefectível delineador nos belos olhos e um coque vovózinha, elegante e com um ar retro em suas roupas, a diva se encaixa perfeitamente no estilo Lady Like, caprichando nos acessórios e no brilho. Seu tipo fisico , digamos , "fora dos padrões" da mídia não importa em absoluto, nem entra em mérito. Seu estilo super moderno e ao mesmo tempo vintage, as vezes lembrando estrelas do cinema francês dos anos 50. Eis aqui uma gordinha com muito estilo e muita voz.
Como ela mesmo disse: “ Não faço questão de lançar moda. A minha música é pra os ouvidos e não para os olhos. Vocês nunca vão me ver cantando de biquíni. ”
Ela que já foi rotulada de a nova Amy Winehouse, mas assim bem da verdade, afora as referências ao gênero musical e uma predisposição para tratar das próprias angústias em suas composições, são duas artistas distintas. Amy era sem rumo e dada a excessos e Adele é uma antimusa recatada.
A voz de timbre rouco e potente serve de suporte a canções com letras confessionais que por pouco não passam da conta no açúcar. Adele também se diferencia pelas influências, lançando mão de folk e rhythmn blues em suas composições. A maioria das letras da rechonchuda e linda Adele, fala de namoros fracassados e de dificuldades de adequação social. A cantora nunca negou que trate de sua vida nas canções. Tanto que deu margem a que um ex-namorado pensasse em processá-la, alegando direito aos royalties das faixas que teria inspirado. Loucuras à parte, O álbum 21 é um disco que confirma Adele entre uma das maiores expoentes da sua geração.
Adele homenageou Amy Winehouse em seu site oficial, afirmando que a conterrânea, encontrada morta no último sábado dia 23 de julho, pavimentou o caminho para artistas como ela, além de ter dado à música do país uma credibilidade há anos esquecida. Adele que já havia trabalhado com o produtor e músico Mark Ronson, que também fez parcerias com Amy.
“Acho que ela nunca percebeu o quão brilhante e importante era, mas isso só a tornava ainda mais charmosa. Até porque não são muitas as pessoas que fazem as coisas simplesmente por amor, sem rebuliço ou compromisso. Amy sabia do que era capaz. Quando queria fazer algo, fazia, e se não quisesse, dizia, foda-se”. Disse a cantora, que nos últimos meses liderou as paradas britânicas com seu último CD 21, cujas vendas já atingiram a marca de 10 milhões de cópias, a tornando principal nome da música britânica da atualidade. Adele e a banda The Wanted mantiveram suas posições no topo das paradas britânicas de álbuns e singles no último domingo dia 24 de julho, um dia depois que o mundo da música ficou de luto pela morte da cantora de soul Amy Winehouse.
Junto com a cantora americana Katy Perry, Adele lidera as indicações para a 28ª edição do Video Music Awards, VMB de 2011. A britânica tem sete indicações com apenas o clipe de Rolling in the Deep, incluindo as de melhores vídeos Pop, de Cantora e do Ano. A cerimônia que revelará os vencedores ocorre em 28 de agosto e será transmitida ao vivo do Teatro Nokia em Los Angeles, nos EUA. Só me resta desejar boa sorte para Adele, mas sei que ela não vai precisar. Vida longa à Adele!

Fonte: Papelpop.

O mundo genial e suburbano do Arcade Fire

2011-06-04T13:23:00.000-07:00

A BBC de Londres disse que The Suburbs, o novo e tão aguardado terceiro disco do grupo canadense, é indiscutivelmente melhor que Ok Computer, considerado a grande obra do Radiohead. Então, a galera foi à loucura. Os integrantes do Radiohead são considerados deuses do rock pra galera indie e Ok Computer é considerado o grande disco deles e talvez o melhor da história, então, se The Suburbs for realmente melhor, teremos o melhor disco da história. Então lá foi a galera escutar o disco esperando que “Empty Room” fosse a nova “Karma Police”, esperando que Win Butler tivesse tiques espásmicos como o Thom Yorke, e é óbvio que isso não aconteceu. O Arcade Fire tem muita identidade pra querer ser comparado a qualquer banda.
O Arcede fire começou em 2003 vinda do Canadá e no mais recente Grammy 2011 ganhou todos os prêmios, inclusive de álbum do ano, por The Suburbs, lançado em 2010, sucesso comercial e de crítica, mas a tríade sagrada de discos do Arcade Fire vem com os Cds: Funeral (2004), Neon Bible (2007). E todo mundo sabe que os dois primeiros são geniais. E The Suburbs não é melhor dos três.
O Arcade Fire, além de uma banda, é praticamente uma família. Win é casado com Régine e é irmão do Will. Gara, Neufeld, Parry e Kingsbury são como seus filhos adotados e essa família recebe constantemente a visita do amigo Owen Pallet. O ambiente perfeito, onde a melancolia de cada integrante só é sobreposta pelo amor. Amor à vida, amor por si mesmo e aos próximos. Um ambiente onde você pode se submeter ao medo e ao sofrimento, mas que alguém, na hora exata, vai estar lá pra te resgatar.
Em The Suburbs, os irmãos Butler resolveram contar suas vidas, a infância difícil e sobre a vida nos subúrbios. E pra contar essas histórias, além das magníficas orquestrações, a banda adicionou a crueza do rock e obscuridade dos synths. Uma mistura de Depeche Mode com Neil Young, como eles mesmos dissseram. O primeiro clipe oficial de "The Suburbs", a faixa-título do disco quem assina é o diretor Spike Jonze de filmes como: Quero ser john Malkovich, Três reis, Adaptação, Onde vivem os monstros etc. Seria esse o projeto secreto de Jonze com a banda, ou apenas um recorte de algo maior? O clima de ficção científica com adolescentes com suas brincadeiras que aos poucos ficam mais agressivas, é o clima que o clipe de Joke quer passar da banda para os fãs.
O disco é uma história e cada música se encaixa, montando um mosaico de nostalgias e sentimentos. As letras cheias de significado, carregam a melancolia de sempre, com fagulhas de esperança pra serem acessas.
Os destaques são as excelentes “Modern Man”, “Rococo”, “Empty Room” e “Sprawl II (Mountains Beyond Mountains)”. Nessas quatro faixas vamos do som barroco de “Rococo” ao extremo pop com “Modern Man”.
O disco ganha pontos porque além de ser sincero e ousado, tem um apelo pop essencial, brincando com os estilos musicais sem perder a classe. A única ressalva, o único porém, é que a história de The Suburbs ficaria muito mais linda se a voz doce de Régine Chessagne aparecesse mais.
Sem mais elogios na ponta dos dedos, repito que esse, por enquanto, é o disco do ano e um dos maiores discos da história. E acredito que esse não é o clímax da carreira dos canadenses do Arcade Fire. Podem anotar, muita coisa melhor ainda virá.
Até porque hoje em dia não fácil se tornar um gênio hoje em dia, quanto maior a oferta de bandas, maior a competitividade pelo posto de “godlike genious” que as revistas britânicas gostam de oferecer em suas premiações anuais. Mas quem são esses gênios, afinal? O tal troféu sempre vai parar, com contradição, nas mãos dos coroas The Cure, Manic Street Preachers e até Joy Division.
Os gênios estão aqui, agora e na frente dos nossos narizes. Com os seus três discos lançados, o Arcade Fire se comporta com uma banda que tem muito mais história. Funeral, de 2004, é um dos melhores debuts da década passada; o conceitual e mais difícil é Neon Bible, gravado durante 2006 em uma igreja condenada no Quebec, passou longe da popular crise do segundo disco e, de quebra, apareceu com um dos projetos gráficos mais incríveis dos últimos anos. Se houvesse uma crise do terceiro disco, o septeto canadense também não se sentiria ameaçado.
The Suburbs não é um clássico, mas simplesmente porque os clássicos são definidos pelo tempo. Que tal a gente voltar nessa conversa daqui a dez anos? Quando o momento chegar, não duvide da presença do disco no ranking dos melhores da história.
Mais versos de Régine Chassagne e uma maior participação de Owen Pallett, vulgo Final Fantasy, responsável pelos arranjos de cordas do Arcade, não fariam mal a ninguém mas, quando os dois aparecem, haja coração. Os violinos frenéticos abafam a guitarra distorcida e o rock jovial de “Empty Room”, em que Régine, com versos tímidos em francês, consegue conquistar qualquer um com a frase “Toda minha vida é com você”.
Aos 30 anos, Win Butler soa saudosista em algumas faixas. Aliás, essa é a primeira impressão que o disco passa com “The Suburbs”, música carregada por uma baladinha no piano com cara de anos 60. O mesmo piano eficiente e, dessa vez, monotônico reaparece em “We Used To Wait”, mais uma composição que dá gosto cantar junto. Não pela primeira vez, o Arcade Fire se destaca como um grupo de letristas praticamente impecáveis.
The Suburbs não tem uma música mediana sequer a única coisa que você vai ouvir nele são hinos ainda não descobertos e, para te ajudar a descobrir isso, nada melhor do que ouvir o disco no shuffle/random algumas vezes. Em alguns casos, como “Rococo”, o termo “hino” pode ser levado ao pé da letra: não há como não pensar em um “estádio” e “Arcade Fire” são palavras que finalmente começam a combinar, como dá pra notar logo abaixo lotado por pessoas brandando o título da música, só com a base de cordas para sustentá-las.
As melhores composições não se concentram em um único pólo do disco. “Ready To Start”, que aparece logo no início, só encontra uma faixa à sua altura na segunda metade do álbum essa seria “Month of May”, primeira vez em que os canadenses se aventuram e marcam ponto fazendo rock cru, chiado e quase punk.

As investidas do septeto em uma pegada mais leve e doce, como a da inesquecível “Crown of Love” (Funeral, 2004), não falham.“Half Light” não é o ápice do disco, mas “Suburban War” compensa o que ela fica devendo. Alguns versos de “The Suburbs” reaparecem aqui, com uma nova melodia, acompanhados por notas de guitarra que podem te lembrar daquela música do Blink 182 . Régine chega a seu momento de glória com “Sprawl II (Moutains Beyond Mountains)”, em que lidera os vocais sobre uma balada totalmente inusitada, com cara de pop oitentista, mas que não chega a se encaixar nas pistas.
Os subúrbios vão indo embora em baixo tom com o segundo round de “The Suburbs”, mais curto e dramático, parecendo um desabafo choroso de um Win Butler mais nostálgico e criativo do que nunca: “Se eu pudesse ter de volta o tempo que desperdiçamos, sei que eu adoraria desperdiçá-lo novamente”.

Fonte: Rockinrollpress

Mais que uma simples lolita

2011-05-13T11:35:00.000-07:00

O pai é alemão, o avô materno negro. Dessa mistura de raças surgiram os imensos e hipnotizantes olhos azuis e a boca carnuda de Bruna Linzmeyer, de 18 anos, que esta chamando a atenção da mídia por roubar a cena com o sucesso de sua personagem (Leila, uma estudante de moda) e tirar o fôlego dos telespectadores mais afoitos no horário nobre na novela Insensato coração. Nascida em Corupá, Santa Catarina, ela deixou a cidade aos 16 anos para tentar a sorte em São Paulo. Como modelo, percebeu que seu 1,61 metro não ajudaria. Resolveu focar na carreira de atriz. Um ano depois, o diretor Luiz Fernando Carvalho a descobriu e a convidou para Afinal, o que querem as mulheres? Minissérie em que vivia a sedutora lolita russa Tatiana Dovichenko. “Não vou ser uma Lolita, tenho capacidade para mais”, afirma, com voz de menina. A fama não a assusta. “Sou pé no chão”, diz a atriz, que gosta de andar por Copacabana, bairro que escolheu para morar no Rio de Janeiro. E sua vida amorosa também parece ir bem. Ela está namorando, o também ator Michel Melamed, de 34 anos.
Se Bruna Linzmeyer fosse Alice, aquela do País das Maravilhas, certamente faria o coelho correr atrás dela, e não o contrário como mostra a história de Lewis Carooll. Bruna diz que a Leila de Insensato coração tem aquela veia jovem de quem tudo quer num simples piscar de olhos. E que olhos! Nem vamos nos ater muito a eles. É que Bruna não gosta de ser apenas um par de olhos azuis. Sabe como é...Nos perturbadores olhos de Bruna, a inquietude inerente à idade está estampada a cada observação que faz da própria biografia. É de se espantar que a menina, até meio franzina, que chega com um exemplar de jornal embaixo do braço e cita Freud com a mesma desenvoltura com que fala de suas sandálias Havaianas, tenha mesmo acabado de sair da adolescência.
“ Estou sempre em conflito e isso me leva a vários lugares. Me deixo seduzir e seduzo a vida para que ela se apresente a mim da melhor forma. Sou movida por paixões, pelo que me encanta ” Tenta traduzir-se.
Bruna é cheia de metáforas, de frases construídas, de referências culturais quase manjadas para pseudointelectuais, mas deixa-se transparecer ao falar da infância em Corupá, quando gostava de subir em árvores, tomar banho de cachoeira, correr até a casa dos avós alemães ou ouvir os sábios segredos do irmão mais velho, que trocou o futuro de artista pelo de bancário. Daí você fica sabendo que esta bela menina-mulher esquece de marcar as consultas médicas, tem dificuldade em manter a casa organizada e descobriu um gosto por andar de chinelos que antes não tinha. A única rotina que aceita e gosta é a de gravar a novela e correr por aí.
“ Correr me traz sensação de liberdade, sinto meu corpo todo, aquele vento batendo, a música no máximo... Poderia mudar o mundo correndo” Define.
Todo Brasil se apaixonou aos poucos por Bruna e automaticamente por sua personagem forte, decidida e moderna que de menina suburbana que morava em Florianópolis no início da novela, voltou uma mulher totalmente repaginada e madura de Londres, com cabelos bem mais curtos e arrojados no estilo dark-punk de garotas londrinas. Esse estilo descolado e fashion tem virado grande referência de moda para muitas adolescentes atualmente.
“ Deixei de ser virgem aos 16 também, como a Leila, e foi tudo tranquilo ”. Limita-se a dizer.
Bruna só não encontrou ainda uma fórmula para aplacar a saudade. Pelo menos uma vez por mês, voa até a cidade natal para se reabastecer.
“ Preciso disso, estar perto da minha família me faz ter os pés no chão e perceber que, qualquer coisa que queira fazer, sempre poderei voltar para lá ”. Diz ela.
Por vezes, ouvindo Bruna discorrer sobre qualquer assunto, é fácil esquecer dos seus 18 anos. Mas basta uma resposta para ter certeza de que a moça de belos olhos e boca à la Angelina Jolie ainda tem estrada pela frente, pois tem sido muito elogiada e tem mostrado muita paixão pelo que faz. É uma garota inteligente que adora ler, além de possuir uma beleza única. Beleza que sempre se destacou desde de seu primeiro trabalho na tevê em Afinal o que pensam as mulheres? Bruna ficou praticamente nua em algumas cenas, fazendo subir a testosterona de muitos moçoilos por aí. Foi o que chamou a atenção da revista Playboy, que a quer em suas páginas mais breve possível, ótimo para os fãs de Bruna, que poderiam ver a moça como veio ao mundo na revista masculina, mas como eu disse poderiam vê-la nua, porque para a decepção de todos os mais assanhadinhos, a atriz que foi mesmo sondada pela publicação, mas não pretende negociar e nem pretende posar nua tão cedo. Poxa! Que pena! Que pena mesmo!

Fonte: Uol.

Vade retro Bolsonaro!

2011-04-14T12:45:00.000-07:00

Com essa cara de doido e essa frase: “Soldado que vai a guerra e tem medo de morrer é covarde”. O capitão do exército e deputado federal Jair Bolsonaro do (PP-RJ) diz estar pronto para uma guerra, no caso a luta vai ser para evitar uma possível cassação por quebra de decoro parlamentar depois de ter dado declarações racistas e homofóbicas na TV Bandeirantes. Bolsonaro participava do quadro “O povo quer saber”, do humorístico CQC, na segunda-feira 28, quando respondeu a pergunta da cantora Preta Gil, que indagara o deputado sobre como ele reagiria se seu filho se apaixonasse por uma negra. A resposta: “Preta, não vou discutir promiscuidade com quem quer que seja. Eu não corro esse risco e meus filhos foram bem educados. E não viveram em ambientes como lamentavelmente é o seu”. E quando perguntado por uma telespectadora, se ele fosse convidado para sair num desfile gay, se iria? A resposta: “Eu não iria porque eu não participo de promover os maus costumes, até porque acredito em Deus, tenho uma família e a família tem que ser preservada a qualquer custo, senão uma nação simplesmente ruirá”.
E eu me pergunto: meu Deus qual o limite imunidade parlamentar? Pelo artigo 53 da Constituição diz que deputados e senadores não podem ser processados na Justiça por suas opiniões. Eita Brasil injusto hein? Esse cidadão não pode ficar impune. A liberdade de expressão é uma coisa, racismo e homofobia são coisa completamente diferentes. Cadê a OAB?
Preta Gil nesse história toda, deu o primeiro tiro. Afirmou via twitter que iria processar o deputado e argumentou, em tom de desabafo: “Sou uma mulher negra, forte e irei até o fim contra esse deputado racista, homofóbico, nojento”. A declaração de Preta Gil repercutiu e o assunto tomou forma na internet. Em questão de horas Bolsonaro já estava no topo do Trending Topics Brasil. Na terça-feira 29, a guerra já alcançava o Congresso com 20 parlamentares assinando três representações contra Bolsonaro. “Representamos ao Conselho Nacional de Defesa da Pessoa Humana, à Procuradoria Geral da República. Afinal, racismo não é crime? ” Escreveu o deputado Brizola Neto em seu blog.
A partir daí a situação para Bolsonaro passou a ficar tensa. Temendo perder o mandato, o deputado precisou levantar a bandeirinha branca. No seu site pessoal, o parlamentar divulgou “nota de esclarecimento”: “A resposta dada deve-se a errado entendimento da pergunta percebida, equivocadamente, como questionamento a eventual namoro de meu filho com um gay. O próprio apresentador, Marcelo Tas, ao comentar a entrevista, manifestou-se no sentido de que eu não deveria ter entendido a pergunta, o que realmente aconteceu.” A verdade é que Bolsonaro recuou porque ele sabe que racismo é crime, o que facilitaria uma cassação de mandato por quebra de decoro. Uma prisão é mais complicada, visto a sua imunidade parlamentar.
Na retaguarda virtual de Bolsonaro estão seus dois filhos, que também são políticos; o vereador Carlos Bolsonaro e o deputado estadual Flávio Bolsonaro. Ao verem a tag #forabolsonaro nas primeiras posições do Trending Topics Brasil, os pimpolhos embarcaram na guerra para tentar recuperar a imagem do papai. Carlos Bolsonaro, o mesmo que defende a esterilização de mendigos, escreveu no twitter, em letras garrafais: “Papai mandou eu obedeço com muito orgulho. Se os filhos respeitassem os pais nos dias de hoje, certamente teríamos um país melhor! Continuem forçando a barra em cima do que não existe! No fim sairemos vencendo porque estamos do lado da verdade! ”. Embora mais contido, Flávio Bolsonaro involuntariamente complicava ainda mais situação. “ Vejam o vídeo com imparcialidade e vejam se há nexo entre pergunta e resposta? Claro que não! Não adianta quererem taxar o Bolsonaro de racista, sua história é sua maior defesa!”
Não é bem assim. A história de Bolsonaro mais atrapalha do que ajuda. Vale conferir que o medo, agora, é inédito. O deputado é famoso por suas declarações homofóbicas e sempre sair ileso delas. Foram mais de 20 processos abertos contra ele na Câmara, mas nenhum capaz de punir o deputado. Sequer lhe enfraquecer a imagem. Nas últimas eleições Bolsonaro conseguiu se reeleger para o seu sexto mandato como deputado federal, pelo Rio de Janeiro, com mais de 100 mil votos. Foi o 11° mais votado do Estado. São mais de 20 anos de Congressos e uma ampla coleção de polêmicas das mais absurdas. Seu alvo predileto são os homossexuais. Em novembro do ano passado, Bolsonaro esbravejava em repúdio ao kit contra a homofobia, que visa combater a discriminação dentro das escolas públicas. “É um estímulo ao homossexualismo. É um incentivo a promiscuidade”, dizia. Em outra ocasião, o deputado sugeriu aos pais darem palmadas nos seus filhos para eles “aprenderem a serem homens”. “Se o filho começa a ficar meio gayzinho, leva um coro. Aí ele muda o comportamento dele”.
Em 2008, Bolsonaro era protagonista de uma das cenas mais lamentáveis da Câmara. Num bate-boca com a então deputada Maria do Rosário, hoje ministra da Secretaria dos Direitos Humanos, o parlamentar empurrou e chamou a colega de “vagabunda”. Em outros momentos, taxou Lula de “homossexual”, Dilma de “assassina especialista em assalto e furto” e promoveu uma singela homenagem ao então presidente FHC: “durante a ditadura militar deveriam ter sido fuzilados uns 30 mil corruptos, a começar pelo presidente Fernando Henrique Cardoso”. O golpe de 1964 impetrado pelos militares, para Bolsonaro, foi uma “revolução”. Chega a ser constrangedor em sua página pessoal na internet ele divulgar um editorial do jornal O Globo, escrito pelo finado Roberto Marinho, defendendo com amor o regime ditatorial. Garrastazu Médici, um dos mais sanguinários presidentes da ditadura, para o deputado, foi um “homem ético”.
Enfim, nem a história e nem o próprio Bolsonaro ajudam. Diante de toda a repercussão do caso envolvendo Preta Gil, Bolsonaro distribuiu entrevistas para vários portais e engrossou a rejeição à sua imagem. “Aceito meu filho ter relacionamento com qualquer mulher, menos com uma com o comportamento da Preta Gil. Quem é o pai dela? Gilberto Gil. Aquele que vive dando bitoquinha em macho por aí”, dizia ao site da Veja. Sem citar o nome do deputado Jean Willys, um dos que assinou a representação contra o parlamentar, Bolsonaro atacava: “Eu estou entrando agora com uma representação no Conselho de Ética, para que eu possa ser ouvido lá e acabe com essa polêmica. Ou eu vou deixar que um deputado homossexual, não sei se é ativo ou passivo, queira crescer em cima de mim?”
O caminho para uma cassação não é curto. E, diante do histórico de impunidade no Congresso, além de longo, de difícil êxito. Para se ter idéia, o corregedor responsável pelo encaminhamento da representação ao Conselho de Ética é Eduardo da Fonte, partidário de Bolsonaro. Cabe a Fonte enviar ou não o processo. Só depois de encaminhado é que poderá ser aberto um pedido de cassação. E pedido é o que não falta. Na quarta-feira, dia 30, a OAB-RJ entrou com um processo contra o deputado e há na internet um abaixo-assinado com mais de 82 mil assinaturas pedindo a cassação do mandato do parlamentar. A petição intitulada "Proteja o Brasil do Bolsonaro" está em todas redes sociais.
Aos que acham que ele tem todo o direito de discordar, um aviso: liberdade de expressão tem de existir, sim. Mas não se pode dizer impunemente, em rede nacional, coisas como estas. Até para isso há limite. Uma vez que se descamba para apologia ao racismo, por exemplo, deixa-se de ser uma opinião. Torna-se crime. O mesmo se aplicaria a homofobia, mas infelizmente políticos como Bolsonaro atrasam a lei que criminaliza o ódio e a violência contra homossexuais automaticamente atrasam o país. Ainda que de uma maneira que não tenha agradado a todos, o “CQC” fez bem, sim. Mas poderia ter feito bem antes, mas antes tarde do que nunca. E chega de Bolsonaro na TV. E porque não mandar esse senhor pra puta que pariu ele? Vade retro satanás! Ou melhor: vade retro Bolsonaro!

Fonte: Colunistas do IG

Efemeridade

2011-03-20T13:21:00.000-07:00

Hoje vou melhorar para amanhã ser melhor
O tempo pode passar depressa demais
Não sou de deixar nada pra depois
Não sou muito de paciência
Impaciente falha humana
Tudo pode mudar
Tudo pode não chegar
O último dia
Uma última chance
O presente já passou
O futuro já existe
Na efemeridade primitiva do mundo
Onde Saturno e Cronos se confundem
Nunca temos todo o tempo do mundo
O tempo corre só enquanto há vida
A vida deixa sempre uma obra
A calma, a dança, a loucura, a cura
Obras-primas de uma vida
Numa vida breve que se encurta
Curto fio que encerra o fim dos dias.

(Codinome Pensador)

E o Oscar foi para...

2011-03-07T19:10:00.000-08:00

Quando a atriz Natalie Portman recusou aos dez anos de idade ser modelo para se dedicar a sua carreira cinematográfica, nem imaginava que neste ano de 2011 ganharia o Oscar de melhor atriz, por sua elogiadíssima atuação no filme dark-psicológico Cisne Negro do cineasta cult Darren Aronofsky, onde interpreta uma bailarina escalada para o papel principal do balé O lago dos cisnes de Tchaikovsky, só que essa novo panorama gera toda uma enorme obsessão e esse sonho se torna um pesadelo.
Para Nina, a personagem de Natalie, interpretar o Cisne Branco, não é um problema. Ela, afinal, partilha com a personagem suas qualidades metódicas e virginais, é pura, inocente e encantadora. O desafio é o Cisne Negro, a encarnação da sensualidade e da sedução. Se ele quiser estampar o cartaz da companhia, agora que a primeira bailarina foi aposentada, Nina terá que superar seus medos e como a protagonista do balé, transformar-se. Mas o brilhantismo e o mérito de Natalie está na forma que ela usa a superação da personagem aos limites físicos e barreiras psicológicas de maneira literal. Refém da perspectiva de Nina, é visivel acompanhar a desintegração da sua sanidade enquanto ela enfrenta a pressão do diretor, a superproteção da mãe e a chegada de uma excitante bailarina concorrente. Natalie entregou-se totalmente à personagem, perdeu peso e até aprendeu a dançar, mesmo que ainda que em vários momentos tenha sido ajudada pelas suas dublês. Natalie está impecável. Tão perfeita que pra mim, que adorei o filme, foi até covardia ela participar da premiação do Oscar deste ano. Os sentimentos de Nina são visíveis a cada olhar, cada movimento que a atriz leva o filme de 108 minutos sem pressa, sem exagero e todo o seu esforço no final é simplesmente sublime.
Nascida Natalie Hershlag em Jerusalém, mudou-se para os Estados Unidos com apenas 3 anos de idade, judia, vegetariana, formou-se em Psicologia na Universidade de Harvard. Mas foi aos doze anos que estreiou ao lado do ator Jean Reno, no filme O profissional de Luc Besson, que foi um sucesso e revelou Natalie para o mundo, participando desde de então de dezenas de filmes e trabalhando com os mais prestigiados diretores como: Woody Allen em Todos dizem eu te amo, Tim Burton em Marte ataca!, George Lucas em três episódios da série Guerra nas estrelas, James McTeigue em V de Vingança, Milos Forman em Sombras de Goya, Anthony Minghella em Cold Mountain, Mike Nicchols em Closer- Perto demais, que lhe deu uma indicação em 2005 ao Oscar de melhor atriz codjuvante mas perdeu para atriz Cate Blanchett como a elegante Katharine Hepburn no filme O Aviador de Martin Scorsese.
Cisne Negro é definitivamente a consagração da carreira de Natalie Portman aos 29 anos. Que emocionada ao receber a estatueta dourada das mãos do também oscariado ator Jeff Bridges, vencedor do Oscar de melhor ator em 2010, pelo cantor country alcoólatra do filme Coração Louco. Ela fez questão agradecer aos pais: "Obrigada aos meus pais, que me deram a vida e a oportunidade para trabalhar no que mais amo", afirmou a atriz que está grávida de cinco meses, agradeceu também ao futuro marido, o bailarino Benjamin Millipied, autor das coreografias do filme: “Ao meu amor lindo, Benjamin, que me deu o mais importante papel da minha vida.” Disse Natalie.

Assim como Nathalie Portman ganhou o prêmio de melhor atriz, o ator britânico Colin Firth, foi o grande agraciado com o prêmio de melhor ator no filme o Discurso do Rei por seu desempenho como o Rei George VI, que vem a ser pai da rainha Elizabeth II, e de sua ascensão de Duque de York à rei da Inglaterra, depois da morte de seu pai o Rei George V e da renúncia de seu irmão, o Rei Edward VIII.
O filme O Discurso do Rei mostra o que acontece em um dos momentos em que a Inglaterra mais precisava, às vésperas da 2ª Guerra Mundial, o Rei não conseguia falar em público pois tinha ataques fortíssimos de uma insuportável gagueira. Entra na estória, então, Lionel Logue papel do sempre excelente ator Geoffrey Rush, um fonoaudiólogo pouco convencional que consegue mostrar progresso no tratamento do rei, que já havia passado pelas mãos de dezenas de outros especialistas. Essa relação do Rei com o excêntrico fonoaudiólogo que dá origem a diversas situações, questionamentos e descobertas, constituindo uma base forte e interessante de todo o filme.
E mostrar os desdobramentos dessa relação de forma plena e cuidadosa é algo que o diretor Tom Hooper consegue com maestria, apesar de ser um novato e com uma filmografia de apenas três filmes, Tom Hooper foi o ganhador do Oscar desse ano e levou para casa o prêmio de melhor diretor. Hooper consegue guiar em seu filme tudo com muita naturalidade, sem cortes excessivos, sem takes ousados, com uma fotografia objetiva e movimentos de câmera discretos. Esse é, talvez, o grande mérito do filme, ser emocionante sem ser piegas, ser burocrático sem ser desinteressante, ser tocante sem ser forçado, ser sutilmente engraçado sem ser brega e ser dramático sem exageros, tudo isso bem ao gosto do jeitinho inglês de fazer cinema.
Eu achei a estória do filme interessantíssima e claro que pouco conhecida, eu não conhecia esse aspecto íntimo ao mesmo tempo que teve grande reflexo na História, considerando o sofrimento dos ingleses durante esse período e a resistência deles aos avanços de Hitler, algo que o resto do Ocidente demorou ainda mais para perceber. E é assim que o filme O Discurso do Rei se torna na minha opinião bastante emocionante e engajante.
Colin Firth está sensacional como o Rei George VI, porque ele consegue passar humanidade, dignidade, medo, inteligência, todas essas expressões apenas com o olhar. Ele se entrega de corpo e alma ao papel, assumindo um verdadeiro rei de forma tragicômica em toda suas nuances, gestos, fala e expressões e comandando todas as cenas em que aparece sem precisar ser a tal figura imponente que está representando no filme. Além disso tudo, ele é gago. Mas não é um gago clichê. Ele é um gago atormentado, aterrorizado mesmo.
O Discurso do Rei não é apenas um filme que mostra aparentemente um simples discurso de um rei que não conseguia superar a gagueira, mas mostra muito mais que isso, mostrar sim que o poder da palavra pode mudar um país, pode confortar um povo em seus mais difíceis momentos e pode trazer esperança, união e paz.
Colin Firth, que vai fazer 51 anos em setembro, ganhou fama na série de televisão Orgulho e Preconceito em 1995 e passou a ser admirado e cobiçado pelas mulheres, de tal forma que foi adquirindo prestígio para ser catapultado ao cinema onde atuou em filmes premiados como: O Paciente Inglês, Shakespeare Apaixonado e cults como: Apartamento Zero e Valmont, mas o estrelato veio mesmo com o popular: O Diário de Bridget Jones de 2001, contracenando com Renée Zellweger e Hugh Grant, em 2008 participou da adaptação para o cinema do musical Mamma Mia!, grande sucesso de bilheteria tendo no elenco a consagrada Meryl Streep. Em 2010, obteve sua primeira indicação ao Oscar na categoria de melhor ator pelo filme O Direito de amar em que atuou ao lado de Julianne Moore. E para muitos críticos a premiação com o Oscar de melhor ator para Colin Firth, é muito merecida e faz justiça por ele ter perdido ano passado o prêmio com o filme O Direito de amar. Filme este que mostra um Colin Firth com uma atuação irrepreensível e inesquecível, como um professor homossexual retraído que fria e organizadamente planeja seu suicídio. A entrega do ator é tão grande no filme, que às vezes faz de seu personagem em alguns momentos a única coisa palpável do filme.
E que venham outros filmes para nos emocionar e prêmios para engrandecer esses que são considerados, a melhor atriz e melhor ator de 2011 .

(Codinome Pensador)

Eu vi. Filme: A Origem

2011-02-11T13:12:00.000-08:00

Sinopse: Dom Cobb (Leonardo DiCaprio) é um habilidoso ladrão, o melhor de sua geração, na perigosa arte da extrair segredos valiosos das profundezas do inconsciente durante o sono com sonhos, quando a mente está mais vulnerável. Essa rara habilidade de Cobb o tornou peça fundamental no traiçoeiro mundo da espionagem industrial, mas também o tornou um fugitivo internacional e ele perdeu tudo o que mais amava.
Agora, Cobb tem sua chance de redenção, um último trabalho que pode dar-lhe sua vida de volta se ele conseguir o impossível, a inserção. Ao invés do roubo perfeito, Cobb e sua equipe de especialistas têm que obter o inverso: sua tarefa não é roubar uma idéia, mas plantar uma. Se eles conseguirem, terão o crime perfeito. Mas nem todo seu planejamento poderia prepará-los para um perigoso inimigo que parece prever cada movimento da equipe. Um inimigo que apenas Codd consegue enfrentar.

Ficha técnica: Título original: Inception. Lançamento: 2010 (EUA). Direção: Christopher Nolan. Gênero: Ficção Científica. Elenco: Leonardo DiCaprio, Joseph Gordon-Levitt, Marion Cotillard, Ellen Page, Tom Hardy, Michael Caine, Tom Berenger.

Butoh, a dança do homem-árvore

2011-01-26T07:01:00.000-08:00

O butoh é uma dança que surgiu no Japão pós-guerra em meio aos protestos estudantis no Japão e ganhou o mundo na década de 1970. Criada por Tatsumi Hijikata na década de 50, o butô é também inspirado nos movimentos de vanguarda: expressionismo, surrealismo, construtivismo.
O butoh, é o resultado, não artístico, mas muito mais filosófico, da confluência de duas culturas completamente opostas e nitidamente anacrônicas: a ocidental, que vinha sendo consubstanciado pelos idos da modernidade de uma ideologia americana dos anos 50; e pela oriental, extremamente embasada em séculos e séculos da mais pura tradição milenar japonesa. Tatsumi Hijikata e Kazuo Ohno, os expoentes e criadores da arte butoh, buscaram nas vanguardas européias, como no expressionismo, no cubismo e no surrealimo, e nas danças japonesas, como Nô e Bugaku, a inspiração para a criação de suas artes. Seguindo a estética de artes que tinham como proposta a subversão de convenções, caracteristicamente assumidas pelas vanguardas, o butoh busca uma forma de expressão que não seja necessariamente coreografada, nem presa a movimentos estereotipados que remetam a uma técnica específica. O butoh preocupa-se em expressar a individualidade do butoka, sem máscaras e véus de alegoria; expressar o que o ser humano tem de verdade em sua alma, em seu espírito, mesmo que para isso desvende o que pode haver de mais sórdido, solitário e trevas no interior do dançarino. E para que isso seja expresso, não cabe que o meio pela qual se dá a expressão seja preso à convenções que mascaram a verdade da alma humana. O que deve ser feito, segundo a filosofia butoh, é libertar-se das formas do corpo e do pensamento. Kazuo Ohno, utilizou por muitos anos termos bastante sugestivos para a transmissão de seus conhecimentos aos seus discípulos, tais quais: o corpo morto, o qual sugere um corpo e uma alma vazia, livre, leve, sem empecilhos que o impeça de expressar-se. Aqui também está incluso a ideia do olho de peixe, que lembra os olhos de um cadáver, sem vida e estático, porém, assim como o peixe, extremamente vivo e pronto para reagir, assim como deve ser o butoka; crayze dance, free style, referindo-se ao livrar-se de convenções que estipulam os movimentos do corpo e da mente, uma expressão pura, completamente concernente à peculiaridade de cada butoka; o passado, os mortos, segundo Kazuo, só somos hoje o que somos, graças aos nossos mortos; aqui está inclusa a ideia do zen budismo da transitoriedade das coisas, de que é necessário a morte para que haja a vida. Como toda a arte que fica grafada nas páginas da história, o butoh expressa o que é universal, expressa o que é o ser humano com a sua torpe verdade. Assim, tanto para o butoka quanto para aqueles que o vêem dançar, as máscaras sociais são arrancadas e a verdade de cada um é brutalmente desvendada causando, consequentemente, uma espécie de alvoroço interior que nos obriga a sair de nossas estaticidades e conformações em busca do nosso verdadeiro eu. Assim, se compreende o intento de Hijikata ao pretender o butoh não como uma simples dança, mas como uma filosofia.
Um conceito de moderno para definir o butoh, seria de uma espécie de um teatro fundido à dança de vanguarda, se inspirou na "Ausdruckstanz" e em outras modernas tendências europeias e continua se abrindo a influências e assimilações, pós anos 50 anos, como a capoeira e a música pop da atualidade.
Corpos embranquecidos com pó-de-arroz japonês, lentidão sobre-humana, delicadeza e ternura beirando o kitsch, estertores, esgares, convulsões, morbidez, posturas corporais extremas, seminudez, sugestões de sangue, morte... Tão fácil é enumerar o repertório de formas do butoh quanto é duro definir satisfatoriamente essa arte corporal. Pois ela se originou e habita nos interstícios entre os conceitos, morto-vivo, belo-horrendo, masculino-feminino, isto é, na superação de gêneros e dualismos.
Michael Haerdter e Sumie Kawai, autores do livro Butoh, rebellion des körpers (Butoh, a rebelião do corpo), chamam a atenção para o processo de americanização, uma dependência com componentes "não apenas político-econômicos, mas também psicológicos", que tomara o Japão, "um país de contradições", após a Segunda Guerra Mundial.
Na dança do butoh, um inimigo era a modern dance, com sua fixação na pura forma. E o cultivo das artes cênicas tradicionais japonesas era percebido como uma camisa-de-força, feita de movimentos e gestos preservados e repetidos com minúcia pelos séculos adentro.
Os impulsos decisivos para romper com esse estado de estagnação artística partiram da Ausdruckstanz alemã. Interessante notar que a dança expressionista desenvolvida nas décadas de 20 e 30 por Mary Wigman e seus discípulos Harald Kreutzberg e Gret Palucca também se originara da revolta contra o balé clássico. E, para tal, seus criadores igualmente recorreram a influências "exóticas".
Por recusar-se a ser cristalizado como técnica, ou a formar escola, a natureza do butoh continua escapando a definições simplistas. Segundo um de seus maiores mestres, Kazuo Ohno: “O butoh é o que aprendi a inspirar e expirar, e cresci num determinado lugar. Impossível querer ensinar ou aprender essa vivência totalmente pessoal." Segundo ele, butô seria "o cadáver que quer se levantar, a todo preço e apaixonadamente"; "a luta de coisas invisíveis em meu corpo". "Minha dança nasceu da lama", comentava. Ou: "Não se esqueçam de fazer a tentativa de conviver com seus mortos".
O flerte com a morte é uma das constantes desse teatro-dança em perpétua mutação. Um componente extremo que conferiu trágica notoriedade ao grupo Sankai Juku em 1985: durante uma apresentação em Seattle, Washington, em que os intérpretes ficavam pendurados de cabeça para baixo de um alto edifício, uma corda partiu-se, e um deles precipitou-se na calçada abaixo, morrendo em seguida.
Porém, cinco décadas de sua origem, o teatro-dança japonês continua vivo e disposto a continuar assimilando influências estranhas, seja o flamenco, a capoeira ou o hip hop. Sua rede se espalha, e são numerosas as trupes de butô por todo o mundo.
Apesar da advertência de Hijikata, muitos tentam comunicar a natureza do butô. Na Alemanha, nomes como Minako Seki e Tadashi Endo (presença frequente no Brasil), lecionam regularmente. E a dançarina Sayoko Onishi dirige a Accademia Internazionale di Butoh na Sicília, Itália, em colaboração com Yoshito Ohno, filho de Kazuo.
O butô provou, igualmente, sua capacidade de ser assimilado: a legendária montagem de Macunaíma de 1978, do diretor brasileiro Antunes Filho, ilustra hoje publicações sobre o butô. Nos anos 90, a diretora norte-americana Julie Taymor integrou o veterano Min Tanaka em sua montagem do Oedipus Rex de Stravinsky, ao lado de Jessye Norman.
O butoh teve em Kazuo Ohno, seu grande mestre do teatro butoh, Kazuo foi mais que um dançarino e coreógrafo japonês, conhecido como o homem-árvore, por seus movimentos exóticos que lembravam as hastes finas de bambus, árvore que é considerada sagrada no Japão. Ele esteve três vezes no Brasil, nos anos de 1986, 1992 e 1997. Na primeira, Ohno visitou o país a convite do diretor Antunes Filho. “Ele foi fundamental na dança contemporânea e nas artes cênicas, trouxe para o Ocidente uma linguagem e uma técnica antes desconhecidas por nós. Foi uma revolução em relação ao que nós tínhamos como referência”, diz a encenadora, atriz e coreógrafa Maura Baiocchi, que conheceu Ohno na Universidade de Brasília em 1986 e foi uma das pioneiras na introdução do butô no país. Kazuo morreu ano passado com 103 anos, nasceu em 1906 na cidade de Hakodate, no Japão.
O corpo estava frágil e já há uns anos que vivia acamado, depois de outros tantos em cadeira de rodas mas, ainda assim, a dançar era vital para a sua vida, Kazuo que chegou algumas vezes nos seus últimos dias de vida a ser carregado ao colo ao palco pelo filho, Yoshito Ohno. Em 2004, ele anunciou o abandono dos palcos, mas a sua energia, contudo, não acabava, por isso, ele foi chamando de homem-árvore, um homem que revolucionou da dança mundial.
Com uma maestria incomum e brilhante adquirida com anos de formação, que singularizou Kazuo e fez dele uma das maiores referências mundiais da criação contemporânea. Diz-se que um bailarino deve iniciar o seu percurso cedo, e ele começou apenas aos 43 anos, depois de ter sido professor de Educação Física e soldado, acabando como prisioneiro de guerra na Nova Guiné.
Kazuo disse em uma de suas últimas entrevistas: “ Como é que eu posso dançar, como é que eu posso exprimir certas coisas se cada vez tenho menos força e menos energia? Mas sou capaz, porque sei que não estou sozinho, dentro de mim habita a minha família que me dá a força que necessito. O butoh é uma dança que valoriza a vida, mas que o faz assim convocando a morte, pois não se pode pensar na vida sem pensar na morte". Filosofou Kazuo.
Em 2009 o rosto de Kazuo Ohno, foi a capa de um álbum da banda britânica Antony & The Johnsons, intitulado Crying light, álbum dedicado a ele.

Fonte: Conexão dança

O palhaço do ano

2010-12-21T12:47:00.000-08:00

Eu estava pensando quem eu poderia eleger como o mais autêntico brasileiro do ano, se for para eleger o óbvio seria fácil, me vem à cabeça logo muitos nomes, desde da nossa presidenta eleita Dilma Rousseff, passando pelo nadador Tiago Pereira, pela cantora Ivete Sangalo, pelo apresentador Marcelo Tas e até mesmo pelo galãzinho do momento Fiuk.
Mas eu queria alguém no sentido mais verdadeiro da palavra brasileiro, no sentido literal daquele famoso slogan publicitário “ Sou Brasileiro não desisto nunca!”. E na minha opinião brasileiros assim são muitos raros e merecem ser homenageados sempre, até porque ser brasileiro no Brasil é muitíssimo difícil por todos os inúmeros problemas que já sabemos, pela nossa educação de baixíssimo nível, falta de emprego, falta de saneamento básico, falta de saúde, corrupção, desigualdade social, altos índices de criminalidade e mesmo assim surge dentro de nós, não sei de onde uma superação diária que faz com que nos sejamos malabaristas, como muitos pais e mães de família que sustentam suas casas com apenas um ridículo salário mínimo. Isso que é ser brasileiro, quando a perseverança vence todo e qualquer obstáculo e o pensamento de desistir é quase inexistente, apesar dos obstáculos e das muitas dificuldades. Há tempos que não se via o brasileiro tão empolgado com sua força interior. Sua auto-estima que estava em baixa, por problemas já mencionados, subiu a níveis surpreendentes, o espírito de patriotismo elevou-se também. Isso não estou falando da boca pra fora, é um dado pesquisado e comprovado pela Associação Brasileira de Anunciantes.
E comecei a imaginar e visualizar a imagem de um pobre menino no interior do Ceará, numa cidadezinha chamada Itapipoca, que com oito anos começou a trabalhar em um circo onde atuava como palhaço, acompanhado pela alcunha de Tiririca, o apelido lhe foi dado devido à personalidade muito forte de que gozava. O apelido foi dado pela mãe, quando o filho se mostrava mal-humorado e zangado.
Anos depois já adulto, Francisco Everardo Oliveira Silva, o Tiririca, fazia apresentações sempre em barracas, espécies de pequenos circos, muito comuns no Nordeste, e se tornaram cada vez mais constantes. Devido ao grande sucesso alcançado nesses espetáculos, os barraqueiros da região pagaram as primeiras mil cópias do CD de estréia, que bateu índices recordes de vendagem com mais de 1,5 milhão de cópias, isso graças à exaustiva execução nas rádios da canção de estilo regional nordestino intitulada Florentina. Distribuída inicialmente pelas regiões de Juazeiro e Pernambuco, pouco tempo depois a música se tornou conhecida nacionalmente. A gravadora Sony Music comprou o disco e o lançou nacionalmente.
Tiririca também bateu recordes de audiência em programas televisivos, que anteriormente pertenciam ao grupo Mamonas Assassinas e outra canção sua obteve também gigantesco sucesso que foi Eu sou chifrudo.
Ainda com o primeiro CD houve um fato causou muita polêmica, a canção Veja os cabelos dela, que foi considerada por muitos como racista. Com essa acusação os discos foram apreendidos, a execução das canções pelas rádios foi proibida e Tiririca foi processado por racismo. Ao fim, ele acabou sendo absolvido da acusação.
Em 1997, Tiririca gravou o segundo CD, com destaque para as canções O Padroeiro do Ceará, Índia e Ele é corno mas é meu amigo. Depois de um breve afastamento da mídia motivado por problemas pessoais, ressurge em 1999 com o lançamento do terceiro CD, lançado pela independente Indie Records. O maior sucesso do disco foi a canção Casado com uma viúva. Outra gravação de Tiririca foi a música Índia, de Cascatinha e Inhana. A grande diferença, porém, é que durante a música inteira Tiririca só cantou a primeira frase da letra original: "Índia seus cabelos”.
Realizando uma série de espetáculos, no mesmo ano ingressou na Rede Record onde fez parte do elenco fixo do humorístico Escolinha do Barulho, abandonando temporariamente a atividade musical. Antes chegou a apresentar um programa infantil na Rede Manchete. Posteriormente transferiu-se para o SBT, onde tinha um quadro fixo no programa A praça é nossa. Lançou o CD Alegria do forró e retornou à Rede Record onde participa do programa Show do Tom, apresentado pelo também humorista Tom Cavalcante. Recentemente se tornou principal influência de bandas como Cine e Restart.
Neste ano, Tiririca, se lançou como Tiririca lançou sua candidatura para Deputado Federal pelo estado de São Paulo por meio do Partido da República. Utilizava um bordão que era bem a sua cara e seu estilo humorístico que dizia: "Vote no Tiririca, porque pior do que tá não fica". Tal bordão levaram um candidato a deputado estadual a representá-lo junto ao Ministério Público Eleitoral, sob o fundamento de que estaria afrontando o Congresso Nacional e o poder público em geral. A representação, contudo, foi arquivada.
Meses depois, Tiririca é apontado como um analfabeto pela Revista Época, o que também pode impugnar sua candidatura. No dia 3 de outubro de 2010 Tiririca torna-se o Deputado Federal mais votado do Brasil e eleito pelo estado de São Paulo com 1.348.295.
Em 30 de outubro último, a defesa de Tiririca alegou que ele sofre de transtorno de desenvolvimento da expressão escrita, uma deficiência motora que o impediria de segurar uma caneta com firmeza. A defesa afirma que Tiririca contou com o auxílio de sua mulher para escrever de próprio punho a declaração de alfabetização, exigida pela Lei Eleitoral. A mulher de Tiririca teria apoiado sua mão sobre a mão do marido para ajudá-lo a firmar a caneta no momento da redação. Por causa da deficiência, diz a defesa, Tiririca também estaria impossibilitado de fazer testes de escrita.
Após muita polêmica dia 17 de dezembro, o candidato foi o primeiro a ser diplomado na Assembléia Legislativa em São Paulo. Tiririca foi aplaudido de pé pelas pessoas que estavam nas galerias e pretende focar seus projetos nas áreas de educação e cultura, na defesa de artistas circenses em geral.
O palhaço/humorista Tiririca e agora Deputado Tiririca, é o melhor exemplo de brasileiro no mais extenso sentido da palavra, sempre sentiu na pele todas as mazelas de ser pobre, nordestino e claro brasileiro que sempre se virou para sobreviver a essa sua trajetória de vida sofrida, sempre tomou bofetada na cara e sempre deu risada para não chorar e apesar dos pesares chegou aonde chegou, chegou no Congresso Nacional com seu 1 milhão de votos.
Há quem discorde e diga que Tiririca é uma vergonha nacional, por ele não ter escolaridade. Pra mim vergonha nacional é o Senado autorizar que parlamentares a utilizarem passagens aéreas extras para lazer, é Senadores ganham diárias para ficar em casa, é a Câmara pagar horas extras durante o recesso de festas de final de ano, é a dengue matando a população pobre do Brasil, são gastos de publicidade do governo federal, é o Apagão aéreo nos nossos aeroportos, são os escândalos das obras do PAC, é a venda da Brasil Telecom, é a CPI da Pedofilia, é o escândalo dos cartões corporativos, são as fraudes dos exames e das provas da OAB e do ENEM. Isso sim são vergonhas nacionais. Agora vim me dizer que a eleição do palhaço Tiririca é deprimente já é ser demais preconceituoso. Se Tiririca é um mero puxador de votos, isso é mérito dele que é um artista dos mais populares, diferentemente de alguns políticos que ganham a notoriedade por falcatruas e corrupção. Pelo menos Tiririca é um palhaço de verdade, no melhor sentido da palavra palhaço. Não é como alguns cidadãos digníssimos que não são palhaços mais adoram colocar um nariz de palhaço na cara do povão brasileiro.
Tiririca para mim o brasileiro do ano, não só pelo façanha de ter se tornado o segundo Deputado Federal mais votado da história do país, só perdendo para o já falecido Deputado Enéas Carneiro, mas exatamente por transformar seu humor de palhaço em votos e provando assim que é um palhaço sim e um anarquista digno de boas idéias diante da maioria de nossos políticos que são meio sem graça. E com sua gozação de palhaço/humorista atraiu a simpatia de seus eleitores. E o palhaço Tiririca o que é? É ladrão de mulher? Não! Tiririca é o palhaço do ano ou melhor o brasileiro do ano.

(Codinome Pensador)

Tô ouvindo: CD Efêmera da Tulipa Ruiz

2010-11-30T17:43:00.000-08:00

Se você ainda não ouviu falar na cantora e compositora Tulipa Ruiz é bem provável que mais dia, menos dia, isso aconteça. Afinal de contas, a paulista vem sendo apontada por muitos como uma das novas promessas da atual cena musical brasileira e acaba de lançar seu álbum de estréia "Efêmera". Apesar de ser seu primeiro trabalho, a artista já é figura conhecida no meio musical e se favorece de um fator bastante plausível nos dias atuais: em meio a um desgaste natural da velha MPB, ela faz parte de uma safra promissora da música brasileira. Ambientado em uma esfera alegre e colorida, o disco traz muita originalidade, tanto na parte sonora, quanto nas composições.
Seguindo o caminho inverso de muitos artistas, Tulipa começou a fazer música sem pretensão de se profissionalizar. No entanto, para os que pensam que seu talento e dom para a música são obras do acaso, ledo engano! Pois sua bagagem vem de berço. Ela é filha de Luiz Chagas (ex-guitarrista da histórica banda Isca de Polícia, de Itamar Assumpção) e irmã do violonista e guitarrista Gustavo Ruiz (Mariana Aydar, Junio Barreto, Trash Pour 4 e Dona Zica), que também assina a produção de "Efêmera". Não bastasse cantar e compor bem, ela é ainda desenhista e responsável pela capa de seu debut.
Nascida em Santos (litoral de São Paulo), criada no interior de Minas e desenvolvida na capital paulista, Tulipa filtra influências de todos esses ambientes. Daí se explica o fato de as letras do disco, que compila 11 belas canções, sendo dez autorais e quatro parcerias, abordarem tantos elementos da natureza. Como, por exemplo, em "A Ordem das Árvores" (faixa 05), cenas urbanas paulistanas, retratadas em "Às Vezes" (faixa 09), personagens inventados, abordado em "Pedrinho" (faixa 04) e situações reais pessoais, apresentados em "Pontual" (faixa 02) e "Só Sei Dançar Com Você" (faixa 11).

Dona de uma voz doce e, ao mesmo tempo, marcante, Tulipa reverencia tais atributos de modo exemplar neste seu primeiro trabalho, que vem associado a excelentes arranjos. Além do pai e do irmão, a cantora ainda contou com a participação no disco dos músicos Dudu Tsuda (teclado), Márcio Arantes (baixo e co-produtor do disco) e Duani Martins (bateria). Aliás, banda que vem a acompanhando também nos shows de divulgação do álbum. Com várias participação especiais, entre elas, de Kassin, trio Negresko Sis (formado pelas cantoras Céu, Anelis Assumpção e Thalma de Freitas), Stéphane San Juan, Zé Pi, Iara Rennó, o álbum consegue reunir artistas e músicos das mais variadas influências sem "perder o pé". Muito pelo contrário, algo que nos surpreende é a coesão aparente existente entre todos.
O que nos leva à conclusão de que salvo o talento promissor da idealizadora do projeto, "Efêmera" é mais um cruzamento de ótimas idéias e escolas musicais. Melodista e letrista espirituosa, Tulipa consegue desenhar canções cheias de poesia, bom humor e feminilidade. Repleto de músicas que trazem algo de retrô e uma leveza pop cativante, o álbum é o resultado da miscelânea e união de diversas influências, cuja sonoridade remete ao tropicalismo, passando pelo soft rock dos Anos 60 à gloriosa Gal Costa dos 70. Porém, sem soar como algo antigo, mas sim, contemporâneo, com cheiro de novo, é importante ressaltar!
O mais bacana deste projeto é que o álbum, além de trazer criações de Tulipa, ainda abre espaço para outros artistas mostrarem a sua criatividade, como é o caso dos diversos desenhos de tulipas espalhados no encarte, assinados não apenas por sua titular, mas também por músicos e amigos. Entre eles, Edith Derdik, Karina Buhr, Rômulo Fróes, Na Ozzetti, Alexandre Órion, Rafael Castro, Marko Mello, Érika Machado, Gustavo Aimar, Luciana Cottini e Victor Zalma.
Enfim, em um País de grandes cantoras, Tulipa revela influências, mas não se perde em imitações enfadonhas. Tanto que não é à toa, que a paulista vem despontando na cena musical brasileira, diante da enorme gama de artistas que estão na batalha por um espaço e por apresentar o seu trabalho. E talvez o diferencial da cantora esta no fato de apesar de ser também compositora, por outro lado, rejeita o ecletismo das intérpretes moderninhas, ao investir em diversos caminhos sonoros. Ela, que tem em Milton Nascimento como principal parâmetro no desenvolvimento de seu trabalho, consegue reunir com maestria a riqueza, seja ela musical ou imagética, em um mesmo produto. O que apenas denota o seu talento promissor para a arte, de forma geral.

Lista de músicas:

1 - Efêmera
2 - Pontual
3 - Do amor
4 - Pedrinho
5 - A ordem das árvores
6 - Sushi
7 - Brocal dourado
8 - Aqui
9 - Ás vezes
10 - Da menina
11 - Só sei dançar com você

Fonte: Radar cultural

Uma fotografia sem pudores

2010-11-19T13:35:00.000-08:00

Robert Mapplethorpe nasceu em 1946, em Floral Park, Queens, Nova York. Definido hoje por muitos críticos como um dos maiores fotógrafos de sua época, ele tinha um estilo polêmico e rigoroso em todos os aspectos da sua obra. Explorou como ninguém o nú artístico sob uma ótica clássica e composição purista, still life de flores e portrait de personalidades do meio artístico e cultural. Ficou mais conhecido por suas fotografias de nu e sua maneira controversa de abordar o erotismo. Algo que predomina em quase todos os seus trabalhos. Suas fotografias tinham composições muito sofisticadas, suas naturezas mortas eram refinadas e suas imagens da sexualidade explícita do universo sadomasoquista, despertaram tanto a idolatria quanto a fúria da sociedade norte-americana. Enfim... Sua arte teve vários caminhos, mas foi na fotografia que este homem dúbio e incansável celebrizou-se. Uma vez no auge do sucesso, ele disse: " Eu venho da América suburbana. Um bom lugar para quem quer aprender de verdade com a vida e para quem não tem medo de ganhar o mundo." Essa frase resumiria um pouco das idéias inovadoras e de sua personalidade inquieta.
Em 1963, Mapplethorpe matriculou-se no Pratt Institute of Brooklyn, onde estudou desenho, pintura e escultura.Logo foi influenciado por artistas como Joseph Cornell e Marcel Duchamp, ele também experimentou com diferentes materiais em colagens mixed-media, incluindo imagens cortadas de livros e revistas. Ele adquiriu uma câmera Polaroid em 1970 e começou a produzir suas próprias fotografias para incorporar as colagens, dizendo que se sentia "que era mais honesto”. Nesse mesmo ano, ele e sua namorada Patti Smith, a quem tinha conhecido três anos antes e que era bissexual como ele, se mudaram para o Chelsea Hotel.
Patti Smith era naquela década, era uma poeta, uma artista, uma estrela do rock e até um pouco de um xamã. Considerada a madrinha do punk, por saber integrar a sua poesia e o seu estilo de performance com três acordes do rock . Foi quando sua amizade com Robert Mapplethorpe gerou um romance dos mais selvagens e aqueles dois jovens sem dinheiro ou conexões mais tarde viriam a atingir tal o extremo sucesso, Smith com sua música e Mapplethorpe com sua fotografia. Os dois lutaram para ter comida e abrigo, mantendo um olhar para tudo que vinham e viviam com a finalidade de fazer arte. Smith deixou Nova York para Detroit em 1979 para viver com o homem que viria a se casar, o falecido ex-guitarrista do MC5, Fred "Sonic" Smith, assim como a carreira de Mapplethorpe como um dos fotógrafos de arte mais chocante e potente estava atingindo seu apogeu (como seu preto -e-branco dos prostitutos homossexuais, S & M atos, flores e de crianças estavam a caminho do acervo do museu).
Mapplethorpe rapidamente encontrou satisfação tirando fotos Polaroid, por direito próprio e Polaroids na verdade, poucos realmente aparecer em suas obras mixed-media. Em 1973, a Galeria de Luz em Nova York, montou sua primeira galeria de exposições a solo, "Polaróides". Dois anos depois, ele adquiriu uma câmera médio formato Hasselblad e começou a fotografar seu círculo de amigos e conhecidos artistas, músicos, socialites, estrelas de cinema pornográfico, e os membros do S & M subterrânea. Ele também trabalhou em projetos comerciais, criação de capa do álbum de Patti Smith e Television e uma série de retratos e imagens do partido para Interview Magazine.
No final dos anos 70, Mapplethorpe cresceu cada vez mais interessados em documentar o New York S & M cena. As fotografias resultantes são chocantes pelo seu conteúdo e notável por seu domínio técnico e formal. Ele disse na época: " Eu estou olhando para o inesperado. Estou à procura de coisas que eu nunca tinha visto antes ... Eu estava em posição de tomar as fotos. Senti a obrigação de fazê-las. Enquanto isso em 1977, sua carreira continuava a crescer, foi quando a Robert Miller Gallery em Nova Iorque tornou-se seu distribuidor exclusivo.
Ao longo dos próximos vários anos, trabalharam em uma série de retratos e estudos de figura, um filme, e o livro “Senhora, Lisa Lyon”. Ao longo da década de 80, Mapplethorpe produziu um bando de imagens que ao mesmo tempo desafio e aderir a padrões estéticos clássicos: composições estilizadas de nus masculinos e femininos, flores delicadas naturezas-mortas e retratos de estúdio de artistas e celebridades, para citar alguns de seus gêneros preferidos. Ele apresentou e refinou as técnicas e formatos diferentes, incluindo a cor de 20 "x 24" Polaroids, fotogravuras, platina, impressos em papel e roupa, Cibachrome e transferência de corante de cor impressa. Em 1986, ele projetou cenários para Childs dance performance Lucinda, Retratos de Reflexão, criou uma série Fotogravura de Rimbaud Uma estação Arthur no Inferno, e foi encomendada pelo curador Richard Marshall para tirar retratos de York novos artistas para a série e livros, 50 Artistas de Nova York.
Apesar de sua doença, ele acelerou os seus esforços criativos, alargou o âmbito da sua investigação fotográfica, e aceito encomendas cada vez mais desafiador. O Museu Whitney de Arte Americana montou sua primeira grande retrospectiva do museu americano, em 1988, um ano antes de sua morte em 1989.
Era louco em suas aventuras sexuais e tinha manias: usar caveira como símbolo, dormir em uma gaiola gigante, com lençóis pretos na cama. Tudo isso adquiriu um aspecto trágico ao descobrir que tinha AIDS.
O senso provocativo e poderoso de seu trabalho, o estabeleceu como um dos mais importantes artistas do século XX. Hoje Mapplethorpe é representada por galerias em América do Norte e do Sul e Europa e sua obra pode ser encontrada nas coleções dos principais museus de todo o mundo. Além do significado da arte histórica e social de sua obra, seu legado vive através do trabalho da Fundação Robert Mapplethorpe. Ele criou a Fundação em 1988 para promover a fotografia, museus apoio para a arte e a exposição fotográfica, e para financiar pesquisas médicas na luta contra a AIDS.

Fonte: Interview Magazine

Todos os sentimentos em todos os sentidos

2010-10-25T09:14:00.001-07:00

Quando o amor consegue captar alma da poesia
Surge a sublimação de todos os sentidos
Todos os sentimentos são nobres
Todos os sentidos são cinco

Tudo vira interpretação, reconhecimento
Reconhecer o amor através dos olhos
Olho, imagem, retina, cores
Enquadram e focam no âmago da alma

A alma chora enquanto canta
Uma música que nos leva a ouvir a nós mesmos
Que acalma e cura o nosso coração
Sem revelar esse segredo, essa façanha

Que nos levar a querer descobrir esse mundo curioso
Pele a pele, tato a tato
Num contato com a intuição, com o afeto
Que está na palma da mão de cada um de nós

A obscuridade que se mistura a cada paladar
Milhões de papilas à procurar
Dentro de um mesmo eixo, dentro de um único ser
Saboroso aperitivo, pedacinho de cosmos.

Sente-se o cheiro de todos os elementos
Perfume, suor, secreção, alfazema
Sinto que minhas narinas tem personalidade
Me fazendo sentir uma emoção paranasal.

Todos os sentimentos em todos os sentidos
Me tocam bem fundo, me envolvem de repente
Para descobrir no final
Que no encontro do amor com a poesia surgiu uma paixão.

(Codinome Pensador)

Eu vi. Filme: O segredo dos seus olhos

2010-10-25T09:00:00.000-07:00

Sinopse: Benjamin Esposito (Ricardo Darín) se aposentou recentemente do cargo de oficial de justiça de um tribunal penal. Com bastante tempo livre, ele agora se dedica a escrever um livro. Benjamin usa sua experiência para contar uma história trágica, a qual foi testemunha em 1974. Na época o Departamento de Justiça onde trabalhava foi designado para investigar o estupro e consequente assassinato de uma bela jovem. É desta forma que Benjamin conhece Ricardo Morales (Pablo Rago), marido da falecida, a quem promete ajudar a encontrar o culpado. Para tanto ele conta com a ajuda de Pablo Sandoval (Guillermo Francella), seu grande amigo, e com Irene Menéndez Hastings (Soledad Villamil), sua chefe imediata, por quem nutre uma paixão secreta. Ficha técnica: Título original: El Secreto de sus Ojos. Lançamento: 2009 (Argentina). Direção: Juan José Campanella. Gênero: drama. Elenco: Ricardo Darín , Soledad Villamil , Pablo Rago , Javier Godino , Guillermo Francella.

O senhor do labirinto e da arte

2010-10-25T08:50:00.000-07:00

Arthur Bispo do Rosário perambulou numa delicada região entre a realidade e o delírio, a vida e a arte. Considerado louco por alguns e gênio por outros, a sua figura insere-se no debate sobre o pensamento eugênico, o preconceito e os limites entre a insanidade e a arte no Brasil. A sua história liga-se também à da Colônia Juliano Moreira, instituição criada no Rio de Janeiro, na primeira metade do século XX, destinada a abrigar aqueles classificados como anormais ou indesejáveis (doentes psiquiátricos, alcóolatras e desviantes das mais diversas espécies), local onde foi diagnosticado como um esquizofrênico-paranóico e onde recebeu o número de paciente 01662, permanecendo por mais de 50 anos. Natural de Japaratuba no Sergipe, Arthur Bispo é descendente de escravos africanos, foi marinheiro na juventude, vindo a tornar-se empregado de uma tradicional família carioca. Nasceu no ano de 1909 ou 1911,não se sabe ao certo.
Arthur Bispo foi redescoberto a partir do trabalho do crítico Frederico Morais na década de 80, que organizou uma exposição e lançou uma possibilidade de compreensão e sistematização do conjunto da obra. Todavia, Rosário é desconhecido pela maioria do público brasileiro e curiosamente, também em sua terra natal. Pode-se pensar, afinal, que muitos grandes artistas plásticos são desconhecidos do grande público no Brasil, pelas características da formação e desenvolvimento educacional da população do país. No caso de Rosário, o que surpreende é que sua obra seja fácil de agradar qualquer observador. Isso se deve a presença de um forte resultado lúdico nas peças, pelo colorido, formas, referências e pelos brinquedos que elaborou. A utilização de materiais e objetos do cotidiano possibilita que o apreciador se identifique. Após o impacto inicial das primeiras exposições, foram escritos artigos, ensaios e trabalhos científicos diversos. Bispo do Rosário virou livro, peça de teatro e ano passado virou filme, pelas mãos do cineasta pernambucano Geraldo Motta.
O filme é intitulado O Senhor do Labirinto e teve sua premiére no Festival de Cinema do Rio este mês, maior evento audiovisual da América Latina, o mesmo ressalta a vida e obra do artista sergipano, interpretado pelo ator Flávio Bauraqui. E sendo devidamente premiado neste festival com o prêmio de Melhor Longa Metragem de Ficção pelo Júri Popular. A produção cinematográfica teve o apoio do Governo do Estado, através do Banco do Estado de Sergipe (Banese). O filme foi gravado quase que 90% em solo sergipano com exceção de duas cenas que foram feitas no Rio de Janeiro. No papel de Arthur Bispo do Rosário, o ator Flávio Bauraqui tem seu melhor momento de protagonista no cinema e faz bom uso dele. Com uma atuação acima da média para protagonistas e usando uma maquiagem pesada para viver Bispo do Rosário mais velho, que deu mais veracidade à sua interpretação que foi muito elogiada pela crítica. “Gosto de desafios. Foi um dos personagens que eu mais sofri fazendo, mas adorei todo o processo”, disse o ator.
Produziu mais de mil obras consagradas no mercado internacional de arte contemporânea que permaneceram como propriedade da Colônia Juliano Moreira, no Rio de Janeiro, hoje desativada como instituição manicomial e transformada no Museu Arthur Bispo do Rosário. Bispo do Rosário criou um universo lúdico de bordados, durante os mais obscuros períodos da psiquiatria, época dos eletrochoques, lobotomias e tratamentos violentos aplicados para o controle de crises. Diversos tipos de materiais oriundos do lixo e da sucata eram utilizado por ele em suas obras, que seriam classificados anos depois como arte vanguardista e comparados à obra de Marcel Duchamp. Entre os temas do seu trabalho, destacam-se navios (tema recorrente devido à sua relação com a Marinha na juventude), estandartes, faixas de mísseis e objetos domésticos. A sua obra mais conhecida é o Manto da Apresentação, que Bispo deveria vestir no dia do Juízo Final. Com eles, Bispo pretendia marcar a passagem de Deus na Terra.
Sem se dar conta, Bispo não só driblou os mecanismos de poder no manicômio como utilizou sobras de materiais dispensados no hospital para criar suas obras, inventando um mundo paralelo.
Dizia-se um escolhido do todo-poderoso, encarregado de reproduzir o mundo em miniaturas. Eram suas representações, afirmava. Paradoxalmente, as obras, que deveriam representar tudo o que havia na Terra acabariam reconhecidas como peças de vanguarda, incluídas por críticos em importantes movimentos artísticos. Sua arte genial chegou a representar o Brasil na prestigiada Bienal de Veneza, além de correr museus pelo mundo, a exemplo do Jeu de Paume, em Paris. Curiosamente, em vida, Bispo recusava o rótulo de artista, dado o caráter divino de sua tarefa. Mas a potência de sua obra ignora limites e até hoje atravessa fronteiras, transgredindo convenções e levando espectadores de todo o mundo ao encantamento.
Em 1925, muda-se para o Rio de Janeiro e torna-se marinheiro. Foi campeão brasileiro e sul-americano de boxe na categoria peso leve pela Marinha. Em seguida, passa a trabalhar na Light, empresa carioca de fornecimento de energia e como lavador de bonde e borracheiro. Sofre um acidente de trabalho e resolve ajuizar uma ação contra a empresa, ocasião em que conhece o advogado Humberto Leoni, que passa a representá-lo na demanda judicial.
A história da loucura de Bispo remonta à noite de 22 de dezembro de 1938, quando, aos 29 anos, conduzido por um imaginário exército de anjos, andou pelas ruas do Rio com um destino certo: ia se apresentar na igreja da Candelária, no centro. Peregrinou pelas várias igrejas enfileiradas na rua Primeiro de Março e terminou no Mosteiro de São Bento, onde anunciou a uma confraria de padres que era um enviado, incumbido de julgar os vivos e os mortos. Detalhes dessa narrativa, meio real, meio ficcional, constam de um estandarte bordado por Bispo, uma das belas peças de sua vasta obra, que mistura autobiografia e auto ficção. É nesse estandarte que Bispo registra a frase-síntese de sua vida e obra: “Eu preciso destas palavras escritas para viver”. A palavra tinha para ele status extraordinário, por isso seus bordados estão repletos de nomes de pessoas, trechos poéticos, mensagens.
O dia 24 de dezembro de 1938 foi um divisor de águas psíquico para Bispo. Era Natal, ele se convertia na figura de Jesus Cristo, mas acabaria sob o domínio da psiquiatria. Interditado pela polícia dois dias após a sua anunciação, foi enviado ao Hospital Nacional dos Alienados, na Praia Vermelha, onde rótulos não tardariam a marcar sua ficha: negro, sem documentos, indigente.
Arthur Bispo do Rosário não é o nosso Duchamp e muito menos o nosso Van Gogh, mas olhando com atenção para a obra de Duchamp, vamos compreender melhor a de Bispo do Rosário, pois, apesar dos sotaques, ambos conversam no mesmo registro, falam do mesmo modo e dos mesmos assuntos.
A diferença de importância ou de qualidade entre as duas obras, só está na enorme diferença com que cada uma foi abordada e estudada. Só se pode dizer é que ficamos totalmente deslumbrados nessa teia de símbolos e signos que foi maravilhosamente inventada por esses artistas, por uma erudição mas também pela formidável ignorância dos homens em meio à sua irremediável solidão. Foi nas cavernas, nos campos, nas praças, nos mares e nos portos que se inventou e se reinventa até hoje a linguagem e a arte, e não nos mosteiros, nem nas universidades, erudita ou autodidata, a criação vem sempre depois, o que vem antes é o talento e a intuição com sanidade ou não, quando vemos tudo já está criado e no final não importa a vaidade, o prestígio e a efemeridade de qualquer discurso, opinião ou nota para a criação artística, o que importa mesmo é o que a arte gera. Um quadro pode até desaparecer, a arte pode até morrer mas o que fica e conta é a semente.

Fonte: Canalcontemporâneo

Ela é simplesmente a minha Clarice

2010-09-15T15:45:00.000-07:00

Não se preocupe em entender Clarice, apenas a deixe fluir
E ela te invade como uma leve brisa ou como uma forte ventania
Uma força que vem da sua solidão e da sua ânsia constante de tentar acertar
Caleidoscopicamente ela é mutante, fascinante, dilacerante, inconstante
Caleidoscopiamente ela é apenas Clarice
Sempre buscando uma liberdade que sempre é pouca, muito pouca.

Criando sua própria verdade, reinventando sua própria maneira de existir
Num estilo ímpar dentro de um mundo de ficção clariceana
Personagem dela mesma numa estrutura sintática caótica
Uma Virgínia Woolf, uma psicóloga das letras, uma estrangeira misteriosa
Uma mulher de várias caras, mas de um só coração selvagem
Selvagem no seu jeito de escrever, de escrever irreproduzível.

A última das Clarices, a primeira das flores de nome Lispector
Vinda de uma natureza inteligente, densa, sensível, sem igual
A mulher que nunca descansa, a mulher que nunca desisti
Uma Macabéia para não se esquecer jamais
Ela é um enigma, um sopro de vida, uma bela fera, um quase tudo
Ela é simplesmente a minha Clarice.

Uma densa personalidade para apenas uma menina com seus livros
Num jogo impulsivo de se tornar adulta sem ser madura
Maturidade que lhe trazia uma lucidez vazia, um inferno humano
Que resumia a vida apenas em um inspirar e um expirar
Num monólogo interior que a levava sempre ao infinito de si mesma
Infinito do inconsciente, do inalcançável, do que não se entende.

Entender não é o bastante, se queremos ultrapassar qualquer explicação
Mas nem tudo está perdido se dermos amor e recebermos amor
É assim que todo mundo aprende a viver de verdade
Mantendo-nos fortes, humanos e felizes muito mais do que somos
Assim nos transformamos lentamente no que ela escrevia
Assim vamos viver a vida até a sua última gota.

Sentir a sensação de achar nossa essência, um sentimento de iluminação
Sentir o sabor de cada letra de Clarice a nos devorar, a nos falar
Não contando apenas histórias, mas nos mostrando a vida
Tornando-nos personagens dialogando com sua epifania inquieta de criação
Mostrando-nos o indizível através das pulsações de sua escrita
Feito uma navalha amolada, rasgando todos os nossos véus do mundo real.

(Codinome Pensador)

Que casalzinho é esse?

2010-09-01T09:33:00.000-07:00

Homônimos segundo a nossa língua portuguesa significa: nome que se dá a um substantivo próprio, notadamente topónimos ou seja nome próprio de um lugar, continente ou localidade e nomes próprios, cuja grafia é idêntica. E o melhor exemplo disso acontece com o casalzinho do momento: a cantora country Taylor Swift e o ator e galãzinho teen Taylor Lautner, Jacob da trilogia Crepúsculo, Lua nova e Eclipse. É Taylor para todos os gostos e em dose dupla.
Vamos falar primeiro de Taylor Alison Swift, conhecida apenas como Taylor Swift é além de cantora e compositora de música pop country, é também atriz e tem 20 anos.
Ela assinou contrato pela pela primeira vez com a gravadora Big Machine Records em 2006 e debutou nas paradas musicais de country aos 16 anos, com o seu single Tim McGraw. Seu álbum de estréia de mesmo nome foi lançado em novembro do mesmo ano e ganhou quatro vezes platina nos Estados Unidos e uma no Canadá. Cinco singles da cantora foram top 10 nos Charts Country e Top 30 no Hot 100 da Billboard. Em 2007, ela recebeu o prêmio Horizon Award da Associação de Música Country norte-americana (CMA).
Em 11 de novembro de 2008, ela lançou seu segundo álbum, Fearless, que ficou em primeiro lugar na Billboard 200 durante onze semanas até o momento, vendendo em apenas três meses, mais de três milhões de cópias, ganhando três vezes o certificado de platina nos Estados Unidos. Número esse, que no momento, já ultrapassou os cinco milhões de cópias. Mundialmente seu álbum já vendeu mais de 6.000.000 cópias. A canção Change, desse álbum, foi selecionada como parte da trilha sonora para apoiar a delegação dos EUA nos Jogos Olímpicos de Pequim 2008.
Um incidente muito chato aconteceu durante o MTV Video Music Awards de 2009, Kanye West subiu ao palco e pegou o microfone de Swift durante os agradecimentos dela por ter ganho o Melhor Video Feminino com a música "You Belong With Me", dizendo que o clipe da cantora Beyoncé interpretando "Single Ladies", concorrendo pelo mesmo prêmio, era um dos melhores clipes de todos os tempos e fazendo com que as pessoas presentes no local o vaiassem. Ele entregou o microfone de volta para a atordoada e chateada Swift, que não terminou seus agradecimentos. West foi retirado do restante do show por seu mau comportamento. Durante o comercial, a cantora Pink andou perto do rapper e sacudiu a cabeça em desgosto. Quando Beyoncé mais tarde ganhou o prêmio de Vídeo do Ano por "Single Ladies", ela chamou Swift de volta para o palco para que ela pudesse terminar seus agradecimentos. Após a premiação, West pediu desculpas pela sua atitude em seu blog.
Swift foi indicada em 2008 ao Grammy na categoria de Melhor Cantora Revelação, mas perdeu a disputa para Amy Winehouse. Já em 2009 Taylor ganhou o prêmio de melhor videoclipe feminino na VMA em Nova Iorque. Também em 2009 venceu quatro CMA Awards, incluindo a categoria mais prestigiada, a de Entertainer do Ano e cinco American Music Awards, inclusive a de Artista do Ano. Neste ano de 2010, ocorreu o 52nd Annual GRAMMY Awards, em que Taylor ganhou quatro das oito indicações que concorria e acabou por derrubar e quebrar um dos prêmios.
Taylor revelou que o nome de seu terceiro álbum de estúdio, vai ser intitulado Speak Now e que deverá ser lançado em 25 de outubro de 2010.
Em 2011, a cantora estreia como atriz no cinemas americanos no filme Valentine's Day (Dia dos namorados), na estória que tem vários casais que terminam e voltam a namorar nas vésperas do Dia dos Namorados. Swift será aluna-atleta da escola Henderson. O filme traz também o seu homônimo, o ator Taylor Lautner, que no filme faz o papel de seu namorado.
Mais as coincidências entre o casal Taylor não ficam apenas nos seus nomes iguais e no casal romântico que eles vão viver no cinema, os dois começaram a namorar na vida real em 2009, relutaram a assumir o namoro, que durou até o início de 2010, como publicou a revista americana Us.
“Continuamos a amizade mesmo depois de não termos mais um relacionamento amoroso. Mantemos contato, pois temos amigos em comum. Além disso, iremos nos encontrar na estréia do filme que fizemos juntos, em que nos beijamos apaixonadamente. Não ficou nenhum tipo de rancor”, disse a cantora em tom de total maturidade ao diário britânico News of the World.

Já o outro lado da moeda ou melhor o outro Taylor dessa estória, o ator Taylor Lautner, que ficou mundialmente famoso por atuar como Jacob Black nos filmes Crepúsculo em 2008, Lua Nova em 2009 e Eclipse em 2010. Começou a sua carreira em 2001, atuando em um filme feito para televisão chamado Shadow Fury. Posteriormente teve papéis em séries como: Summerland, no Bernie Mac Show e em Eu, a Patroa e as Crianças. Em 2005, estrelou como Sharkboy em As Aventuras de Sharkboy e Lavagirl em 3D, um filme que expôs suas habilidades nas artes marciais. O ator começou a estudar caratê com seis anos de idade. No ano seguinte, ele começou a ganhar torneios e foi convidado para treinar com um time já havia sido campeão mundial de caratê sete vezes, o Mike Chat, então com oito anos, foi convidado para representar o seu país. Lautner é do estado de Michigan nos EUA.
Logo ele conseguiu o papel de Elliot Murtaugh no filme Doze é demais 2. Taylor afirmou que na época, embora ele estivesse tendo sucesso na sua carreira de ator, ele também pretendia terminar o ensino médio.
Teve pequenos papéis em séries e outros shows de televisão e filmes, incluindo The Nick & Jessica Variety Hour. Ele apareceu como ele mesmo na America's Most Talented Kids, fazendo uma exibição de artes marciais. Além de tudo, Taylor tem tudo sucesso como dublador, onde dublou papéis em episódios de O Que Há de Novo, Scooby-Doo, Charlie Brown.
Em outubro de 2008, Taylor então ganhou o personagem Jacob Black em Crepúsculo, filme adaptado do romance de Stephenie Meyer. Após boatos de que Taylor seria substituído por outro ator para o papel de Jacob Black, pois diziam que ele não se encaixava no papel do personagem. Foi confirmada sua presença em Lua Nova, a segunda parte da série Crepúsculo, após ganhar cerca de 14 quilos só de músculos para ficar com o papel. Na série ele vira lobo e tem que dividir sua vida entreos seus amigos e Bella, a mocinha da estória interpretada pela atriz Kristen Stewart.
Lautner acabou de filmar o filme Valentine's Day (Dia dos namorados) onde interpreta Tyler Harrinton, que namora Felícia, personagem da cantora de country Taylor Swift, que estréia em fevereiro de 2011 nos cinemas americanos. O ator já tem contratos assinados com o cinema até 2013. Depois de interpretar um lobisomem em Crepúsculo e Lua Nova e deixar o astro Robert Pattinson um pouco apagado, Taylor dará vida há dois super-herói nas telonas. O estúdio Paramount já confirmou que ele estará no elenco de Max Steel, famoso personagem de computação gráfica que virou brinquedo, onde fará o papel título, no longa que contará a história de um garoto de 19 anos que acidentalmente se expõe a uma energia transfásica e ganha superpoderes e salvará o mundo. E em outros projetos viverá o personagem baseado no também brinquedo Strech Armstrong, boneco cujas pernas e braços esticam como elástico e um mutante no filme no próximo X-Men: First Class, este último já foi confirmado pela 20th Century Fox.
Taylor tornou-se o jovem ator mais bem pago de Hollywood com apenas 18 anos, recebendo um cachê de 7,5 milhões de dólares, ganhando prêmios de ator revelação e de melhor performance masculina em 2009 e 2010, respectivamente, no MTV Movies Awards e no People Choice Awards.
Mas fica a pergunta Taylor Lautner será apenas um rostinho bonito ou um ator de talento? O próprio ator já disse em entrevista, que se sente muito desconfortável e preocupadopelo fato das pessoas estarem prestando mais atenção no seu corpo e que a crítica não elogie o principal que é o seu trabalho.
Acho bom mesmo ele não se sentir a última bolacha do pacote, até porque ainda não o vimos em nenhum papel que exigisse mais de seu poder interpretativo de ator e menos do seu poder de símbolo sexual teen. E a loirinha da Taylor Swift, é apenas mais uma voz legalzinha, como milhares dessas meninas que existem por aí? Pode até ser, inclusive música country é uma das que mais vendem lá nos EUA assim como no Brasil, só que aqui chamamos pelo nome de sertanejo, porém o talento dessa gatinha de beleza angelical não pode ser descartado, inclusive o respeitadíssimo jornal New York Times, descreveu Taylor Swift como uma das mais refinadas compositoras pop do momento. Esse casalzinho promete! Será? Quem viver verá!

Fonte: Hollywood news.

Eu vi. Filme: A estrada

2010-08-16T09:03:00.000-07:00

Sinopse:o mundo foi destruído há mais de 10 anos, mas ninguém sabe o que exatamente aconteceu. Como resultado, não há energia, vegetação ou comida. Milhões de pessoas morreram, devido aos incêndios, inundações ou queimadas que se seguiram ao cataclisma. Neste contexto vivem um pai (Viggo Mortensen) e seu filho (Kodi Smit-McPhee), que sobrevivem de quaisquer alimento e vestuário que conseguem roubar. Apesar dos contratempos, eles seguem viagem pela estrada, sempre rumo ao oeste dos Estados Unidos.
Ficha técnica: Título original: The Road. Lançamento: 2009 (EUA). Direção: John Hillcoat. Gênero: Drama. Elenco: Viggo Mortensen, Kodi Smit-McPhee, Robert Duvall, Guy Pearce, Charlize Theron.

Bandidos e mocinhos

2010-08-12T15:27:00.000-07:00

Com tantos crimes hediondos acontecendo no nosso país e sendo cobertos pela imprensa nacional com tanta repercussão e glamourização, acaba virando um perigo muito grande para a nossa sociedade brasileira que altamente receptiva à celebridades durante a cobertura de um crime dessa natureza, o criminoso-psicopata se torna então o fetiche do momento. Se torna uma fonte mórbida de prazer. Um prazer movido talvez pelo mesmo sentimento das pessoas que se aglomeram no entorno de uma cena de acidente e que vai ser realimentado por outro acontecimento. Se nos dias atuais prevalece o gosto pela violência e pelo mórbido, a mídia jornalística está diante de um dilema que exige um posicionamento. Resumindo, estamos vivendo numa sociedade doente e urgentemente precisando de sérios cuidados.
Lembrei agora de um fenômeno cinematográfico da década de 90, chamado de Quentin Tarantino que com seus filmes, como: Cães de Aluguel e Pulp Fiction, celebrizou para o grande público sua obra pop com personagens facilmente denominados como psicopatas.
Seria bom se tivessem feito sucesso por elementos como a narrativa circular com que o diretor estrutura suas tramas. Mas a violência praticada por pessoas que não sabem o que é sentir dor não está apenas no âmbito do cinema. É a chamada glamourização de psicopatas que é um traço de nossa sociedade atual do nosso país, que também pode ser visto em representações da realidade. Pra mim isso é o retrato sórdido da mídia ou o cinema mostram o que a sociedade masoquista e hipócrita quer. Mas é importante também levar em conta o efeito destas representações na vida das pessoas. Estudiosos afirmam que a representação também constrói a realidade na medida em que a reproduz. Será? Quem são os verdadeiros bandidos e os mocinhos dessa história?
Com toda essa glamourização dessas criaturas abomináveis que matam em série ou mesmo matam com requintes de crueldade, acho que estamos criando cobras pra nos morder. As pessoas normais, quer queira, quer não, são influenciadas por esses maníacos insensíveis e é exatamente nesse momento que um sociopata reprimido pode sair do armário e nos atacar na primeira esquina escura que ele encontrar.
Desde da década de 70, que esses casos de maníacos ganham jornais e revistas e chamam à atenção da sociedade que vivemos, se formos lembrar. Temos: o assassinato da socialite Ângela Diniz pelo namorado Doca Street, cujo julgamento foi acompanhado de perto por milhões de brasileiros, temos um outro caso de comoção muito maior, o assassinato da jovem atriz Daniela Perez, que em 1993, foi furiosamente estocada pelo ator e colega de novela Guilherme de Pádua e sua mulher Paula Tomaz. Daniela foi morta com uma tesoura e uma chave de fenda. Temos Suzane Von Richthofen, que em 2002 abriu a porta de casa para que o então namorado, acompanhado do irmão entrassem no quarto de seus pais e os assassinassem a golpes de barras de ferro. Suzane disse meses depois que era uma menina perturbada, tentando convencer assim à todos. Na verdade ela estava evitar uma condenação judicial mais rigorosa. E só pra finalizar um caso mais recente e não menos monstruoso, que paralisou o Brasil, que foi o assassinato da menina Isabella Nardoni, morta em 2008, aos 5 anos de idade, após ser espancada e jogada da janela de seu apartamento, no 6º andar. Pelo próprio pai, Alexandre Nardoni e sua mulher Ana Carolina Jatobá, que atiraram a criança para a morte, segundo os laudos da polícia.
Se fôssemos procurar a origem dessa violência que vivemos é só observarmos a terrível descrição do comportamento humano, uma coisa infernal, uma coisa dantesca, o ser humano infelizmente está perdendo todos os escrúpulos. E me pergunto: O que é mesmo um ser humano sem escrúpulos? Não ter escrúpulos para mim é aquele cidadão ou cidadã que só pensa em si mesmo e não se preocupa em ser justo com os outros, que comete muitos delitos de conduta social e moral e o pior, que na maioria das vezes não senti nenhuma culpa, remorso ou compaixão pelo atos errados que cometeu.
Até a arte na atualidade é extremamente violenta, a arte cinematográfica, como já citei acima o Tarantino, a arte televisiva, com sua submissão à violência, parece ter subjacente ao ideal nazista de conduzir a sociedade ao extermínio. Parece que a arte só pode ser feita desse modo e quando a gente fala que não é possível que seja assim, os críticos dizem que a gente está sendo censurando ou sendo conservadores. Eu acho que, de algum modo, censurados são aqueles que não podem fazer o seu tipo de arte: será se a ternura, a doçura também não podem fazer parte da arte? A esperança por uma política com ética e honesta e a utopia não podem fazer parte da arte? Ou que Drummond precisava de violência para fazer a sua poesia de vanguarda? Porque a violência do sacrifício de criar um a arte não é como a primavera brotando, rasgando, com sua violência para nascer. Será que sou o último dos românticos? Quero acreditar que não.
O problema é que o mal está sendo banalizado, ou sei lá, estamos infelizmente criando uma espécie de olimpíada da crueldade. Como diria Jim Morrison do alto de sua insanidade sensata: “A única obscenidade que conheço é a violência."

(Codinome Pensador)

Uma lady contra os gagás

2010-08-10T15:41:00.000-07:00

Stefani Joanne Angelina Germanotta, é verdadeiro nome da nova-iorquina, compositora e nova rainha da mídia e da música pop da século XXI na atualidade, conhecida mundialmente como Lady Gaga.
Depois de ter sido contratada e logo despedida da Def Jam Records aos 19 anos de idade, começou a se apresentar no cenário musical de rock no sudeste da cidade de Nova Iorque. Durante este período, trabalhava para a gravadora Interscope Records como compositora para artistas conhecidos, incluindo Akon, que, depois de ouvir Gaga cantar, convenceu o presidente da Interscope Jimmy Iovine a contratá-la para um acordo musical entre a gravadora e a de Akon Kon Live. Seu álbum de estréia The Fame foi lançado em agosto de 2008 contando com um grande êxito comercial e crítico. Em adição por receber várias críticas positivas, o álbum chegou ao primeiro lugar de vendas em quatro países, além de nos Estados Unidos pela parada da Billboard "Top Electronic Albums". Os dois primeiros singles do álbum, "Just Dance" e "Poker Face", se tornaram grandes sucessos internacionais, sendo que o primeiro foi indicado na categoria "Melhor Canção Dançante" no 51º Grammy Awards. Em 2009, depois de abrir turnês de grupos como New Kids on the Block e Pussycat Dolls, embarcou na sua própria, a The Fame Ball Tour. Lady Gaga passou a ser reconhecida mundialmente pelo sucesso dos seus singles que vieram depois como "LoveGame", "Paparazzi", "Bad Romance" e atualmente "Alejandro".
Musicalmente, Gaga é inspirada por cantores e grupos de glam rock como David Bowie e Queen e por cantores de pop dos anos 1980 como Cher, Cyndi Lauper, Freddie Mercury, Madonna e Michael Jackson. Ela também é inspirada por moda, o que ela diz ser essencial para suas composições e apresentações e apoia a comunidade gay ao creditá-los por seu sucesso inicial.
A cantora Lady Gaga se tornou, de fato, a rainha do YouTube. A artista que já tinha, em novembro, quebrado o recorde da personalidade mais visitada no canal de vídeos, acumulando mais de 1 bilhão de acessos aos seus vídeos musicais, agora é dona do clipe mais visto de todos os tempos do YouTube.
Nessa quarta-feira, o canal de vídeos informou que o clipe "Bad Romance", um dos maiores sucessos da cantora, atingiu o posto de vídeo musical mais visto de todos os tempos, superando a marca de 180 milhões de acessos. A canção foi lançada em novembro de 2009 e é o primeiro single de Lady Gaga do álbum "The fame monster", que ocupou o primeiro lugar das paradas britânicas e norte-americanas.
O clipe de "Bad Romance" foi produzido por Francis Lawrence, que também já realizou vídeos musicais para artistas como Britney Spears, Shakira e Aerosmith, além de ter dirigido o filme Constantine. Além deste clipe, a cantora também poderá emplacar novos recordes. Seu mais recente single, "Telephone", já conseguiu alcançar a marca de 500 mil visualizações em 12 horas.
Mesmo com todo esse sucesso não deixa de ser marketeira e polêmica, ela disse em 2009 que era hermafrodita, afirmou ter genitália masculina e feminina, mas que se considerava uma mulher.
Lady resolveu assumir o hermafroditismo porque nos últimos dias o boato começou a correr pelos sites de fofoca, tudo começou depois foi flagrada com um volume extra conjugal nas partes íntimas durante um show. Golpe de marketing ou verdade? Eis a questão...
Se considera muito tímida apesar de sua personalidade e figurinos extravagantes, é bastante reservada e fica nervosa quando conhece pessoas novas, especialmente outras celebridades.
"Eu realmente não me reúno com muitos artistas porque sou tímida. Talvez eu não seja tímida com as pessoas que conheço, mas com pessoas quem não conheço, sou muito", disse ela.
"Geralmente, eu realmente fico reservada e focada na minha música, mas quando eu encontro pessoas que tem muito em comum comigo, então relaxo. Sempre fico tímida diante do universo de Hollywood. Me sinto um pouco como me sentia na escola, uma estranha entre as outras pessoas”. Gaga revelou também que sua inibição se estende à sua vida amorosa: “Eu sou um desastre com os homens, mas ainda acredito que sou super-sexy".
O que não é nada sexy é o que a cantora de “Bad Romance” revelou aos seus fãs no programa de Larry King, que possui ter Lúpus. Lúpus é uma doença auto-imune rara que ataca o próprio sistema conjuntivo, resultando em inflamação e dano tecidual. Pode aparecer em várias partes do corpo, mas as principais áreas atingidas são o coração, pele, pulmão e articulações. Costuma aparecer em mulheres por volta de vinte anos e não tem cura. Ela revelou ter a doença depois de várias especulações sobre sua saúde. Em alguns shows de sua segunda turnê “The Monster Ball Tour”, a cantora teve palpitações e perda de fôlego, além de desmaios. Estipularam até que a cantora era portadora do vírus HIV. Por ora, a cantora afirma que está bem e que não é para os fãs se preocuparem com sua saúde. É uma doença incurável, mas com o avanço da tecnologia já se pode obter uma qualidade de sobrevida muito boa para os portadores de Lúpus.
Em recente divulgação da revista Forbes com sua lista anual com os mais poderosos do showbiz. Lady Gaga figura em terceiro lugar apenas perdendo para a apresentadora Oprah Winfrey lidera o ranking e a cantora Beyoncé que vem em segundo lugar, já em outra revista a Time, Gaga lidera o ranking de personalidade mais influente do mundo com 190 mil votos, desbancando nomes como Barack Obama, Hugo Chávez, Hilary Clinton.
Diva ou não, influente ou não, poderosa ou não. Lady Gaga é, sem dúvidas, uma das personalidades mais excêntricas do show business com suas músicas chiclete, daqueles que basta ouvir uma vez para colar e você cantarolar durante o dia todo, um som pop com batidas eletro modernas e o visual quase alegórico da cantora que se sobressai onde quer que sua presença seja confirmada. A cantora leva seus devaneios e desejos ao extremo. Em termos de moda, pelo menos, sempre podemos esperar o improvável e ainda assim nos surpreender com o que Gaga apresenta sendo que hoje, já se fala de uma divisão entre o cenário pop pré e pós a interferência da Lady. No início da fama, a cantora teve seu estilo comparado ao de outra musa, Katy Perry, mas em pouco tempo sua ousadia deixou claro que não mais haveria semelhança entre Lady Gaga e outra estrela pop. Com um pé nos anos 80, a loira confessa ser apaixonada por moda e considerar esse um elemento fundamental para o seu processo criativo. Relatou, ainda e entrevista para a MTV que ao compor já imagina o que irá vestir ao cantar a música em desenvolvimento. Seguindo o estilo conhecido como “fashion destruction”, Gaga investe nas cores berrantes, nos cortes estruturados, em uma sensualidade explícita, no make sempre exagerado, nos penduricalhos e principalmente, na diversão ao escolher os seus looks performáticos. Suas jaquetas e vestidos que trazem toda a ousadia da década de 80 juntamente com os seus sapatos coloridos, relógios, máscaras, luvas e o seu próprio cabelo servem de adereço para as roupas nada discretas da diva.
Entre os destaques desse desfile apresentado pela cantora, estão os seus looks no Brit Awards e no VMA. Nesse último, vimos uma verdadeira transformação de Gaga em seus seis figurinos da noite, onde a loira foi de O Fantasma da Ópera, passeou por algo parecido com Carrie, A Estranha quando contou com o sangue artificial de sua apresentação; trouxe referências futuristas e finalizou a noite à lá A Noiva Cadáver. Suas longas madeixas platinadas servem de matéria-prima para a elaboração de penteados arquitetônicos. Botões, coroas de imagens santas e laços do melhor estilo Minnie, são algumas das formas que os fios da cabeleira da cantora pop. Reverenciando a personagem Peggy Bundy e polêmica Donatella Versace, o estilo de Lady Gaga não poderia ser menos impactante. Famosa, também, por suas turnês de investimentos milionários, a cantora se tornou a queridinha do mundo fashion, dos moderninhos e dos maiores designers da atualidade.
Loucuras e esquisitices à parte, Lady Gaga se distingue das demais celebridades pop por ter feito sucesso com o que muitas delas apenas tentaram: a criação de um personagem. Independente de todo o esforço mercadológico, os riscos já tomados pela cantora a elevam ao título de ícone da moda e da indústria fonográfica. E como ambos os universos tendem a acolher de braços abertos os excêntricos, Gaga continua investindo na estética do imprevisível e promete continuar fazendo do Carnaval e das antigas ousadias de estilo, apenas uma breve alucinação do que ela ainda pode exibir.
Lady Gaga é o que entendemos como ídolo pop é um indivíduo que encanta as massas com a habilidade artística de que é capaz sendo seu autor ou o mero representante de uma estética inventada por publicitários e estrategistas de produtos culturais. O ídolo pop é a humana mercadoria que permite o gozo pelo logro que o espectador logrado aplica a si mesmo. Como diria o grande Nietzsche. Lady Gaga certamente veio para nos lograr.
A indústria cultural sempre tem na quantidade uma questão mais importante do que a qualidade, mas se Lady Gaga sabe disso e não o esconde, é porque elevou o cinismo a discurso, ao mesmo tempo, lança-nos uma ironia capaz de fazer pensar.
E como ídolo pop, Gaga chegou a um patamar que não poderá soar indiferente aos mais conservadores ou aos mais modernos apenas como um modo de rebelar as massas de mulheres subjugadas a estética pop para o pós-feminismo. E também sem essa demagogia clichê e hipócrita de proteger os bons costumes, criar antipatia ao que Lady Gaga representa hoje para o mundo, para o mundo feminino. Um feminismo que sim coloca a mulher no mesmo lugar do homem, dentro de posições antes ocupadas por homens e que agora passam criar uma fagulha de medo no mundo macho.
No vídeo de “Paparazzi” fica exposto o amor-ódio que um homem nutre por uma mulher, a ponto de uma vingança inesperada com o assassinato desse mesmo homem. Em “Bad Romance”, o vídeo mais visto de todos os tempos, mulheres de branco, como noivas dançantes surgem com ninfas futuristas para curar uma louca que chora querendo ter um “mau romance” com um homem. Surge a bailarina sensual personificada por Gaga, junto de suas companheiras faz o elogio do corpo que é obrigado a se erotizar diante de um grupo de homens. No fim, a noiva contemplando o noivo cadáver. Ironia que é na verdade o elogio do amor-paixão, do amor-doença e ao qual foi reduzido o amor romântico. Em “Telephone”, a estética adotada é a da lésbica e da pin-up. Ambas criminosas. A primeira por ser uma forma de vida feminina que dispensa os homens, a segunda por ameaçá-los com uma estética da mulher de imagem de página de revista e de desenho animado. E em “Alejandro” clipe mais novo, soldados carregam símbolos místicos e seu o encerramento onde-se “queima” a freira que usa cruzes invertidas na batina e engole um crucifixo. Gaga se coloca na posição do homem, mais uma vez em um clipe ela é a líder. É ela quem comanda um exército masculino segue todos seus passos e suas ordens. Transmite isso na cena em que aparece simulando prazer com três homens ao mesmo tempo, mostrando que a mulher tem desejos sexuais e múltiplos. Gaga sem dúvida se reinventa a cada dia e coloca isso nos seus clipes, colocando a mulher onde ela poderia estar e impedida pelo pelo modelo patriarcal que vivemos.
Todos esses exemplos só provam que Lady Gaga é o melhor modelo de uma deusa pós-feminista e pós-moderna. Uma lady contra todos esses gagás preconceituosos que estão por aí.

Fonte: Popline.

Tô ouvindo: CD Meu segredo mais sincero da Leila Pinheiro

2010-07-22T13:21:00.000-07:00

2010 tem tudo para marcar de forma positiva a trajetória artística da cantora paraense Leila Pinheiro. Aos 50 anos de idade, ela celebra seus 30 anos de carreira com o lançamento do CD “Meu Segredo Mais Sincero”, em homenagem ao eterno líder da Legião Urbana, Renato Russo que morreu em 1996, que também completaria 50 anos este ano.
Leila Pinheiro conheceu Renato Russo pessoalmente em 1988, numa visita à casa da tia dele, na Ilha do Governador no Rio de Janeiro. Depois, foi ao encontro do vocalista da Legião Urbana no estúdio da Odeon (atual EMI Music), em Botafogo, para mostrá-lo a gravação de Tempo perdido, uma das faixas de Alma, o segundo disco que lançou pela Polygram (hoje EMI Music), naquele ano. Renato não só gostou do que ouviu, como acabou escrevendo um texto na contracapa do LP.
Além de Tempo perdido, a cantora passou a interpretar outras canções de Renato Russo em seus shows já naquela época. “Eu que me formei musicalmente ouvindo Tom Jobim, Chico Buarque e Ivan Lins. Confesso que não costumava ouvir muito os discos da Legião, mas sempre fui alucinada pelas letras do Renato. Embora, aparentemente, ele falasse para adolescentes, demonstrava ser um poeta culto, maduro e antenado”, observa Leila.
Em CDs lançados na década seguinte, a cantora gravou outras músicas do compositor: Monte Castelo, em Coisas do Brasil de 1993; Vento no litoral, em Na ponta da língua de 1998; e Hoje, parceria de Leila e Renato em Nos horizontes do mundo de 2005; Tempo perdido e Mais uma vez, que Renato fez com Flávio Venturini, em Nos horizontes do mundo Ao vivo de 2007. Mais recentemente, ela cantou Eu sei, Ainda é cedo e Índios, no programa Som Brasil, da TV Globo, feito em homenagem ao compositor.
“Depois de tanto cantar o Renato, passei a ter certeza que chegaria a este projeto. Mas há um ano e meio, quando comecei a pré-produção não atinei que em 2010, quando o álbum seria lançado, tanto ele quanto eu e Brasília, onde iniciou a carreira, estaríamos completando 50 anos”, conta Leila. Para chegar ao repertório do Meu segredo mais sincero, ela voltou a ouvir todos os discos da Legião e os dois solos do homenageado, assessorada pela atriz e diretora de tevê Denise Bandeira e pela cantora Zélia Duncan.
“Ouvia e anotava nota por nota para poder memorizar e entender o que era aquela melodia. Isso depois de selecionar 60 músicas, passar por 30 e até me fixar nas 15 que foram gravadas. Em 1994, quando nos reunimos em minha casa para compormos Hoje, fui para o piano e ele ficava dando voltas em torno do instrumento. Por vezes, pegava o meu dedo e passava por cima de uma nota para montar o acorde, que viria a ser a base da melodia. Aquilo estava na cabeça dele”, revela.
Ela explica: “Ao montar repertório o queria acessível às pessoas que acompanham sua trajetória. Os fãs da Legião podem gostar, ou não, mas procurei fazer o melhor que pedia a obra desse poeta, como cantora de MPB e não de rock’n’roll”. Entre as canções escolhidas há Hoje e Tempo perdido, que já haviam ganhado registro da cantora; os clássicos Ainda é cedo, Angra dos Reis, Há tempos, Índios e Perfeição; as lado B O teatro dos vampiros, Metal contra as nuvens e a pouco conhecida Quando você chegar, além de La solitudine, que Leila divide a interpretação com Renato Russo.
Meu segredo mais sincero, o nome do álbum foi retirado da letra de Daniel na cova dos leões. De acordo com o Luís Tatit, autor do texto de apresentação do CD, que traz na capa, na contracapa e no encarte fotos de Leila Pinheiro com Renato Russo, o refrão de Hoje, “Acho que a gente é que é feliz”, seja “o embrião de toda a proposta do disco. Para Tatit, as reinterpretações de Leila “valorizam o que Renato sabia fazer como ninguém: exprimir nos encontros e desencontros das relações pessoais (eu-você) quase todos os conflitos e desafios de sua geração.”
Músicas de Renato Russo na voz de Leila Pinheiro não são novidade, ela já gravou algumas. Quase sempre em versões um tanto arrastadas, em que cada palavra era pronunciada com solenidade estranha à música do roqueiro. Por isso, um disco da cantora só com músicas de Renato e Legião Urbana parecia previsível. Mas eis que ela surpreende.
Em Meu segredo mais sincero, Leila recorre àqueles recursos já conhecidos, mas trilha também outros caminhos, arrisca nos arranjos, encontra canções que se adequam mais a seu canto. Produziu assim releituras tocantes. Como na pouca conhecida Quando você voltar, só voz e teclado arranhados por uma guitarra dissonante ou em Angra dos Reis em que programações eletrônicas criam climas dramáticos.
Daniel na cova dos leões e Metal contra as nuvens também ganham força em interpretações exatas e emocionadas. No entanto, a inclusão de La solitudine (dueto póstumo de Leila com Renato para disco-tributo lançado recentemente) seria dispensável, destoa do restante do disco. Mas chega já no finalzinho para mostrar que o grande talento de Leila já deu seu recado.

Lista de músicas:
1. Ainda é Cedo
2. Índios
3. Quando você voltar
4. O teatro dos vampiros
5. Angra dos Reis
6. Daniel na cova dos leões
7. Hoje
8. Pais e filhos
9. Tempo perdido
10. Há tempos
11. Metal contra as nuvens
12. Eu sei
13. Andrea Dória
14. La Solitudine(dueto com Renato Russo)
15. Perfeição (vinheta)

Fonte: Biscoitofino

Um pêndulo entre o bem e o mal

2010-07-06T17:44:00.000-07:00

Dois lados opostos, antagônicos entre si
Um pêndulo entre o bem e o mal
Um lado pesando, o outro levitando
Na balança certa para dois pesos, duas medidas
Variando num vai e vem
Próprio da natureza humana
A melancolia equilibrando a serenidade
Dois vasos cônicos assimilando o tempo
Um pêndulo entre a latitude e a longitude
Um lado superior, o outro inferior
Movimento oscilatório onde se separam os lados contrários
Dividindo o ciclo entre o partir e o voltar
Num espaço que transcende todas as coisas mundanas
Alterando o sentido horário dos ponteiros do relógio
Um relógio diferente, um relógio sem ponteiros
Com outra forma, outro corpo, outra carne, outro estado
Num som estridente que faz travar o tic tac das horas
Confusão que acaba com a razão
Razão que vai de um extremo para outro
Dois lados da moeda, dualísticos entre si
Um pêndulo entre o positivo e o negativo
Um lado persiste, o outro desiste
Levando a periodicidade da vida do ínicio até o fim.

(Codinome Pensador)

O mundo ficou mais burro sem Saramago

2010-06-19T10:32:00.000-07:00

Morreu ontem em Lanzarote, nas Ilhas Canárias, na Espanha, onde morava desde de 1993, o escritor português José Saramago, aos 87 anos, de falência múltipla orgânica, após uma prolongada doença. O escritor morreu acompanhado pela sua família e despedindo-se de uma forma serena e tranquila. Saramago que em 1998 ganhou o único Prêmio Nobel da Literatura em língua portuguesa.
Saramago era um homem de uma lógica absurda e um dos meus escritores favoritos e para ser bem sincero, ele mudou a minha vida com sua imaginação, polêmica, ironia sútil e suas idéias inovadoras e corrosivas sobre a sociedade atual e o ser humano. Sinto-me orfão com sua morte, como ele mesmo disse, que a morte é simplesmente a diferença entre o estar aqui e já não mais estar.
Combatia as religiões com fúria, dizia que elas embaçam nossa visão, mesmo assim não consigo deixar de pensar que adoraria que neste momento ele estivesse tendo que dar o braço a torcer ao ser surpreendido por algum outro tipo de vida depois desta que teve por aqui. Uma lucidez do grau que ele tinha é um privilégio de poucos, impossível eu não escapar do clichê mas definitivamente o mundo ficou mais burro e mais cego com a morte de Saramago. Tenho certeza que neste mundo há finais que também são começos, mortes que são nascimentos. Ele foi embora, infelizmente, mas ficou para sempre entre nós amantes da boa literatura.
A vida de José de Sousa Saramago, (Saramago que é uma planta crucífera, rasteira e comestível que cresce na região de Vila Nova de Milfontes em Portugal. Essa planta era comida para afastar a fome dos Saramagos, que eram os seus pais, camponeses da aldeia portuguesa de Azinhaga), começa em 16 de Novembro de 1922 com o seu nascimento. Da casa pobre do Ribatejo vem para Lisboa onde vive até aos doze anos, cumpre a instrução primária numa escola da Morais Soares e dois anos no Liceu Gil Vicente até se iniciar em estudos mais ligados ao trabalho como serralheiro mecânico na escola industrial Afonso Domingues, em Xabregas. Aos 22 anos casa-se e tem a sua primeira filha Violante. Em 1947, a Minerva publica um romance seu, intitulado A Viúva, pelo autor e transformado em Terra de Pecado, pela editora. Torna-se editor literário e só em 1966 surge um livro de poemas do então desconhecido José Saramago.
Para mim bons escritores a gente encontra a assinatura sem procurar, ela nasce da prática, da repetição, do trabalho da própria atividade literária. Outros a buscam de forma consciente e clara, num diálogo aberto com o leitor. Assim foi Saramago.
Ele tinha um jeito próprio de escrever, inaugurado em 1980 com Levantado do Chão. Adota à partir deste livro o uso intensivo da vírgula como sinal fundamental da pontuação do texto, ocupando a função de todos os outros sinais, menos o ponto final.
Muitos críticos diziam que a forma Saramago se manteve nos romances a partir de então e pode muito bem ser reproduzida. Por isso mesmo, muitos o liam como um repetidor de si próprio, com seus parágrafos sem hora para acabar, suas “circunavegações” em torno de pequenos temas, suas passagens radicais do narrador para as personagens que, como um novelo, enrolavam-se sobre si mesmo para ganhar a estrutura de um romance.
Em Memorial do Covento narra o período de construção de um Convento, em Mafra, em cumprimento de promessa feita pelo rei D. João V. Concomitantemente, é narrada a construção de uma passarola, sonho do padre Bartolomeu com os auspícios do rei, mas perigosamente à margem do Santo Ofício. Uma das questões corticais neste romance é a fronteira entre a história e a ficção. Saramago não se vê como um escritor histórico mas antes como um autor de uma história na História. O seu argumento traduz-se numa estratégia narrativa que entrecruza três planos relevando o da ficção da História e o do fantástico em detrimento do plano da História.
Com Objeto Quase, José Saramago denuncia o estado de animalização do homem e a materialização da violência como um capítulo comum, doloroso da história da humanidade. Objeto Quase é uma coletânea de seis histórias breves e tensas em um gênero não muito praticado por ele, os climas são variados, podendo ir do humor sarcástico ao lirismo romântico, os personagens também, mas algo os une intimamente: o pessimismo, onde se espelha não somente o presente, mas o futuro também. Vemos nesta obra o homem "coisificado" e as coisas "humanizadas. Um reflexo de nossa sociedade, que se preocupa mais com a segurança dos pertences do que com o próprio cidadão.
O seu livro Ensaio Sobre a Cegueira foi adaptado para o cinema e lançado em 2008, produzido no Japão, Brasil e Canadá, dirigido pelo cineasta brasileiro Fernando Meirelles. Depois que viu seu livro Ensaio sobre a Cegueira no cinema, o escritor falou: "Este é um livro que escrevi com uma franqueza terrível, com o qual eu queria que o leitor sofresse tanto como eu sofri ao escrevê-lo. Nele descrevi uma longa tortura. É um livro brutal e violento e é simultaneamente uma das experiências mais dolorosas da minha vida. São 300 páginas de constante aflição. Através da escrita, tentei dizer que não somos bons e que é preciso que tenhamos coragem para reconhecer isso, e talvez Fernando Meireles adaptando meu livro para o cinema eu tenho tido uma espécie de redenção onde expulsei todos os demônios que ainda me afligiam”.
É possível tentar emulá-lo e não custa deixar o exemplo mais evidente. Em 2003, o repórter da Folha de S.Paulo Ivan Finotti, num texto irônico, descreveu-o assim: “O homem sentado chama-se José Saramago, nasceu na aldeia de Azinhaga, em Portugal, foi serralheiro, mecânico, desenhista industrial, funcionário público, editor, tradutor e jornalista, é escritor de profissão e tem oitenta anos, posto que à vista pareça menos idoso. Não está listado no rol das profissões deste homem, mas uma de suas atribuições mais frequentes tem sido a de criar controvérsias. Realmente Saramago era sinônimo de polêmica".
A possibilidade e a vontade de reproduzir algumas de suas técnicas só mostram o quanto seu estilo foi, ao mesmo tempo, desafiador para os leitores e popular. Como poucos escritores, Saramago pode ser criticado ou elogiado até por quem não o leu, mas sabe que seus parágrafos são longos, seus livros não usam aspas ou travessão, há letras maiúsculas depois das vírgulas indicando o início da fala das personagens. A discussão literária, com ele, era um direito garantido a quem quer que se dispusesse a enfrentar sua obra.
Quando o Prêmio Nobel veio, nos anos 90, a polêmica divisão dos portugueses entre os fãs de Saramago e os de António Lobo Antunes ganhou força internacional, eles, que não se falavam, alimentavam o Fla-Flu literário. Ainda que Lobo Antunes tenha a preferência dos críticos, é preciso reconhecer que ambos tinham mãos fortes e projetos opostos, ou seja, os dois são craques.
Para além disso, havia a política: Saramago era um comunista dos mais clássicos, para não dizer caretas, e transpôs para sua literatura toda essa sua formação e engajamento. Mesmo quando vai para o passado, um de seus olhos estava necessariamente visualizando o presente. Talvez o exemplo mais radical disto seja o romance A Jangada de Pedra, que trata da complexa relação da Península Ibérica com a Europa, justamente no momento em que Portugal está entrando na União Europeia. Tem também o seu livro mais polêmico, aquele que fez com que deixasse a Portugal carola mesmo depois da Revolução dos Cravos, que foi O Evangelho Segundo Jesus Cristo.
Saramago, que já foi filiado ao Partido Comunista Português, se definia também como adepto da democracia. Para ele, a falta de debate sobre esse assunto transformava-a em “uma santa no altar, de quem não se espera milagres” e que existe nos tempos de globalização da economia “apenas como uma referência”. “Não se repara que a democracia em que vivemos é sequestrada, condicionada, amputada”. “O poder de cada um de nós limita-se na esfera política a tirar um governo de que não gosta e colocar outro de que talvez venha a gostar. Mas as grandes decisões são tomadas em outra esfera. E todos sabemos qual é: as grandes relações financeiras internacionais.” Disse ele durante um debate em Portugal.
O escritor dizia-se obrigado a mudar um mundo injusto que encontrou. “O espaço ideológico e político onde eu podia esperar pelo menos alguma coisa que me confirmasse essa idéia era muito claro. Era a esquerda, a esquerda comunista. Aí estou”, resumiu durante entrevista do jornal Folha de S.Paulo, em 2008.
Era um grande fã da ironia, afirmou na ocasião que a pergunta sobre sua militância de esquerda apesar dos crimes cometidos na União Soviética é “inevitável em qualquer entrevista”. “Poderia perguntar à pessoa se ela era católica. Provavelmente me diria que sim. E eu teria que perguntar, para seguir na mesma linha: ‘Depois da inquisição, como é que você continua a acreditar?’”, afirmou o escritor.
“Sou aquilo que se podia chamar de um comunista hormonal. Da mesma maneira que tenho no corpo, não sei onde, um hormônio que me faz crescer a barba, há outro hormônio que me obriga, mesmo que eu não quisesse, por uma espécie de fatalidade biológica, a ser comunista. É muito simples”, disse.
Apesar de ser um histórico defensor do regime cubano, Saramago ensaiou um rompimento em 2003, quando 75 dissidentes foram presos e três pessoas foram executadas em um julgamento sumário.
Em uma carta, escreveu: "De agora em diante Cuba segue seu caminho, eu fico aqui. Cuba perdeu minha confiança e fraudou minhas ilusões".
Pouco depois, em entrevista a um jornal cubano, reatou: "Não rompi com Cuba. Continuo sendo um amigo de Cuba, mas me reservo o direito de dizer o que penso, e dizer quando entendo que devo dizê-lo".
Era ateu convicto transforma as passagens bíblicas em matéria literária e política, em que são questionados dogmas católicos, como a virgindade de Maria e valorizados modos de vida comunitários, em oposição ao modo de vida capitalista. Provocou, assim, a ira de cristãos, mas também daqueles que fazem sua profissão de fé no capitalismo mais ortodoxo.
Em O Evangelho Segundo Jesus Cristo, por outro lado, segue uma tradição de fazer da Bíblia, um livro popular por excelência, fonte de criação literária crítica, uma vertente que tem seu ponto literário mais alto na saga dedicada a outro livro José e seus irmãos, de Thomas Mann.
Como sua obra em poesia começando com Poemas Possíveis de 1966 até 1975 com Provalvemente alegria e em prosa, onde se destacam Objeto Quase de 1978, Levantado do Chão de 1980, Memorial do Convento de 1982, O Ano da Morte de Ricardo Reis de 1984, A Jangada de Pedra de 1986, O Evangelho Segundo Jesus Cristo de 1991, Ensaio Sobre a Cegueira de 1995, As Intermitências da Morte de 2005, Caim de 2009, O Caderno 2 de 2010, os seus ensaios com Deste Mundo e do Outro de 1971 até Discurcos de Estocolmo em 1999, teatro com A Noite de 1979 até 2005 com Don Giovani ou dissoluto absolvido, diários de memórias com Os cadernos de Lanzarote Vol. 1 a 5 e um único conto infantil chamado A maior flor do mundo. Saramago até se dar ao luxo de se “repetir” na forma que, nunca é demais lembrar, inventou mas se manteve até o fim da vida buscando criar em torno de novos temas, mostrando uma vitalidade incomum para um escritor de quase 90 anos.
Numa palavra ele mostrava em seus textos uma resposta ao vazio que poderia iluminar uma vida com uma centelha cósmica de verdade, criatividade e sabedoria. Agora só nos resta falar um muito obrigado para o mestre Saramago e nunca deixar que se apague esse riquíssimo universo de uma constelação literária de primeira grandeza e criação estética impecável criado por ele, que nos alegrou até o seu último dia de vida.

Fonte: Uol.

Esse sentimento chamado saudade

2010-06-18T08:59:00.000-07:00

Saudade dor que a gente sente
Daquilo que sentimos ausente e queremos ao lado
A alma chora, canta
Faz-se uma ode ao amor que está distante
Saudade, invenção da língua portuguesa
Sensação com sua própria natureza
Emoção com sua própria beleza
Sentida por todos, entendida por poucos
Saudade, apetite de um coração
Que no auge, engole a gente
Com apenas sete pequenas letras
Uma infinita explicação
Saudade rima com felicidade
Rima com ausência, rima com partir
Para chegar a hora de voltar, consumar o momento e rever
Te ver novamente para não ter que sentir esse sentimento
Chamado saudade.

(Codinome Pensador)

O fotógrafo do invisível

2010-06-09T09:47:00.000-07:00

Henri Cartier Bresson, nasceu em Chanteloup na França em 1908, foi um dos mais importantes fotógrafos do século XX, considerado por muitos como o pai do fotojornalismo. Cartier Bresson era filho de pais de uma classe média, relativamente abastada. Quando criança, ganhou uma câmera fotográfica Box Brownie, com a qual produziu inúmeros instantâneos. Sua obsessão pelas imagens levou-o a testar uma câmera de filme 35mm. Além disto, Bresson também pintava e foi para Paris estudar artes em um estúdio.
Em 1931, aos 22 anos, Cartier-Bresson viajou à África, onde passou um ano como caçador. Porém, uma doença tropical obrigou-o a retornar à França. Foi neste período, durante uma viagem a Marselha, que ele descobriu verdadeiramente a fotografia, inspirado por uma fotografia do húngaro Martin Munkacsi, publicada na revista Photographies, mostrando três rapazes negros a correr em direção ao mar, no Congo.
Quando explodiu a Segunda Guerra Mundial, Bresson serviu o exército francês. Durante a invasão alemã, Bresson foi capturado e levado para um campo de prisioneiros de guerra. Tentou por duas vezes escapar e somente na terceira obteve sucesso. Juntou-se à Resistência Francesa em sua guerrilha pela liberdade. Quando a paz se restabeleceu, Cartier Bresson fundou em 1947, a agência fotográfica Magnum junto com Bill Vandivert, Robert Capa, George Rodger e David Seymour. Começou também o período de desenvolvimento sofisticado de seu trabalho.
Revistas como a Life, Vogue e Harper's Bazaar contrataram-no para viajar o mundo e registrar imagens únicas. Da Europa aos Estados Unidos da América, da Índia à China, Bresson dava o seu ponto de vista especialíssimo. Tornou-se também o primeiro fotógrafo da Europa Ocidental a registrar a vida na União Soviética de maneira livre. Fotografou os últimos dias de Gandhi e os eunucos imperiais chineses, logo após a Revolução Cultural. Chegou a fazer fotos de grande importância histórica como, o término do domínio britânico na Índia, a queda de Pequin em 1949 e foi o primeiro fotógrafo ocidental que teve permissão de fotografar a Rússia comunista após a morte de Stálin em 1954.
Na década de 1950, vários livros com seus trabalhos foram lançados, sendo o mais importante deles "Images à la Sauvette", publicado em inglês sob o título "The Decisive Moment" em 1952. Em 1960, uma megaexposição com quatrocentos trabalhos rodou os Estados Unidos em uma homenagem ao nome forte da fotografia. Cartier Bresson chegou a ser chamadora por alguns de "o olho do século".
Para Cartier Bresson, fotografar era definido como um ato livre, espontâneo e discreto. E se descrevia como um solitário que disparava cliques com intensa alegria e uma concentração religiosa. O reconhecimento é um fardo muito pesado para se carregar. Não quero ser fotografado, identificado, quero ser anônimo. A celebridade é horrível. Eu sou libertário. Tenho horror ao poder. A notoriedade como fotógrafo é uma forma de poder que repudio. Dizia que via o mundo como uma coreografia que permite tanto ao objeto da fotografia como ao próprio fotógrafo participar na dança.
Era assim mesmo Henri Cartier Bresson, o fotógrafo do invisível, sem tripé ou qualquer artefato tecnológico, procurando sempre os momentos decisivos da vida apenas com sua máquina fotográfica nas mãos e tentando passar despercebido. Nunca uso o flash: Considero-o uma grande falta de educação. Fotografar pra mim é colocar, na mesma linha de mira, a cabeça, o olho e o coração. Detesta fotos retocadas e cenários artificiais. Não acho nem um pouco atraente essas fotografias artísticas modernas, que são fortemente encenadas e vinculadas à publicidade e a essas maravilhas da manipulação de imagens em computadores. Disse o fotografo.
Os seus últimos trinta anos da vida dedicou-se exclusivamente à pintura e ao desenho. Sua carreira profissional terminou à partir de 1973, mas continuou a fotografar apenas Fotografia, só retratos, e apenas para os amigos. Nada de novo, pois famosos são os retratos que captou de artistas como Pablo Picasso, Alberto Giacometti, Pierre Bonnard e Henri Matisse e de escritores como Paul Claudel, Paul Valéry, Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir e Albert Camus.
“A máquina fotográfica é um bloco de notas, o desenho imediato, com a sensibilidade, a surpresa, o subconsciente, o gosto pela forma. Eu faço pintura, estudei pintura desde os 15 anos. A fotografia é o problema do tempo. Tudo desaparece. Com a fotografia, existe uma angústia que não há com o desenho. O presente concreto ocorre numa fração de segundos, o que é desagradável e ao mesmo tempo, maravilhoso. É uma luta contra o tempo o qual, por sua vez, é uma invenção do homem. A pintura e o desenho obrigam-me a pensar no aqui e agora e no amanhã. Para mim, só há duas coisas que contam: o instante e a eternidade ”. Palavras de um gênio da fotografia prestes a morrer com 95 anos, em agosto de 2004. Sua morte foi uma perda irreparável para os profissionais e admiradores da fotografia artística e do fotojornalismo.
Cartier Bresson gerou uma nova concepção fotográfica no século XX. E mudou o conceito de que antes tinha a fotografia artística de que era arte de fotografar de maneira não convencional de que não existe uma preocupação de retratar a realidade e de colocar uma impressão intelectual e não emocional. Suas fotos são repletas de sensibilidade, simplicidade e autenticidade. Como diria esse mestre da fotografia em uma de suas frases mais famosas: “A fotografia pra mim, por si só não me interessa, mas sim me interessa, a comunicação que se faz entre o mundo e o homem, através deste instrumento maravilhoso do tamanho da mão que não faz passarmos desapercebidos por este planeta”.

Fonte: Focusfoto

Anatomia amorosa

2010-06-08T16:13:00.000-07:00

Tudo em você me excita, me erotiza
Todos os teus lados
Frente e verso
Convexo a se despir
Côncavo a explodir
Descubro a órbita do teu corpo
Sugo toda tua força gravitacional
Me energizo, me altero, me transformo, me esfrego
Cremoso na tua pele nua
Tua pele branca
Superfície plana, pena e papel
Sorvo de ti uma poesia
Mordo o cheiro dos teus lábios
Chego a um céu vermelho cor da tua boca
Gozas um gozo sem fim
Quando você se abre pra mim
Abre-se os teus poros
Abre-se um canal sexual
Tuas mãos leves
Me levam a percorrer a comprida via de tuas pernas
Olho o teu olhar, que logo vira o meu olhar
Chego ao fim do teu anatômico percurso
Te inicio no sexo
Te desejo da cabeça aos pés
Meus pés se misturam aos teus vinte nove ossos
Com o destino certo, como se já soubesse o caminho
O caminho que se abre para eu encontrar todos os pontos do teu corpo
Te abraço, te aperto, te prendo, te pertenço
E desabas sobre mim como pluma flutuando, como perfume no ar, como peso corporal, como vontade natural
De amar com todos os sentimentos
De amar completamente.

(Codinome Pensador)

A musa premiada

2010-06-03T16:45:00.000-07:00

A atriz francesa Juliette Binoche, musa do 63º Festival de Cinema de Cannes, conquistou neste último dia 23, o prêmio de melhor interpretação feminina pelo desempenho no filme "Copia Conforme", do iraniano Abbas Kiarostami.
Juliette Binoche nasceu em Paris em março de 1964, filha de uma atriz e de um escultor que se divorciaram quando ela tinha 4 anos.
No filme que lhe valeu o prêmio maior para uma atriz em Cannes deste ano, ela encarna uma mulher que retoma a relação com o marido na Toscana, num filme que fala sobre a impossibilidade de amar, com personagens que se movem entre verdades e mentiras.
A atriz francesa, de 46 anos, é formada em teatro, encarnou quase sempre personagens exigentes, mulheres em busca de poder, guiadas pelo gosto do desconhecido ou de grande humanidade e confrontadas com dramas da vida.
Musa de Leos Carax, "enfant terrible" do cinema francês, foi lançada pelo diretor em "Mauvais sang" (1986) e posteriormente dirigida por ele em "Os amantes de Pont-Neuf" (1991). Mas seu primeiro filme mesmo foi Liberty Belle (1982). O seu aspecto gracioso e delicadamente "mignone" que emprestou inocência aos filmes Vie de Famille (1984), Je Vous Salue Marie (Eu Vos Saúdo, Maria, 1985). Sua beleza européia lhe fez posar nua há dois anos atrás para a capa da Playboy francesa em plenos 43 anos mostrando uma boa forma invejável. Sua pele branca e seus cabelos negros, fazendo o gênero beleza natural e delicada mas com inteligência e idéias claras foi essa imagem da mulher parisiense que fez ela virar a queridinha da marca francesa de cosméticos Lâncome há alguns anos atrás e seu rosto clássico virou o frasco do perfume Poeme.
Em foi com dois filmes que a triz viveu sua primeira experiência no exterior com "A insustentável leveza do ser" (1987), de Philip Kaufman, com Daniel Day-Lewis, no qual chamou a atenção da crítica e do grande público com sua beleza e seu talento.
Depois na produção inglesa "Relações Proibidas" (1992), com Jeremy Irons e "O morro dos ventos uivantes" (1992), também rodou "Azul", do polonês Krzysztof Kieslowski, que em 1993 e assim marca uma nova etapa em sua carreira, com um prêmio de interpretação em Veneza e o César francês de melhor atriz. Retirou-se para ser mãe em 1994, voltando à tela como a heroína de Le Hussard Sur le Toit (1995) e nesse mesmo ano foi escolhida pela Empire Magazine como uma das 100 estrelas mais sexys da história do cinema. Em 1996 ganhou o Oscar da Melhor Atriz. Com a sua secundária mas hipnotizante personagem Hana no filme The English Patient (O Paciente Inglês), naquela que foi uma das maiores surpresas da história do Oscar.
Atuou em filmes de época como "O cavaleiro do telhado e a dama das sombras" (1996), participou de Alice et Martin (1998), Les Enfants du Siècle (1999), Éloge de l'Amour (1999), La Veuve de Saint-Pierre (2000) e Code Inconnu: Récit Incomplet de Divers Voyages (2000), antes de entrar na pele de Vianne Rocher no filme Chocolat (Chocolate, 2000), que lhe valeu mais uma indicação para o Oscar de Melhor Atriz.
Fez depois outros filmes de menor destaque, voltaria ao grande clã do cinema em: Décalage Horaire (2002), um romance realizado por Danièle Thompson; Country of My Skull (Um Amor em África) (2004), um drama em que contracenou com Samuel L. Jackson e com Michael Haneke filma "Código desconhecido" e "Caché" (2005). Com Abel Ferrara faz "Mary" e com Hou Hsiao Hsien trabalha em "A viagem do balão vermelho" (2007), antes de atuar sob a direção de Abbas Kiarostami em "Shirin" (2008) e "Copia Conforme" (2010).
"Binoche é uma grande artista com alcance internacional, mas eu trabalho com ela em um clima de total descontração, como quando trabalha-se com atores não profissionais", disse em Cannes o diretor iraniano, que já apresentou dez filmes neste Festival, três deles candidatos a Palma de Ouro.
Além de atuar, Binoche dança, pinta e escreve poesia. Uma fotografia de Juliette Binoche, com calça e blusa pretas e com um pincel nas mãos, ilustrou neste ano o cartaz do Festival de Cannes. Juliette é sem dúvida para verdadeiros cinéfilos como eu, uma musa, uma bela, uma das maiores e melhores atrizes da atualidade.

Fonte: Yahoo

Ain't no mountain high enough

2010-05-31T14:41:00.000-07:00

Now if you need me call me
No matter where you are,
No matter how far.
Just call out my name
I'll be there in a hurry
You don't have to worry.

Cause baby there
Ain't no mountain high enough
Ain't no valley low enough
Ain't no river wide enough
To keep me from getting to you baby.

Remember the day
I set you free
I told you could always count on me, darling
From that day on
I made a vow
I'll be there when you wanted
Some way, somehow.

Cause baby there
Ain't no mountain high enough
Ain't no valley low enough
Ain't no river wide enough
To keep me from getting to you baby.

No wind,
No rain,
Or winter's cold
Can stop me baby
Cause you are my goal
If you're ever in trouble
I'll be there on the double
Just send for me baby.

My love is alive
Deep down in my heart
Although we are miles apart
If you ever need a helping hand
I'll be there on the double
Just as fast as I can
Don't you know that.

Their ain't no mountain high enough,
Ain't no valley low enough,
Ain't no river wide enough,
To keep me from getting to you baby.

Ain't no mountain high enough
Ain't no valley low enough
Ain't no river wide enough
To keep me from you.

Ain't no mountain high enough
Ain't no valley low enough
Ain't no river wide enough
To keep me from you.

Autores: Nickolas Ashford & Valerie Simpson.

O maestro da era Youtube

2010-05-19T09:04:00.000-07:00

Gustavo Dudamel se tornou um popstar à parte do mundo dos CDs. Ele é o regente-símbolo de nossa época, em que a internet é a melhor amiga do fã de música clássica.
O mundo da música clássica tem um relacionamento tenso com a fama. Por um lado, todos sentem falta dos dias em que Arturo Toscanini, Leonard Bernstein e Leontyne Price estavam na crista da onda e apareciam sempre em capas de revistas. Por outro lado, sempre que um músico clássico se aproxima da celebridade, o que inclui um anúncio de Rolex, uma foto na revista People e, talvez, o último quadro do programa David Letterman, os céticos começam a se preocupar com sua integridade artística. Esta ansiedade não é totalmente injustificada: Luciano Pavarotti passou de grande tenor lírico da era moderna para tema de piadas sobre gordos. A noção de incompatibilidade entre o comércio e a arte tem origem no marxismo universitário, e se opõe ao ideal de Beethoven, Verdi e Mahler, que se relacionavam apaixonadamente com o público em geral. Logicamente, é possível que um compositor ou intérprete clássico fique famoso sem se render à cultura da celebridade. Tal virtuoso pode até persuadir uma nação distraída com fatos vazios a prestar atenção em uma sinfonia de quarenta e cinco minutos.
Hoje, todos os olhos estão voltados para um maestro venezuelano de 29 anos, Gustavo Dudamel, que assumiu o cargo de diretor musical da Filarmônica de Los Angeles em outubro do ano passado. Há apenas cinco anos no circuito internacional, Dudamel já se tornou um dos mais famosos músicos clássicos vivos, com a ajuda de programas de TV, matérias nas primeiras páginas de jornais e vídeos no YouTube. Ao assumir a Filarmônica, durante um concerto no Hollywood Bowl, foi ovacionado como um astro pop por uma plateia de 18 mil pessoas. E o que émais impressionante, é que acabou por fazer silêncio durante sua apresentação da Nona Sinfonia de Beethoven. Isso aconteceu no movimento lento da peça, quando Dudamel conduzia os sons expressivos e intrincados dos violinos contra o suave coral dos sopros, neste momento, o burburinho cessou e Beethoven reinou. Tais feitos, a ovação e o silêncio explicam porque este jovem causou tremores inesperados de otimismo no mundo clássico.
Há três elementos básicos por trás da força de Dudamel. O primeiro é o comando surpreendentemente natural da arte da regência. A notícia de seu talento não foi espalhada por departamentos de relações públicas, mas sim por relatos maravilhados de colegas ilustres, como o italiano Claudio Abbado e o britânico Simon Rattle. O segundo é a energia contagiante que conquista almas endurecidas. A dura máscara da seriedade não é para ele; seus olhos brilhantes e feições contorcidas sugerem que ele adora o que faz. E por último, sua origem latina empresta uma nova cor a uma arte vista como exclusivamente caucasiana. Ele é produto de El Sistema, a lendária rede venezuelana de jovens orquestras, que encontra talentos nas áreas mais pobres do país, e sua atitude é diametralmente oposta à dos músicos saídos de conservatórios.
Dudamel pode ainda se queimar com toda a essa atenção, mas os sinais sugerem o contrário. Pessoalmente, é possível perceber uma dureza por trás de seu entusiasmo. Ele é obcecado pela música, intensamente ambicioso e bastante radical. Em outubro, no Hollywood Bowl, antes da apresentação da Nona Sinfonia, ele conduziu a EXPO Center Youth Orchestra, uma espécie de divisão de jovens talentos da Filarmônica, em uma interpretação difusa, porém alegre, da Ode à Alegria, o quarto movimento da Nona de Beethoven. Pessoas na platéia perceberam que os cobiçados assentos perto do palco, geralmente reservados aos beneméritos, estavam ocupados pelas famílias dos músicos jovens, muitos dos quais vieram de um bairro barra-pesada da cidade. Foi um gesto incisivo, quase político, algo que o lendário Leonard Bernstein teria feito em sua estréia.
Dudamel já provou que é um mestre das grandes ocasiões. O verdadeiro teste de suas habilidades virá gradualmente, com as tarefas diárias de uma orquestra americana: reger, planejar temporadas, contratar músicos, buscar doações e caso ele seja um milagreiro, mudar as feições da audiência. Um pouco antes do dia de Ação de Graças, voltei a Los Angeles para conferir como Dudamel e a Filarmônica trabalhavam em condições normais, em uma série de apresentações no Walt Disney Concert Hall. Foram leituras bem pensadas e elegantes, prova da versatilidade de Dudamel. Porém, nada que mereça entrar em uma cápsula do tempo. Apesar de passar a imagem de regente impulsivo, um selvagem com braços irrequietos e pés dançantes, suas escolhas musicais tendem a ser controladas, às vezes um tanto previsíveis. Ele favorece o som exuberante e pesado em Mozart, como em uma velha gravação do austríaco Herbert von Karajan. Há mais cordas que sopros, na proporção de cinco para um, o que é problemático em termos de equalização, apesar de os sopros da Filarmônica compensarem com uma série de solos vibrantes. Os tempos estavam lentos, beirando a sonolência no Andante da sinfonia Praga e no Minueto da Júpiter. Dudamel estava excelente no movimento lento da Júpiter, quando alcançou os mesmos requintes que fizeram o movimento lento de sua Nona de Beethoven tão memorável. Em geral, porém, este Mozart precisava de ritmos mais vigorosos, contrastes dinâmicos mais claros e detalhes mais aguçados de frases e articulação.
O Concerto de Berg, também, foi curiosamente sossegado. O maestro trabalhou para ressaltar seu solista. Shaham apresenta esta peça com uma doçura incomum, obtendo, algumas vezes, uma qualidade vocal vívida. Dudamel manteve-se ao fundo, oferecendo uma tela onde Shaham podia usar todas suas tintas. Como um todo, o programa foi rico em sutilezas e pobre em eletricidade. Foi bom ver Dudamel desafiando a si mesmo e a orquestra com tanto vigor no início de seu trabalho como diretor; a opção mais fácil seria preencher a temporada com peças românticas para agradar a audiência. Dudamel foi ruidosamente ovacionado após soarem as últimas notas da Júpiter. A orquestra e a plateia pareciam emocionadas.
Alguns relatos elegeram Dudamel o salvador da música clássica, mas Los Angeles não necessita de um messias; esta orquestra já havia sido salva. O finlandês Esa-Pekka Salonen revolucionou a Filarmônica em seus dezessete anos de trabalho , ele reorganizou a programação tendendo mais para a música moderna, com uma incansável campanha para convencer plateias do poder do novo e da estética da aventura. Felizmente, a visão de Salonen parece, agora, firmemente implantada na identidade da orquestra. O compositor John Adams assumiu um cargo no grupo e, quando eu estava na cidade, um festival com sua curadoria acontecia no Disney Hall. A apresentação de abertura foi um tanto caótica, mas teve reviravoltas surpreendentes: o quarteto Kronos interpretou uma poderosa obra do compositor cinematográfico Thomas Newman; o duo Matmos apresentou duas peças eletrônicas hipnoticamente densas; o grupo Ad Hoc Ensemble mostrou uma sinuosa criação de vanguarda do guitarrista Michael Einziger, da banda Incubus; e, por volta da meia-noite, Terry Riley, o pai do minimalismo, subiu à bancada do órgão e mandou um brilhante improviso de blues.
Concertos com tamanha liberdade seriam espantosos em qualquer orquestra; na Filarmônica eles são rotineiros. Como Dudamel irá se adaptar ao experimentalismo da Filarmônica é o que estamos para ver, mas ele parece ansioso para continuar com o legado de Salonen, adotando uma série de novas peças e acrescentando trabalhos de compositores sul-americanos. Com Salonen, a Filarmônica tornou-se a orquestra mais interessante da América; com Dudamel, tem tudo para manter o título.

Fonte: Revista Bravo!

Não tem Neymar vamos de Nilmar mesmo

2010-05-17T08:26:00.001-07:00

O anúncio dos brasileiros convocados para a Copa do Mundo deste ano, deixou o país literalmente parado na semana passada. Na televisão, rádio ou internet, todos queriam saber quem eram os escolhidos para representar a Seleção Brasileira na Copa do Mundo da África do Sul. Em Bandeirantes, região norte do estado do Paraná, não foi diferente. Afinal, um motivo em especial fez a festa na cidade: o atacante Nilmar de 25 anos de idade, que joga no Villareal da Espanha, entrou na lista do técnico Dunga para o mundial.
No posto de gasolina do irmão de Nilmar, cerca de 400 conterrâneos e conferiam os convocados em um telão. Todos foram à loucura quando o nome do jogador foi anunciado. “A emoção foi grande. Houve carreata com trio elétrico e em Bandeirantes só se fala nisso. É a primeira Copa dele. Até agora não caiu a ficha”, disse Fabrício Honorato da Silva, o irmão de Nilmar.
Ao lado dos pais de Nilmar, o irmão Fabrício não conteve a emoção e falou. “E pensar que até pouco mais de dez anos ele jogava bola no campinho ao lado da escola aqui perto de casa. Era o campo do São Bento, onde tudo começou. De lá, ele tentou jogar no União, mas foi para o Matsubara com 13 anos. Nessa época, ele ainda ajudava meu pai trabalhando como garçom. E agora está convocado para a Copa. É um sonho para a nossa família”.
Ao vivo, para uma rádio da cidade, a Cabiúna, Nilmar agradeceu aos que foram às ruas comemorar. O jogador também prometeu visitar Bandeirantes, sua cidade natal, na próxima semana. “Esse último ano foi maravilhoso para mim na Seleção. Já avisei meu pai para pagar um churrasco para a galera. Tá tudo pago”, comemorou, também lembrando o futuro nascimento de sua filha.
Nilmar e Kléberson mantêm uma tradição que vai se repetir pela oitava vez: a de paranaenses em Copas do Mundo. Quem desbravou o caminho foi o curitibano Patesko, que atuou nos mundiais de 1934 e 1938. Quarenta anos depois, o também curitibano Dirceu Guimarães empalcou três Copas seguidas: 1974, 1978 e 1982. Belletti, Rogério Ceni, o próprio Kléberson e o paulistano “naturalizado” curitibano Ricardinho atuaram em 2002. Na Copa passada, em 2006, apenas Rogério Ceni, nascido em Pato Branco, esteve naquele mundial.
Nilmar teve sua primeira chance como profissional no Internacional de Porto Alegre, quanto tinha apenas dezoito anos. A partir de então, começou a ter destaque e obter seu espaço no ataque colorado. Em 2004, foi campeão Gaúcho com o Inter, sendo o artilheiro da equipe. E neste mesmo ano Nilmar foi negociado com o Lyon, da França.
Em 2005 no retorno ao Brasil Nilmar passou pelo Corinthians e Palmeiras. Em 2009 retorna a Europa jogando no Villarreal da Espanha como atacante, o Villareal desenbolsou cerca de R$ 44 milhões pelo atleta, com contrato firmado é de duração de cinco anos. Nos últimos meses de 2009, Nilmar conseguiu a façanha de marcar seis gols em quatro partidas seguidas pela seleção brasileira. E agora foi convocado para uma vaga de atacante da seleção canarinho nessa Copa 2010 trazendo mais prestígio e mídia para sua carreira.

Já o outro jogador o Neymar do Santos, que é a nova sensação do futebol brasileiro que podesse ser a surpresa nesse hexacampeonato mundial como seu talento nos pés que levou o Santos pela décima oitava vez à conquistar o título do Campeonato Paulista, se consagrou como o artilheiro do mesmo e que está sendo considerado o “Messi brasileiro”, uma referência ao melhor jogador do mundo em 2009, o argentino Lionel Messi e pelos os espanhóis do time do Real Madrid. Mesmo assim ficou de fora dos convocados da seleção para a Copa, apesar dos apelos da imprensa e dos torcedores. Neymar assistiu junto com seus companheiros de time à convocação do técnico Dunga para a Copa deste ano. Estavam Reunidos em um hotel, os atletas torciam pela inclusão do atacante e do meia Paulo Henrique Ganso, que era a nossa esperança aqui de Belém do Pará, na lista da Seleção brasileira, mas ao final do anúncio oficial, o sentimento entre as estrelas do Peixe era de frustração.
Visivelmente abatido, o jogador falou com a imprensa, considerado “selecionável”, e disse que já estava pensando no próximo Mundial, que acontecerá em 2014 aqui no Brasil e falou que não pode parar aqui, vou lutar para ir para próxima Copa, disse o craque de apenas 18 anos. Enquanto isso o convocado Robinho dava declarações à imprensa e se mostrando muito feliz por está na lista do técnico Dunga, mas lamentou a ausência dos companheiros de equipe. “Não tive tempo de conversar com o Neymar e com o Ganso, mas é claro que todo jogador que espera uma convocação e não é convocado fica triste”, concluiu.
Neymar também disse que, a partir de agora, deixa de ser candidato a uma vaga na seleção para se tornar mais um torcedor da seleção. "Infelizmente, não fui convocado, mas agora é hora de torcermos pelo Brasil", revelou o atacante santista. A vida é assim mesmo, alegria de uns e frustração de outros. Então boa sorte para a nossa Seleção Brasileira rumo à Johannesburgo no primeiro jogo dia 15 de junho contra a Coréia do Norte. Pra frente Brasil!

Fonte: G1

Mafalda

2010-05-17T08:05:00.001-07:00

A mulher que me deu a luz

2010-05-13T12:52:00.000-07:00

Me vi num escuro aquoso e logo ela me deu vida
Logo a luz dos olhos dela irradiaram sobre os meus
Uma luz me deu de presente uma benção, o amor e sua dedicação
Clareou sobre mim sua força irresistível de mãe
Um brilho que vinha de seu sorriso grande e aberto
Fiquei totalmente dependente dessa mulher
Resplandece sobre mim o clarão de sua imagem de mãe
A mulher que me deu a luz.

Três letras onde cabem todos os sentimentos do mundo
Mãe, mulher de verdade, mãe, geradora da felicidade
Única mulher que tem o dom incondicional da emoção
Nunca se engana como as mensagens que vem do seu coração
Só ela consegue me iluminar mesmo estando em qualquer lugar
Só ela tem a luz que me liberta e me faz ver o fim do túnel
Que mulher que leva sempre consigo sua doçura e seu brilho raro?
A mulher que me deu a luz.

Sei que sua luz de estrela guia sempre todos os meus passos
Me ilumina nesse mundo que mostra uma vida sem poesia
Para eu seguir na minha missão no caminho da calmaria
Resplandece em mim sua cara, sua beleza, sua alma
Sempre com seu brilho espectral que une todas as cores
Sempre com sua essência sem igual que vai dos cabelos aos pés
Só essa mulher ilumina o que há de mais escuro em mim
A mulher que me deu a luz.

(Codinome Pensador)

Eu vi. O filme: Um olhar do paraíso

2010-05-13T10:53:00.001-07:00

Sinopse: 6 de dezembro de 1973. Norristown, Pensilvania, subúrbio da Filadélfia. Susie Salmon (Saoirse Ronan) está voltando para casa quando é abordada por George Harvey (Stanley Tucci), um vizinho que mora sozinho. George a convence a entrar em um retiro, por ele construído. Lá dentro, Susie é assassinada. Os pais de Susie, Jack (Mark Wahlberg) e Abigail (Rachel Weisz), inicialmente se recusam a acreditar na morte da filha, mas precisam aceitar a situação quando seu gorro é encontrado em meio a um milharal, junto a destroços do retiro que estão repletos de sangue. Em meio às investigações, a polícia conversa com George mas não o coloca entre os suspeitos. Com o tempo Jack e Lindsey (Rose McIver), a irmã de Susie, passam a desconfiar de George. Toda esta situação é observada por Susie, que agora está em um local entre o paraíso e o inferno. Lá ela precisa lidar com o sentimento de vingança que nutre em relação a George e a vontade de ajudar sua família a superar o trauma de sua morte.
Ficha técnica: Título original: The Lovely Bones/ Lançamento: 2009/ Gênero:drama/ Direção: Peter Jackson/ Elenco: Saoirse Ronan (Susie Salmon), Mark Wahlberg (Jack Salmon), Rachel Weisz (Abigail Salmon), Susan Sarandon (Vovó Lynn), Stanley Tucci (George Harvey), Rose McIver (Lindsey Salmon).

O homem que sabia demais de cinema

2010-04-29T16:49:00.000-07:00

Há exato trinta anos, em 29 de abril de 1980, o mundo perdia Sir Alfred Joseph Hitchcock, considerado o mestre dos filmes de suspense da história do cinema. Nascido no leste londrino e educado por jesuítas, Hitchcock entrou na indústria do cinema em 1920 como desenhista de legendas de filmes mudos, mas logo se tornou diretor de arte, roteirista e diretor assistente. Fez nove filmes mudos, entre eles O pensionista em 1926, o primeiro com a sua marca: a breve aparição na frente da câmera. Após a chegada do som, o britânico soube dominar a nova tecnologia e em 1940 foi convidado para ir a Hollywood dirigir a adaptação de Rebbeca, a mulher inesquecível. A película foi consagrada com a estatueta da academia e Hitchcock se transformou em um dos diretores mais promissores de Hollywood. Numa época em que os estúdios controlavam os atores e diretores, Hitchcock foi o pioneiro na independência de contrato. Dessa forma, ele escolhia os filmes que iria dirigir e para quem iria trabalhar.
Em Festim Diabólico de 1948, Hitchcock consegue uma tensão crescente que poucos diretores já conseguiram passar para as telas. Nada de fantasmas ou aparições, Festim Diabólico trata do real, apresentando os maiores defeitos e qualidades das emoções humanas, funcionando tanto como um simples entretenimento quanto um estudo aprofundado de personagens. Gravado totalmente em estúdio. É seu primeiro filme colorido, mas não é experimental por causa disso: ele foi filmado em apenas 10 tomadas de oito minutos cada uma. Oito minutos de filme, para a época, era o máximo que um rolo de filme podia suportar. Mas boa parte dos cortes presentes entre essas tomadas são imperceptíveis, o que torna a técnica do filme ainda mais genial. A história de Festim Diabólico é simples mas repleta de personagens que tornam o filme complexo e dinâmico, no sentido de imprevisível. É levemente baseada em um caso real de 1924, quando dois jovens Leopold e Loeb, raptaram e mataram um garoto de 14 anos, na cidade de Chicago. O caso teve grande repercussão em jornais da época. Ambos foram julgados, mas conseguiram escapar da pena de morte, sendo apenas aprisionados. Loeb morreu na prisão e Leopold saiu dela após 45 anos, morrendo no início dos anos 70. Era quase evidente que ambos eram homossexuais, mesmo que isso nunca tenha sido dito como certo. Em Festim Diabólico, Hitchcock pega apenas a premissa geral para criar o roteiro e mantém a suspeita de homossexualismo, da forma mais sutil possível, tanto que muitas pessoas nem desconfiam quando assistem ao filme. O crime tem motivo intelectual, na cidade de Nova York, Brandon (John Dall) e Phillip (Farley Granger) assassinam seu amigo David, por considerarem-se superiormente intelectuais em relação a ele. O assassinato, com uma corda, que é a primeira cena. Com toda a frieza e arrogância do mundo, eles resolvem provar para eles mesmos sua habilidade e esperteza: esconderão o cadáver em um grande baú, que servirá como mesa e estará exposto no meio da sala de estar do apartamento deles, durante uma festa que realizarão logo em seguida. Tudo torna-se ainda mais interessante ao descobrirmos que entre os convidados estarão o pai, a noiva e a tia da vítima. Nesse filme não se usa o clichê Hitchcockiano da loira sensual, que é usado em outros filmes, embora Janet (Joan Chandler) seja muito bonita, ela não é personagem de destaque do filme em momento algum e também não é loira de qualquer forma.
Disque M para matar de 1951 é um filme policial que reinventa o processo tradicional desse gênero. Em Disque M para matar, o cineasta vai longe e põe-se distante sua obra acabada não é construída em obediência aos recursos típicos do cinema da época e segue segundo a sua melhor e mais racional utilização de meios de narrativa e outra, os diálogos se arrastam explicativamente, sem aquele dinamismo funcional. É o que é mostrado nos primeiros instantes do filme, nos quais mostra Grace Kelly, a rica Margot Wendice, beijando domesticamente seu marido, seguidos da notícia e da chegada de um navio e a repetição da cena, desta vez com um beijo apaixonado de miss Kelly no seu amante. O trunfo do filme é a trama em torno do assassino, onde a observação sardônica do diretor encontra tradução apenas nas palavras ditas e muito pouco no jogo de cena ou mesmo na interpretação dos atores. Impressionante também é a interpretação de Grace Kelly como uma mulher rica e infiel, dividida entre o amante americano e o marido. É fantástica a transformação de seu rosto ao longo do filme, desde o início em que está alegre, feliz, entre o marido e o amante, até a mulher arrasada, destruída, da metade do filme em diante.
Em 1954, Hitchcock dirigiu o clássico, Janela Indiscreta, onde um fotógrafo (James Stewart), observa seus vizinhos do prédio da frente com um binóculo. Seu par romântico no filme era ninguém mais, ninguém menos que novamente é a diva Grace Kelly. O mais interessante desse filme, foi o set. Hitchcock destruiu o subsolo de um estúdio para construir o prédio da frente do fotógrafo, desse modo, ele conseguiria um ângulo tal que daria para filmar o prédio por inteiro.
Em O homem que sabia demais filmado em 1956, Hitchcock faz uma de suas aparições clássicas de costas para a câmera, no mercado marroquino, antes do assassinato. Tudo começa no Marrocos, onde uma tradicional família está passando alguns dias, aproveitando uma viagem a trabalho de seu chefe, o médico Benjamin (James Stewart). Fascinados com os costumes locais, logo eles fazem amizade com outro casal ocidental, os Drayton (Brenda De Banzie e Bernard Miles) e com o misterioso francês Louis Bernard (Daniel Gélin). O que era para ser uma viagem tranquila, no entanto, passa a assumir a forma de um pesadelo quando Bernard morre assassinado em pleno mercado público, não sem antes revelar a Benjamin que um importante líder de estado será assassinado em Londres. A idéia de Benjamin é contar tudo à polícia, mas os responsáveis pela morte de Bernard e pela conspiração descoberta por ele sequestram seu filho pequeno, para impedí-lo de fazer qualquer denúncia. Sentindo-se desprotegidos, o médico e sua mulher, a ex-cantora Josephine (Doris Day) partem para Londres, dispostos a reaver o filho e evitar a tragédia prevista pelo francês, que eles descobrem que trabalhava para o FBI. Dessa vez, ao invés de apenas um homem jogado no centro do furacão, ele vai ainda mais longe, fazendo tremer as estruturas de uma família inteira e uma família cuja mãe é Doris Day, a epítome do suburbano, do trivial. Aliada a James Stewart, escolhido por Hitchcock principalmente por representar o homem comum, Day cria um núcleo familiar com o qual qualquer espectador pode tranquilamente se identificar.
Em Um corpo que cai de 1958, o mundo conhece o “Hitchcock Zoom“, um truque de câmera utilizado para passar ao espectador a sensação de vertigem sofrida pelo protagonista através da distorção de perspectiva. Scotty ( James Stewart) é um detetive que descobre sofrer de acrofobia (medo de lugares altos) ao presenciar um colega cair do telhado de um prédio. Devido à sua condição, aposenta-se, mas é contratado por um velho amigo para investigar a sua mulher, Madeleine (Kim Novak), que aparenta estar possuída por uma ancestral suicida. Esse filme é considerado a grande obra prima de Hitchcock, principalmente por trabalhar muitos dos temas caros ao diretor, como a obsessão, o perigo de cair, o envolvimento de um homem comum numa trama insólita e a ambientação de cenas tensas em lugares famosos. Neste filme o diretor aparece novamente em cena aos exatos 11 minutos, caminhando com um terno em frente ao estaleiro de Gavin Elster.
Em 1960, Hitchcock atingiria o seu ápice. Com Psicose é um dos filmes mais lembrados de todos os tempos. Talvez não pelo o nome, mas por uma cena em particular: a morte da protagonista na metade do filme. O som estridente, a cortina rasgada e a atriz Janet Leigh nua no chuveiro fizeram da cena uma perfeição em técnica, ângulo e atuação. A loira fria, que dessa vez decidiu roubar dinheiro do banco em que trabalha, não tem o tempo de se redimir e acaba sendo morta por um psicopata com um provável complexo de Édipo. Hitchcock na época das filmagens de Os pássaros em 1963 se baseou num conto de mesmo nome da escritora britânica Daphne Du Maurier e é protagonizado por Rod Taylor, Jessica Tandy e Tippi Hedren, esta última uma descoberta de Hitchcock. O filme inovou na trilha sonora e em efeitos especiais, e por este último motivo foi nomeado para o Oscar. Tippi Hedren, mãe da então futura atriz Melanie Griffith e ganhou o Globo de Ouro.
O seu último filme foi em 1976, Trama Macabra / Intriga em Família com Karen Black e Bruce Dern.
Em 1980, Alfred Hitchcock recebeu a KBE da Ordem do Império Britânico, da mãos da Rainha Elizabeth II. Ele morreria quatro meses depois, de insuficiência renal, em sua casa em Los Angeles.
Foi indicado seis vezes ao Oscar, mas nunca levou a estatueta. Só em 1968, ele recebeu da Academia o Irving G. Thalberg pela sua filmografia. O suspense de Hicthcock distinguia-se do elemento surpresa mais característico do cinema de terror. O suspense é acentuado pelo uso de música forte e dos efeitos de luz. Nos filmes hitchcockianos, a ansiedade do espectador aumenta pouco a pouco enquanto, o personagem não tem consciência do perigo. São apresentados dados ao telespectador que o personagem do filme não sabe, criando uma tensão no espectador em saber o que acontecerá quando o personagem descobrir. Em Psicose, o próprio Hicthcock diz que fez sua melhor e preferida cena, quando somente o espectador sabe que a velha assasina está lá em cima, enquanto o detetive sobe a escada e com a câmera de um ângulo de cima, vê a porta se entreabrir, e o esperado acontece, a assassina mata o detetive, que cai escada a baixo juntamente com o foco da câmera na mão com uma faca a golpear a vitima até a morte. Essa cena descrita poderia soar muito sangrenta, agressiva e causar calafrios, é esta mesmo a intenção, afinal estamos falando do mestre do suspense, do eterno e saudoso mestre Alfred Hicthcock.

Fonte: Cinema10

O fenômeno Fiuk

2010-04-28T15:22:00.000-07:00

Fiuk, nome artístico e esquisito do paulistano Filipe Kartalian Ayrosa Galvão de 19 anos, que está sendo conhecido pelo grande público por interpretar Bernardo na décima sétima temporada do seriado global “Malhação ID” e por ser vocalista da banda Hori. É filho do cantor romântico Fábio Júnior e da artista plástica Cristina Karthalian. Terceiro filho de quatro irmãos: Cleo Pires (que é filha da também atriz Glória Pires), Krizia, Tainá e Záion.
Diz que sempre foi alvo constante de brincadeiras no colégio que estudava. “Os moleques me chamavam de Fabinho e eu ficava muito bravo”, lembra. Quando o jovem começou a aprender violão e a alimentar sonhos de formar uma banda, resolveu adotar o codinome Fiuk. “Quem inventou esse apelido foi o melhor amigo dele, Edson, filho do jardineiro da nossa casa”, conta Cristina, a mãe do rapaz.
A popularidade do rapaz aumentou há quatro meses atrás, quando ele passou a liderar o elenco de “Malhação ID”. Fiuk virou um dos campeões de correspondência da Rede Globo e viu o cachê e de sua banda de pop rock, multiplicar-se por dez: de 2 000 para 20 000 reais por show. No Twitter, tem mais de 323 000 seguidores.
Fiuk deu seu primeiro passo na carreira artística foi como músico e hoje é vocalista da Banda Hori que faz o estilo emocore e foi formada em 2004. Depois de algumas mudanças na formação, a banda consiste também como Max Klein (guitarra solo e vocal), Renan Augusto (guitarra base e vocal), Fê Campos (baixo) e Xande Bispo (bateria). Fábio Jr, bancou a produção do primeiro videoclipe e dos CDs demo da banda de Fiuk, o disco de estreia, lançado pela Warner, vendeu 10 000 cópias. Também também dividiu o palco com o filho no Domingão do Faustão, no fim do ano passado. Os dois cantaram a música “Pai” e não seguraram as lágrimas. “Foi muito emocionante, pois ele fez essa música para o meu avô, que morreu antes de eu nascer”, conta o galã teen.
Vem mesmo ganhando espaço e sucesso como ator protagonisando o “Malhação ID” nas tardes da Globo, cantando aliás a música de abertura da atração e não é por menos que acaba de ter uma canção de sua autoria confirmada na trilha nacional do fenômeno cinematográfico Crepúsculo e se prepara para estrear nos cinemas brasileiros com o filme “ As melhores coisas do mundo” da consagrada diretora Laís Bodanzky do premiado “Bicho de sete cabeças”.
O filme reúne reúne nomes conhecidos da boa safra de novos atores da dramaturgia brasileira para contar a história de um adolescente chamado Mano (interpretado pelo desconhecido ator Francisco Miguez), paulista de classe média que enfrenta os conflitos típicos da idade, em meio ao burburinho de uma tradicional vida escolar. Amparada por um elenco de protagonistas escolhidos entre os próprios alunos de uma instituição de ensino, Bodanzky fez um filme leve, sem grandes pretensões, mas que satisfaz o público espectador justamente por não teatralizar a representação de uma geração que não precisa ser distorcida para parecer exagerada. “As Melhores Coisas do Mundo” é um filme jovem, para jovens e seu ritmo ágil pode incomodar quem espera por um drama sóbrio e maduro. Baseado na série de livros “Mano”, dos escritores Gilberto Dimenstein e Heloisa Pietro, o roteiro é marcado por situações que só uma mente adolescente poderia prever.
Apesar de iniciantes, os novos atores surpreendem e conseguem atuações que, de tão espontâneas, beiram o cinema documental. Como é o exemplo de Fiuk, que faz o personagem Pedro, um jovem romântico e idealista, irmão do protagonista e dos sempre excelentes Caio Blat, no papel de um dos professores do colégio, Denise Fraga e Zé Carlos Machado, os pais de Mano. O uso de características mais comuns ao cinema documental, como a presença de não atores e roteiro feito em colaboração com os personagens, aliadas ao fato de que boa parte da história acontece nos corredores de um colégio real, aproximam o filme “As Melhores Coisas do Mundo” de outra produção recente, “Entre os Muros da Escola”, que em 2008 venceu a Palma de Ouro, em Cannes. O filme de Bodanzky também possui inegável qualidade estética. Embora seja convencional em sua direção, ela não perde a oportunidade de brincar com a câmera e exibe técnicas interessantes que permitem congelar o tempo ao redor do protagonista. A diretora fez um filme que, se não é a perfeita representação do jovem brasileiro, é tudo aquilo o que ele não tem coragem de mostrar.
“ A minha vida é a música. Quero tocar cada vez melhor, compor cada vez melhor, cantar cada vez melhor, diz ele pilhado às 11 da manhã tentando equilibrar um copo descartável de café, milk- shake de morango e uma porção de pão de queijo antes de começar mais um dia de gravação nos estúdios do Projac. Mas não quero deixar de atuar, pois ser ator também é uma grande paixão na minha vida. Diz o rapaz. Fiuk namora e mora junto há dois anos com a produtora de moda Natália, de 37 anos, ou seja, a diferença de idade entre os dois é de 18 anos. “ Gosto de mulheres mais velhas. Elas são mais decididas. Não tem tanto nhenhenhém.” Diz em tom bem decidido. Na verdade Fiuk é apenas um jovem de 19 anos deslumbrado, no melhor sentido da pelavra deslumbrado, com todo esse circo que é o showbiz e que queira, ou não, para a nossa sorte ou azar, ainda ouviremos falar muito deste carinha.

Fonte: Famaosfera

Tô lendo. O livro: O meu nome é Legião (Antônio Lobo Antunes)

2010-04-21T12:17:00.000-07:00

"O meu nome é legião" começa numa noite em um bairro afastado de Lisboa quando oito garotos, um branco, um preto e seis mestiços, com idades entre 12 e 19 anos, roubam dois carros e ao alcançam uma autoestrada, passam a praticar crimes bárbaros madrugada adentro. Gusmão é um policial desiludido, ignorado pelos colegas e em vias de se aposentar, redige um inquérito sobre os oito jovens delinquentes e seus atos bárbaros ao longo dessa madrugada.
O texto, aparentemente técnico e objetivo, aos poucos se transforma em uma trama narrativa de múltiplas vozes, em que vários narradores tomam a palavra, cada qual com sua versão dos fatos e suas lembranças, criando um mosaico de contrastes sobre a injustiça e a dor na forma de um relatório policial sobre os crimes cometidos por essa gangue de garotos. Há muita violência e a forte sugestão de ódio racial, o que remete ao período colonial. Aos poucos, o policial em final de carreira que anota os fatos deixa-se levar por memórias e pensamentos aparentemente aleatórios.
A narração então se desenvolve por vias de curvas quase impossíveis e cruzamentos bruscos e inesperados. A impressão é que o livro ganha vida própria, toma as rédeas para si. A pontuação se rebela, os parágrafos são cortados no meio por estranhos parênteses, as falas surgem inesperadamente, confundindo-se com os fluxos de consciência, nem sempre com o habitual travessão. Imagens variadas passam pelos olhos à medida em que as vozes e testemunhos se alternam ou se sobrepõem.
Resumindo, o livro trata de desigualdades: raciais, sociais, geográficas, da violência urbana extremada e em última instância, do mal que nos invade como demônios, fala também de um sentimento oposto,sublime e maior à toda essa violência, que é o amor, amor pela humanidade, compaixão e altruísmo que falta as pessoas no dias de hoje. É assim mesmo que o próprio escritor vê seu romance, que considera um de seus melhores.
O título, resumo simbólico do enredo, surgiu para Antunes só no final da escrita. Vem de um episódio no Evangelho de São Lucas. Jesus se encontra com um homem nu e desfigurado, possuído por espíritos malignos, e pergunta por seu nome. E ele responde: "O meu nome é legião".

Ficha Técnica:
Autor: Antônio Lobo Antunes
Editora: Alfaguara / Objetiva
Categoria: Literatura Estrangeira (Romance)
Páginas: 336

(Codinome Pensador)

"Senhor, tende piedade de deles!”

2010-04-16T11:15:00.001-07:00

Todo o Brasil ficou estarrecido vendo pela tevê nas últimas semanas a catástrofe ocorrida pelas chuvas incessantes no Rio de Janeiro. E como se não bastasse esse episódio se espalhou também por Santa Catarina, Bahia e São Paulo, que compartilharam dessa mesma tragédia. Eu pensei em todo esse drama brasileiro e foi quase inevitável na minha conversa diária com Deus, não pedir piedade para essas pessoas todas que ficaram sem casa, sem roupa, sem comida, sem os familiares e sem nada, tendo que recomeçar do zero.
Por acaso li uma matéria em uma revista há alguns meses atrás, onde uma teóloga norte-americana abordava com muita propriedade assuntos referentes às tragédias naturais diretamente ligadas as tragédias sociais, ela se referiu ao um tal “ Espírito Santo da Terra”, que próximo ao fim dos tempos, esse espírito aumenta as tragédias naturais e o desequilíbrio social. Esses sinais estariam mais frequentes e intensos nos útimos anos. Isso tudo está citado em (Lucas 21:28). “O refreador Espírito de Deus está agora mesmo sendo retirado do mundo. Furacões, tormentas, tempestades, incêndios, inundações, desastres em terra e mar, seguem-se um ao outro em rápida seqüência. Os homens não discernem as sentinelas angélicais que retêm os quatro ventos para que não soprem sem que os filhos de Deus estejam selados, mas quando Deus mandar que seus anjos soltem os ventos, haverá uma tal cena de luta que pena nenhuma pessoa na Terra sobreviverá para descrever”.
Vi também o Arnaldo Jabor que disse brilhantemente em sua crítica semanal no Jornal da Globo: “ Diante das tragédias da natureza, só nos resta tremer, calar, sentir-nos impotentes diante dos atos de Deus. Mas o que aconteceu no Rio, nos obrigar a pensar que quando as águas rolam, percebe-se com mais clareza a outra tragédia, a tragédia social. O Rio é lindo, é maravilhoso, é a cidade mavilhosa povoada por pessoas pobres e desamparadas mas não na hora da chuva, desamparados no sol, na normalidade das coisas do dia-a-dia, que vivem num cotidiano desgraçado, vivem em favelas intocadas pelo poder público há centenas de anos. No outro lado dessa calamindade, vivem os privilegiados, o lado rico da sociedade que veem essa tragédia com horror, mas pela televisão e do alto de seus prédios super chiques e protegidos. Essas tragédias só nos revelam as décadas de escravismo disfaçados, as décadas de encostas precárias e sempre prestes a desabar. Dar pra ver a ignorância das vítimas que se recusam a sair do perigo, dar pra ver o sofrimento mudo de seres invisíveis que não notamos no dia-a-dia, dar pra ver o sofrimento que só grita e chora quando filhos e pais morrem soterrados na lama. Estamos vivendo os dias mais terríveis e que os governantes ajudaram a piorar a cidade e o estado carioca. A chuva nos mostra a realidade do Rio com mais nitidez do que quando há o sol, o céu, o sul e os barquinhos que navegam só no mar e não nas vielas e ruas dessa cidade pobre.”
As favelas cariocas, como todos nós sabemos e aprendemos na escola, nasceram na guerra de Canudos, com a desmobilização das forças que combateram Antônio Conselheiro, no fim do século 19 e vieram para o Rio, acamparam-se em um de seus morros, onde seus descendentes continuaram a morrer, como no sertão baiano: a tiros, de fome, e por fim, nos desabamentos. Como o Rio não fosse exceção na ordem social de domínio, como quase todas as cidades brasileiras, reproduziu-se o mesmo modelo de ocupação urbana e de exploração de trabalho, porque as autoridades em suas mais diversas esferas, só enxergam nos homens e mulheres dos bairros dos subúrbios e das favelas apenas uma fonte de mão-de-obra barata a ser explorada diariamente e um celeiro de votos para a confirmação da ordem política. A letra da lei é bonita e mas só vale no papel, como todos nós já sabemos. É fácil, na tragédia, transferir a responsabilidade para a população, incriminando como sempre fizeram ao longo de nossa história. Porém, é negado aos pobres e aos miseráveis o direito de habitar com o mínimo de dignidade, apesar disso estar escrito em nossa constituição. Enquanto nossos homens e mulheres menos favorecidas não forem amparados com a mínima dignidade que merecem e nossas crianças crescerem sem esperança no futuro, nada está em sua ordem natural, e com chuva ou qualquer outra forma de tragédia sempre cairá sobre os mais pobres. E o que é mais revoltante pra mim, é ver na tevê a cara de pau e ao mesmo tempo de choro de nossos governantes diante das famílias que jamais terão como se proteger de um amanhã sem a menor perspectiva de vida.

(Codinome Pensador)

Só para sentir e não para pensar

2010-04-10T13:18:00.000-07:00

A distância entre o racional e o transcendental é muito vasta
Tendo nesse meio um universo onírico de devaneios e surrealidade
Como no Império dos sonhos de Lynch
Como na La dolce vita de Fellini
Onde as fontes jorram não só água mas puro estilo romântico e barroco
Alimentando assim nosso insconsciente, nossa imaginação

Não há caminho tão longe e tão perto para Cassiel e Damiel
Mensageiros elevados acima de qualquer sentimento
Que apenas andam por entre a gente sem poder nos sentir
Ao menos eles podem voam de verdade quando querem
E nós nem isso
Voamos sim, mas sem asas apenas em vôos imaginários

Eles em sua imortalidade infinita e nós na nossa mortalidade limitada
Devemos sempre ouvir o som dos sinos e ficar em silêncio
Se dar ao menos uma chance só para sentir e não para pensar
Sentir a presença, a manifestação, a proteção
Talvez seja possível de sentir e acreditar no invisível
Talvez não haja tantos mistérios assim entre o céu e a Terra.

(Codinome Pensador)

Andy Warhol, sempre pop e sempre vivo.

2010-03-29T08:09:00.001-07:00

A exposição Andy Warhol, Mr. América foi aberta ao público neste último dia 20, onde fica em cartaz até o dia 23 de maio. São 44 filmes, 26 pinturas, 58 gravuras, 39 fotos, 44 filmes e duas instalações expostas na Estação Pinacoteca em São Paulo. A mostra foi organizada pelo The Andy Warhol Museum, de Pittsburgh, nos EUA. Grande parte das peças que integram o conjunto foram criadas quando o artista morava na lendária Factory, em Nova York, um estúdio onde trabalhava, reunia amigos e promovia festas. A mostra, que já passou por Bogotá, na Colômbia e por Buenos Aires, na Argentina, centra-se no período entre 1961 e 1968, considerado o mais prolífico da trajetória deste artista pop.
Quando iniciou sua Factory, em 1964, Warhol tinha duas obsessões na vida: ganhar dinheiro e ficar famoso, não necessariamente nessa ordem. O próprio loft, com as paredes cobertas com papel alumínio e o teto e o chão pintados com tinta prateada, acabou virando uma boa estratégia para o tão desejado sucesso. Warhol fazia questão de deixar sua porta sempre aberta para acolher as celebridades em alta e elas retribuíam com uma assiduidade de cartão de ponto. A modelo, atriz e socialite Edie Sedgwick tornou-se companhia constante. O cantor Bob Dylan também era um frequentador habitual do endereço, assim como Lou Reed e John Cale, membros da banda The Velvet Underground, que tinha justamente Warhol como empresário. O mais americano dos artistas americanos adorava uma fofoca, gastava horas ao telefone e não perdia uma boa festa. Tudo em nome da fama e do dinheiro. Aos poucos, transformou-se em um produto. Sua casa, a Factory, virou marca. E sua atitude, suas companhias, enfim, sua imagem pública converteu-se em um meio para valorizar sua obra. O também artista Charles Henri Ford definiu muito bem certa vez o estilo de vida do amigo: "Andy numa ilha deserta não seria Andy".
Andy Warhol é o nome sem dúvida o mais representativo, controvertido e conhecido do movimento chamado Pop Art, surgido na Inglaterra na década de 1950, mas que floresceu somente nos anos 1960. Os artistas da época usavam produtos do capitalismo, como embalagens e propagandas, para expressar arte, fazendo assim uma crítica ao consumo de massa, após estudar apurado nos símbolos e produtos do mundo da propaganda nos EUA, passaram a transformá-los em tema de suas obras, isso tudo fincado nas raízes no dadaísmo de Marcel Duchamp. Representavam, assim, os componentes mais ostensivos da cultura popular, de poderosa influência na vida cotidiana na segunda metade do século XX. Era a volta a uma arte figurativa, em oposição ao expressionismo abstrato que dominava a cena estética desde o final da segunda guerra. Sua iconografia era a da televisão, da fotografia, dos quadrinhos, do cinema e da publicidade.
Com o objetivo da crítica irônica do bombardeamento da sociedade pelos objetos de consumo, a Pop Art operava com signos estéticos massificados da publicidade, quadrinhos, ilustrações e designam, usando como materiais principais, tinta acrílica, ilustrações e designs, usando como materiais, usando como materiais principais, tinta acrílica, poliéster, látex, produtos com cores intensas, brilhantes e vibrantes, reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande, transformando o real em hiper-real. Mas ao mesmo tempo que produzia a crítica, a Pop Art se apoiava e necessitava dos objetivos de consumo, nos quais se inspirava e muitas vezes o próprio aumento do consumo. Baseado nisso surge Andy Warhol com sua concepção da produção mecânica da imagem em substituição ao trabalho manual numa série de retratos de ídolos da música popular e do cinema, como Elvis Presley e Marilyn Monroe e Che Guevara. Warhol entendia as personalidades públicas como figuras impessoais e vazias, apesar da ascensão social e da celebridade. Da mesma forma e usando sobretudo a técnica de serigrafia, destacou a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo, como garrafas de Coca-Cola, as latas de sopa Campbell, automóveis, crucifixos, dinheiro, icônicos da história da arte, como a Mona Lisa. Produziu filmes e discos, incentivou o trabalho de outros artistas e teve uma revista mensal. Além disso, muito do que era considerado brega, virou moda e já que tanto o gosto, como a arte tem um determinado valor e significado conforme o contexto histórico em que se realiza, a Pop Art proporcionou a transformação do que era considerado vulgar, em refinado e aproximou a arte das massas, desmitificando, já que se utilizava de objetos próprios delas, a arte para poucos.
A obra de Andy Warhol expunha uma visão irônica da cultura de massa. No Brasil, seu espírito foi subvertido, pois, nosso pop usou da mesma linguagem, mas transformou-a em instrumento de denúncia política e social, através de artistas como: Duke Lee, Baravelli, Fajardo, Nasser, Resende, Aguilar e Antonio Henrique Amaral.
Andrew Warhola ou Andy Warhol como o conhecemos, nasceu em Pittsburgh, Pensilvânia, filho de imigrantes da classe operária originários de Mikó, hoje chamada Miková, no nordeste da Eslováquia. Nos primeiros anos de estudo, Warhol teve coreia, uma doença do sistema nervoso que provoca movimentos involuntários das extremidades, que se acredita ser uma complicação da escarlatina e causa manchas de pigmentação na pele. Às vezes quando estava confinado à cama, desenhava, ouvia rádio e colecionava imagens de estrelas de cinema ao redor de sua cama. Warhol depois descreveu esse período como muito importante no desenvolvimento da sua personalidade, do conjunto de suas habilidades e de suas preferências.
Aos 17 anos, em 1945, entrou no Instituto de Tecnologia de Carnegie, em Pittsburgh, hoje Universidade Carnegie Mellon e se graduou em design. Logo após mudou para Nova York e começou a trabalhar como ilustrador de importantes revistas, como Vogue, Harper's Bazaar e The New Yorker, além de fazer anúncios publicitários e displays para vitrines de lojas. Começa aí uma carreira de sucesso como artista gráfico ganhando diversos prêmios como diretor de arte do Art Director's Club e do The American Institute of Graphic Arts. Fez a sua primeira mostra individual em 1952, na Hugo Galley onde exibe quinze desenhos baseados na obra de Truman Capote. Esta série de trabalhos é mostrada em diversos lugares durante os anos 50, incluindo o MOMA, Museu de Arte Moderna, em 1956 e passa a assinar Warhol.
Em 1968, Valerie Solanis, fundadora e única membro da SCUM (Society for Cutting Up Men - Sociedade para castrar homens) invade o estúdio de Warhol e o fere com três tiros, mas o ataque não é fatal e Warhol se recupera, depois de se submeter a uma cirurgia que durou cinco horas. Este fato é tema do filme "I shot Andy Warhol" (Eu atirei em Andy Warhol), dirigido por Mary Harron, em 1996.
Em 1987 ele foi operado à vesícula biliar. A operação correu bem mas Andy Warhol morreu no dia seguinte. Ele sumiu da vida para entrar para eternidade de milhões de fãs e vira ícone pop e eterno das artes pláticas contemporânea. E fica eternizada também sua mais conhecida frase: “In the future everyone will be famous for fifteen minutes”. No futuro, toda a gente será célebre durante quinze minutos. Aqui estamos nós , após 23 anos depois da sua morte: em pleno reality show, isto é, dá para dizer que Warhol de certa forma antecipou a superexposição da vida pessoal que, com a internet e seus populares sites de relacionamentos, blogs e Twitters da vida, tornou-se uma característica marcante do século XXI. Isso só prova mais ainda como um caipira de Pittsburgh tinha uma tremenda sensibilidade e genialidade para entender o presente e assustadora habilidade para antecipar o futuro.

Fonte: Uol

Eu vi. Filme: Bastardos Inglórios

2010-03-14T16:31:00.000-07:00

Sinopse: 2ª Guerra Mundial. A França está ocupada pelos nazistas. O tenente Aldo Raine (Brad Pitt) é o encarregado de reunir um pelotão de soldados de origem judaica, com o objetivo de realizar uma missão suicida contra os alemães. O objetivo é matar o maior número possível de nazistas, da forma mais cruel possível. Paralelamente Shosanna Dreyfuss (Mélanie Laurent) assiste a execução de sua família pelas mãos do coronel Hans Landa (Christoph Waltz), o que faz com que fuja para Paris. Lá ela se disfarça como operadora e dona de um cinema local, enquanto planeja um meio de se vingar. Ficha técnica: título original: Inglourious Basterds/ Lançamento: 2009/ Gênero: Guerra / Direção: Quentin Tarantino/ Elenco:Brad Pitt (Tenente Aldo Raine), Mélanie Laurent (Shosanna Dreyfuss), Christoph Waltz (Coronel Hans Landa), Eli Roth (Sargento Donny Donowitz), Diane Kruger (Bridget von Hammersmark), Daniel Bruhl (Fredrik Zoller).

Eles são os melhores

2010-03-09T14:29:00.000-08:00

Depois de 51 anos de carreira o ator Jeff Bridges, que já somava cinco indicações para o Oscar e agora com a indicação pelo papel do cantor Bad Blake em "Coração Louco” ganhou seu primeiro Oscar de melhor ator da temporada 2010. Bridges era favorito destacado para ficar com a estatueta na bolsa de apostas. O filme "Coração Louco" seria apenas mais um drama, mas a atuação de Jeff Bridges fez a diferença. A história que relata a vida de Bad Blake, cantor de música country de 57 anos em declínio na carreira e na vida.
Apresentando-se apenas em locais decadentes no território americano, Bad Blake acaba conhecendo Jean (Maggie Gyllenhaal), uma jovem jornalista em busca de uma entrevista com uma velha estrela e que acaba vivendo um romance repleto de dificuldades com o cantor. Em sua estréia como diretor, Scott Cooper, consegue fazer de Jeff Bridges, estrela da produção e que consegue dar ao personagem uma difícil mistura de negligência, frieza, derrotismo e ternura, que impedem ao espectador tomar uma posição clara a favor ou contra. A ausência de pretensões artísticas do diretor favorece a narração e permite que Bridges conduza o espectador ao longo da história. Como a premiação de melhor ator, põe fim a uma das maiores injustiças de Hollywood, que nunca premiou um ator que tem talento de sobra.
A atuação é o melhor momento de Bridges, de 60 anos, desde o cult “O grande Lebowski”, de 1998, onde fez uma excepcional atuação. Já premiado pelo papel com o Globo de Ouro, o ator ganha o seu merecido Oscar. E para surpresa do grande público que ficou sabendo, que Bridges quase recusou o personagem. “Quando me ofereceram o papel, não tinham nada decidido na parte musical, que é um aspecto essencial do filme. Pensei que sem a música certa, o filme poderia virar um fiasco”, explica Bridges em entrevista em Los Angeles. Foi só quando soube que a trilha ficaria a cargo do amigo e compositor T-Bone Burnett (responsável pela música do filme “E aí meu irmão, cadê você?”, entre outros), que o ator concordou em entrar para o projeto. Para o ator a única companheira no filme é a boa trilha sonora, formada por músicas sobre perdedores e amores perdidos, no estilo do country fora-da-lei de nomes como Waylon Jennings e Willie Nelson, que também inspiraram a criação do protagonista.
“O country é um tipo de música honesta, sobre pessoas que admitem suas falhas e cantam sobre elas. A criatividade de pessoas como Bad surge do sofrimento. Eles pensam: “Eu tenho que sofrer para escrever aquele tipo de música”. Mas isso acaba se tornando um circulo vicioso”, reflete Bridges, sem esconder que também já tomou seus porres. “Tive as minhas ressacas. Sei quais são os altos e baixos, o lado bom e ruim do álcool. E sei também do medo não só do fracasso como também do medo do sucesso.” Diferente de seu personagem, no entanto, Bridges se diz mais tranquilo quanto aos efeitos do tempo. “Sessenta anos se passaram num piscar de olhos. Meu pai morreu aos 85 e, daqui a 25 anos, eu estarei com 85. É um pouco assustador sentir que sua mortalidade está próxima de você, mas também te dá certa sensação de realização. Você começar a entender que não existe mais tempo a ser perdido e que precisa realizar as coisas que quer realizar”, conclui o ator.

E a ex-Queridinha da América e ex-Miss Simpatia é agora ex-atriz-menosprezada-pelos-críticos. Em sua primeira indicação ao Oscar, Sandra Bullock, de 45 anos de idade e 20 anos de carreira, entrou como favorita e saiu como vencedora. Pelo papel de Leigh Anne Tuohy no filme Um Sonho Possível, a mãe de família e empresária que, no alto de sua riqueza, decidiu adotar um jovem negro e o encorajar na carreira de jogador de futebol americano.
Há quem diga que o papel de Leigh Anne está para Bullock assim como Erin Brockovich estava para Julia Roberts. As semelhanças são muitas: Leigh Anne Tuohy, que deu o Oscar a Bullock e Brockovich, que deu o Oscar a Roberts, foram duas mulheres reais que, mesmo acostumadas a um cotidiano de poucas resoluções extremas, conseguiram ficar conhecidas por seus momentos altruístas.
Neste sábado dia 6 de março, a mesma Sandra Bullock levou o prêmio de pior atriz do ano no Framboesa pelo filme Maluca Paixão.
O filme Um sonho possível, conta a história real de Michael Oher, um jovem sem teto com uma mãe viciada que não tem para onde ir nem com quem contar. Ou quase isso, já que um sujeito que o deixa dormir em seu sofá consegue para ele uma vaga em um colégio particular. É lá que ele acaba conhecendo Leigh Anne, personagem de Sandra Bullock, uma decoradora e ex-cheerleader, que o adota e começa a mudar sua vida, permitindo que, ao contrário das pessoas que cresceram com ele na periferia de Memphis, ele possa ir para a faculdade e ser um jogador de futebol americano.
Logo na abertura do filme, a personagem de Sandra Bullock, explica o título original do longa, um termo derivado de táticas do futebol americano. A explicação se faz pertinente para expectadores como nós, brasileiros, que não entendemos nada desse esporte, e o termo "blind side" servirá de premissa para toda a história. Quando um quarterback destro se prepara para um passe, o atacante esquerdo de seu time deve proteger seu lado cego, que seria como o ponto cego de um carro, de um ataque do time oponente. Esta explicação é a metáfora da trama, que conta a história real do hoje atacante dos Baltimore Ravens, o então problemático adolescente Michael Oher, o Big Mike, o ótimo Quinton Aaron. Vale muito no filme é a atuação de Bullock, que teve merecidamente a premiação de melhor atriz no Oscar 2010, até por ser sua primeira personagem forte, em todos esses anos de carreira.
Por causa de sua altura e força, o personagem de Quinton Aaron, consegue estudar numa escola para ricos, já que lá apostam que ele pode ser um bom jogador de futebol americano. Mas Big Mike mal tem o que vestir, enfrenta inúmeras dificuldades para estudar e não consegue se comunicar. Com 15 minutos de filme já sabemos onde isso tudo vai parar e já é possível sentir aquele aperto no coração: Leigh Anne Tuohy conhece Michael e resolve ajudar o rapaz.
Loira, perua, engraçada e extremamente amorosa, Leigh Anne Tuohy é o tipo de mulher fútil que acaba sendo um exemplo de bondade ao adotar Mike e dar a ele as oportunidades que a vida lhe negou. O rapaz, que mal consegue esboçar um sorriso, acaba percebendo a importância de um lar e começa uma aparentemente não promissora carreira no futebol. Apesar de ser mais um daqueles típicos filmes americanos em que o protagonista supera todas as dificuldades para vencer na vida, Um Sonho Possível tem muitos méritos. Entre os que já foram citados e o maior deles talvez seja o esforço enorme que a direção e o roteiro de John Lee Hancok, adaptado do livro The Blind Side: Evolution of a Game, fazem para que o longa não seja piegas. E ele consegue. Vamos admitir que isso é um feito e meio caminho andando para que a boa aceitação do público. E claro, a boa química entre Sandra Bullock e Quinton Aron também ajudou muito.

Fonte: Cinepop

O brilhantismo da senhora H

2010-03-09T07:50:00.000-08:00

A visita ao Brasil da secretária do Departamento de Estado dos Estados Unidos, Hillary Clinton, nesta terça-feira do último dia 2 de março, pela primeira em visita oficial ao país, onde reuniu-se com senadores e deputados brasileiros para discutir temas como o Irã, o reconhecimento do governo golpista de Honduras, as propostas do governo Obama para a América Latina e a velha cantilena que o Brasil é importante parceiro dos EUA na preservação da democracia na América Latina.
O programa nuclear do Irã é um dos principais temas da pauta de encontro, destacando que Lula, que foi criticado por ter recebido o presidente iraniano, Mahmoud Ahmadinejad e por defender o direito de o país desenvolver tecnologia nuclear para fins pacíficos e já até tem visita agendada ao país do Oriente Médio em maio. Hilary está no Brasil para tentar atenuar o impacto das posições do governo Lula sobre temas como esses e os mesmos foram discutidos a portas fechadas com parlamentares no gabinete do presidente do Senado, José Sarney.
Deputados do PT, em resposta à clara intervenção de Hilary em assuntos internos do Brasil, questionaram a miséria nos EUA, a falta de atendimento médico a mais de 40 milhões de cidadãos norte-americanos, as intervenções militares em países do Oriente Médio e no Afeganistão, a morte de civis em flagrante violação aos direitos humanos, a prisão de Guantánamo e outros pontos, como o eixo EUA/Israel. Hilary esteve com o chanceler Celso Amorim e estranhou as diferenças entre o ministro brasileiro de Lula e os dois ministros de FHC.
Houve um momento de orgulho nesta visita, era o sentimento comum entre a diretoria, alunos e conselheiros que estiveram presentes no encontro com a secretária de Estado dos EUA, na Faculdade Zumbi. E mobilizou a imprensa nacional e internacional, personalidades e empresários. Os alunos que esgotaram a disponibilidade de credenciamento em apenas 3 horas no dia anterior, estavam extasiados. Além de ser um momento de orgulho, foi também um momento chave para história do povo brasileiro. “Ouvir uma pessoa tão importante e engajada, nos remete a uma reflexão. Temos de deixar de ser uma nação do futuro e nos tornarmos uma nação do presente”. Disse Luciano Palmeira, aluno do 7º semestre do curso de Administração.
Foi com lotação máxima que o auditório, com mais de 800 pessoas, ficou em total silêncio quando Hillary subiu ao palco, após apresentação do Coral Zumbi dos Palmares, que fez pout pourri, com as músicas “Brasileirinho” e “Asa Branca”. Mais o ponto alto do bate-papo foi quando o cordenador do curso de Direito da zumbi e promotor de justiça, Nadir de Campos, fez Hillary sorrir ao chamá-la de “O cara”, parafraseando o presidente Obama quando se referiu ao presidente Luis Inácio Lula da Silva, em certa ocasião.
A visita da Secretaria de Departamento dos EUA terminou depois de avistar-se com Lula, em São Paulo e foi aquilo mesmo que já era esperado, ela veio só para bater o cartão e mostrar que a administração Obama está comprometida com as relações bilaterais e toda aquela conversa que a gente já estamos cansados de ouvir.
Fora essa previsível visita. A tragetória politica e de vida de Hillary Diane Rodham Clinton é simplemente brilhante, nasceu no dia 26 de outubro de 1947, em Chicago, Illinois. Criada em uma família conservadora, chegou a fazer campanha para o candidato republicano à presidência, Barry Goldwater, aos 16 anos, antes de ingressar no Partido Democrata, onde permanece até hoje. A mudança de orientação política foi influenciada, em grande parte, por seu ingresso, em 1965, no curso de Ciências Políticas da Wellesley College, em Washington. Outro fato que marcou decisivamente o destino político de Hillary foi o assassinato de Martin Luther King Jr, líder dos direitos cívis, em 1968.
Em 1969, Hillary entrou para a Faculdade de Direito da Universidade de Yale. Um ano mais tarde, ela conheceria Bill Clinton, com quem viria a se casar em 1975. Durante o curso, ela trabalhou no comitê sobre trabalho de imigrantes do senador Walter Mondale, pesquisando questões como moradia, saneamento, saúde e educação, na campanha do candidato democrata à presidência, George McGovern e no Yale Child Study Center, aprendendo sobre novas pesquisas sobre desenvolvimento incial do cérebro em crianças. Hillary também assumiu casos de abuso infantil no Yale-New Haven Hospital. Seu projeto de conclusão de curso, uma tese sobre os direitos da crianças, já apontava a direção que ela seguiria nos anos seguintes. Em 1973, iniciou uma pós-graduação na Yale Child Study Center.
Em 1978, já casada, Hillary teve que conciliar o trabalho que fazia no respeitável escritório Rose Law Firm, especializado em casos de propriedade intelectual, com as responsabilidades de primeira-dama. Bill fora eleito governador do Arkansas. O título, mal sabia, a acompanharia por muito anos. Depois de uma nova passagem pelo governo do Arkansas em 1982, Bill Clinton tornou-se presidente dos EUA, 1993. Hillary serviu como primeira-dama até 2001.
Nomeada pelo National Law Journal como uma das 100 mais influentes advogadas dos Estados Unidos, Hillary foi a primeira primeira-dama a ter uma pós-graduação e a primeira a ter uma carreira profissional de sucesso. Ela é considerada a mais poderosa esposa de um presidente na história americana desde Eleanor Roosevelt.
Enquanto primeira-dama, Hillary ganhou muitos admiradores devido seu apoio aos direitos da mulher e o bem-estar de crianças em todo mundo. Ela lutou pela vacinação de todo o país contra a doenças infantis e apoiou mulheres a fazerem anualmente a mamografia para a prevenção de câncer de mama, com os custos do exame pagos pelo sistema público de saúde. Ela também viabilizou a criação do Office on Violence Against Women e foi uma das poucas figuras internacionais a se opor ao tratamento dado a mulheres afegãs pelo Talibã. Um dos programas que ela ajudou a criar foi o Vital Voices, uma iniciativa apoiada pelos EUA para promover a participação de mulheres no processo político de seus paises.
Hillary também ganhou muitos admiradores ao manter a dignidade durante o maior escândalo sexual da história recente dos EUA. Ela compartilhou com o país e o mundo a traição de Bill Clinton, que teve um caso com uma estagiária da Casa Branca. Ao mostrar força e lealdade no escândalo que envolveu seu marido, ela conquistou os EUA e deixou o papel de coadjuvante para se tornar personagem principal.
Não demorou para que a primeira-dama despontasse no cenário político. Em 2001, Hillary foi eleita senadora pelo estado de Nova York, sempre com o apoio de Bill e da filha do casal, Chelsea. Desde então, a ex-primeira-dama concorreu à Presidente dos EUA e hoje é a secretária do Departamento de Estado dos EUA nomeada pelo Presidente Barck Obama sob total total confiança e com muitos elogios de que ela demonstraria no seu gorverno como secretária com uma "tremenda estrutura política, brilhantismo intelectual e capacidade de trabalho” como nenhuma mulher daquele país seria capaz de ser.

Fonte: Globo.com

Tô ouvindo: CD Hein! da Ana Canãs

2010-03-01T14:23:00.000-08:00

Ana Cañas só tem sobrenome hispânico, mas é brasileiríssima. Hoje com 28 anos e vinda do circuito alternativo, ela se formou em Artes, uma área que não tinha muito a ver com o que ela supostamente iria realizar. Hoje, ela é umas das cantoras cotadas para entrar no seleto hall de divas da nossa música. Diferentemente de todas as cantoras que você já ouviu falar. Quando criança, ela não cantava em churrasco de família e não ouvia a coleção de vinis dos pais nos toca-discos de sua casa. Ela também não fez aula de canto e sempre teve o sonho de ser professora de teatro. Aos 22 anos tudo isso mudou. Ana descobriu o jazz, e com o ritmo, a sua própria musicalidade.
Ana Cañas não gosta de rótulos. "Sou uma amante da liberdade artística", levanta sua bandeira. É por isso que seu novo disco intitulado "Hein?", soa tão inquieto com suas influências. Ana Cañas que despontou na cena paulistana cantando standards de jazz agora também é rock, é reggae, é pop e é música brasileira. "Eu tenho uma preocupação em não ficar enlatada, que faz parte da minha personalidade. Não gosto da idéia de resumo, de agora me chamarem de rock. Gosto da pluralidade", diz a cantora.
Hein?, segundo disco da carreira ainda curta de Ana Cañas, chegou às lojas sob a produção de Liminha e com 11 faixas de autoria própria, além de uma releitura para Chuck Berry fields forever, do Gilberto Gil de Doces Bárbaros de 1974. A irreverência da cantora e a força de sua interpretação dialogam com eloquência nos 56 minutos do disco. “O nome do CD significa uma vontade de comunicação. Você não pode dizer hein? para alguém que você não esteja realmente interessado em compreender uma informação”, afirma ela.
O primeiro trabalho dessa cantora de 28 anos, foi "Amor e Caos", foi lançado no final de 2007 com uma sonoridade que não traduzia o verdadeiro potencial de Ana Cañas. "Aquele é um disco auto-afirmativo demais, a ponto de eu escrever uma música chamada A Ana. Eu poderia ter sido mais ampla nos questionamentos, mas existe uma tranquilidade de entender que foi o que a minha maturidade me permitiu fazer naquele momento", ela explica.
Com Hein?, Ana enfrentou a temida pressão do segundo disco e desafiou seu próprio repertório, com novas composições e novos rumos para sua música. "Você lança o primeiro disco e é 100% nova, as pessoas não te conhecem. No segundo álbum existe uma relação referencial com o anterior e o que você vai negar, reafirmar e criar. Esse segundo CD é mais relaxado, no sentido de não precisar me auto-firmar. É mais intenso e rígido na sonoridade", descreve.
Para construir seu novo disco, a cantora mergulhou na obra dos Os Mutantes e pincelou dali algumas influências que aparecem em Hein?. A faixa de abertura, Na Multidão, que tem participação de Arnaldo Antunes, é a que melhor deixa transparecer toda a inspiração em Rita Lee. "Mutantes tem uma obra muito sofisticada. E a Rita é uma mulher que tem uma carreira sólida e que sempre soube o que queria, de uma forma leve. Ela mostra como o brasileiro é muito bem humorado", diz.
Ana também é bem humorada, mas a primeira música de trabalho do novo disco,chamada Esconderijo, traz a frase: "procuro a solidão como o ar procura o chão", que soa como paradoxo num registro em que predominam vontades como diversão, dançar, planejar fuga e ficar mais louca. "Na verdade, eu fiz essa música pensando em paixão. Sabe quando você está num momento de monotonia na vida e, de repente, você se apaixona por alguém e tudo muda? Tem um universo que começa a gravitar em torno da pessoa. A música Esconderijo é um refúgio e uma abertura da troca", completa a cantora.
Em Hein?, Ana se entrega à interpretação sem ser superficial ou blasé. Ela brinca com os sons, faz scats, os chamados improvisos vocais com sílabas sem sentido, e usa sua voz como mais um instrumento da banda. "Tenho essa mania de ficar pervetendo a melodia", fala. Os maneirismos vocais improvisados que remetem a Ella Fitzgerald mesclam com bons momentos de arranjos e melodias que lembram uma Peggy Lee mais rock and roll na música Na Medida do Impossível, mas flertam também com um reggae inexpressivo na faixa Sempre Com Você.
Além de Liminha na coordenação e como parceiro na composição, Ana recebe como convidados Arnaldo Antunes, com quem dividiu cinco temas, e Dadi Carvalho dos Novos Baianos e do Barão Vermelho. Gilberto Gil empresta sua Chuck Berry fields forever para Ana e é quem executa o violão na música. "Acho a letra uma pérola da música brasileira, me identifico com a passagem que diz que rock é o nosso tempo, porque eu estou descobrindo o rock.
A cantora se preocupa também com a estética de seu trabalho. Mesmo em tempos de internet, em que o encarte que acompanham os CDs parece uma peça antiquada, os discos de Ana Cañas vêm bem acompanhados por arte elaborada com fotos e design. "Eu tenho um irmão fotógrafo, convivo com artistas plásticos e sempre me questiono: qual é a imagem que vou trazer para complementar o disco?”. Tenho o hábito de ir à loja e comprar um CD porque gostei da capa. Acho relevante e penso nisso porque eu sou assim".

Faixas do CD:

1. Na multidão
2. Coçando
3. Na medida do impossível
4. Esconderijo
5. Sempre com você
6. Chucky Berry fields forever
7. Gira
8. Problema tudo bem
9. Aquário
10. A Menina e o cachorro
11. Não quero mais
12. O Amor é mesmo estranho

Fonte: Imúsica

Alô fevereiro

2010-02-27T12:30:00.000-08:00

Não só foram as alegrias de carnaval que povoaram os dias desse mês de fevereiro 2010, teve o lado negro da coisa, como o terremoto no Chile, uma das piores catástrofes naturais já ocorridas por lá. E não foi um terremoto simples, foi um terremoto de magnitude 8.8 na escala Richter. O maior terremoto dos últimos 100 anos abalou edifícios na capital Santiago e gerou um tsunami na costa do país.
Não podemos esquecer da vexatória prisão e o afastamento do governador do Distrito Federal José Roberto Arruda. Que de acordo com o Superior Tribunal de Justiça (STJ), a permanência de Arruda no cargo poderia constranger e atrapalhar as investigações, até porque o governador foi apontado como o comandante de um suposto esquema de distribuição de propina a aliados. Em resumo mais um motivo para brasileiros conscientes como eu, sentirem uma total vergonha da política brasileira.
Não posso esquecer de falar dos jogos de inverno de Vancouver 2010. Particularmente, melhor que as Olimpíadas normais, na minha humilde opinião, as Olimpíadas de inverno foram sensacionais e me hipnotizaram com o show de imagens, habilidades, sincronia, beleza e elegância dos atletas. Pensando bem agora, não sei mais o que me fascinou nesse jogos de inverno, se é a beleza e o charme do Canadá e suas montanhas cobertas de neve ou se as competições. Só seu que adorei tudo. E já estou ansioso para próxima edição na Rússia em 2014.
Também aterrisou por aqui, a não menos hipnotizante e uma das artistas mais completas artistas da atualidade na música pop. Ela canta, dança, compõe, produz e atua, é até uma atriz talentosa. Estou falando da Beyoncé, ou melhor da Diva Beyoncé, que fez shows em Florianópolis, São Paulo, Rio de Janeiro e Salvador. Nas apresentações de São Paulo e Salvador, Beyoncé dividiu a noite com a nossa também não menos diva maravilhosa Ivete Sangalo. O show das duas divas na capital baiana marcou a abertura do carnaval 2010 na cidade.
Já que estou falando do furação Ivete Sangalo, nesse carnaval a musa baiana se viu envolvida em uma polêmica, por popularizar a música “Lobo mau” que já tinha sido vetada por outros artistas e por ter em sua letra insinuações que incitaria a pedofilia. Polêmicas à parte, Ivete reinou belíssima vestida de vários bichinhos no desfile do seu bloco no tradicional circuito Osmar ao som do seu novo hit carnavalesco intitulado “ Na Base do Beijo”.
O que esperar do mês de fevereiro após o carnaval. Como diz a letra da música: “...De um lado esse carnaval de outro a fome total..." Enfim...A vida continua, segue seu curso natural, é assim mesmo e tudo volta para o seu devido lugar. É comum ouvirmos desde de sempre, que o ano só começa depois do carnaval e de tanto ser repetir essa máxima acaba se tornando verdade em nossas cabeças. Já prestes a acabar esse fevereiro, é hora de colocar em prática as promessas que fizemos na virada do ano, não esperar mais, não deixar que as oportunidades de sucesso se transformem em confetes de carnaval, a hora é agora, vamos a luta, sigamos em frente que atrás vem gente, muita gente mesmo, vem aí os nossos concorrentes na vida e que estejamos a altura deles. Sucesso e paz pra todo mundo!

(Codinome Pensador)

Perfeita imperfeição

2010-02-26T08:08:00.000-08:00

Devemos ter olhos diferentes para olhar a perfeição
Ter um outro estado de espírito mais elevado, ter uma outra aperfeiçoada percepção
Em universos paralelos nem tudo é perfeito como se deve ser

O florescer das flores, o anoitecer do dia , as musas da imaginação
Observo tudo que é subsistente no mundo, vejo que em tudo há uma perfeição
É desumano pensar em perfeição com tanta imperfeição humana

Só com o maior dos sentimentos chegaremos a alcançar a perfeição
Só com perfeição para fazer todas as coisas terem o seu sentido certo
Mas não espere sentado, se torne merecedor da perfeita solução

Busque o melhor do seu ser, busque o melhor do seu coração
Esteja preparado para discutíveis imperfeições que possam ocorrer
Só não se distraia com seu ego e ache a forma certa para não se perder

Tudo que é perfeito tem o toque supremo e preciso do dedo divino
Esse mundo nos mostra que não somos perfeitos mas queremos a perfeição
Uma utopia possível que praticamos todos os dias da forma mais sonhada

A função da perfeição é mesmo nos mostrar nossa própria imperfeição
Esse conceito que cria dentro de nós a essência de nossos desejos
Ser perfeito é cultivar nossas virtudes e procurar amenizar os defeitos

Talvez nossa vida só tenho sentido com esse buscar eterno pela perfeição
Talvez nunca chegaremos a lugar nenhum e no final se descubra a frustação
Porque o perfeito é somente perfeito e na verdade não precisa de mais nada.

(Codinome Pensador)

Um casal mais que perfeito

2010-02-23T13:39:00.000-08:00

A patinação no gelo é o esporte mais bonito que existe e carrega em si um visual explicitamente romântico, ainda mais quando se tem patinando, um casal como os chineses Shen Xue e Zhao Hongbo. O casal (marido e mulher) ganharam na competição por casais de patinação artística dos Jogos Olímpicos de Inverno de Vancouver 2010 a medalha de ouro em Vancouver 2010 e se tornaram as maiores feras da parada na dessa modalidade esportiva na atualidade.
Não sei se quando eles chegam em casa eles brigam como todos os casais do mundo, feito meramente simples mortais, só sei que quando estão juntos com os patins nos pés, eles nos revelam que são semideuses, acima do bem e do mal e temos a visão do paraíso quando com toda sincronia e beleza que eles tem competindo. Não é preciso entender do assunto para perceber que eles são absolutamente fantásticos, perfeitos e feitos um para o outro. Eles terem ganho a medalha de ouro na competição por casais de patinação artística dos Jogos Olímpicos de Inverno Vancouver 2010 é totalmente merecido.
Shen, de 31 anos, e Zhao, de 36 anos, tinham se aposentado em 2007 após conseguirem seu terceiro título mundial, mas decidiram retornar para tentar ganhar o ouro olímpico, que com todo merecimento conquistaram. Os russos Yuko Kavaguti e Alexander Smirnov, atuais campeões europeus, ficaram com o quarto lugar, não conseguindo manter o domínio soviético e russo, que venceram a prova em todas as edições desde Innsbruck 1964 até Turim 2006.
Ao lado do marido Hongbo Zhao, a chinesa Xue Shen comemorou a conquista e no alto do pódio fez questão de ressaltar a dificuldade na competição. De acordo com a campeão olímpica, a concentração da dupla antes da prova foi um dos fatores importantes para subir ao lugar mais alto do pódio. "Eu teria que dizer que a principal diferença está nos detalhes", disse Shen. "No dia anterior nos concentramos em bater os níveis de dificuldade nos nossos elementos. Agora, vamos nos concentrar em aperfeiçoar os detalhes e em trazer todos os elementos juntos", completou a chinesa.
Hongbo e Xue são casados há dois anos e pouco, mas tem uma sincronia que vem de há mais tempo. Começaram a patinar juntos, ainda amigos, em 1992. Foram para Nagano em 1998 (já namorando) e surpreenderam o mundo com um quinto lugar. Bons ajustes que resultaram na prata do Mundial em 99. Neste tipo de evento, os pódios se repetiram mais cinco vezes, com um tricampeonato em 2002, 2003 e 2007. Nos dois Jogos de Inverno passados levaram bronze, mas cada um levou sua medalha para a própria casa. Namoro sério, no sofá da sala. Até que, após o tri mundial de 2007, Hongbo pediu Xue em casamento. Agora, casados e eternos namorados. Fora e dentro do rinque de patinação. Você poderia perguntar quais foram os presentes que eles trocaram nesse último “Valentine's Day”? (que é o dia dos namorados pelo o mundo, que é diferentemente daqui do Brasil, é comemorado lá em 14 de fevereiro). Pois eu digo: Foi o mesmo presente. Ambos quebraram o recorde mundial do programa curto com 76,66 pontos. Quer melhor presente para esse casal afinado, amoroso e o mais que perfeito da patinação artística no gelo? Claro que não.

(Codinome Pensador)

Hino do Carnaval Brasileiro

2010-02-12T11:34:00.000-08:00

Salve a morena

A cor morena do Brasil fagueiro

Salve o pandeiro

Que desce do morro prá fazer a marcação

São, são, são

São quinhentas mil morenas

Loiras, cor de laranja, cem mil

Salve, salve

Teu carnaval, Brasil

Salve a loirinha

Dos olhos verdes cor das nossas matas

Salve a mulata

Cor de canela, nossa grande produção

São, são, são

São quinhentas mil morenas

Loiras, cor de laranja, cem mil

Salve, salve

Teu carnaval, Brasil.

(Lamartine Babo)

O poder feminino atrás das câmeras

2010-02-06T07:54:00.000-08:00

Em mais de oito décadas de Oscar, apenas três mulheres foram indicadas ao prêmio de melhor direção: Lina Wertmüller por Pasqualino Sete Belezas (1975), Jane Campion por O Piano (1993), e Sofia Coppola por Encontros e Desencontros(2003). Nenhuma delas venceu, embora Jane e Sofia tenham levado a estatueta de melhor roteiro original por seus respectivos filmes. Em 2010, essa história de exclusão pode ter um novo e histórico capítulo.
A californiana Kathryn Bigelow, aos 58 anos, tem chances concretas de ser a primeira cineasta a vencer o prêmio. Levou muitos dos principais prêmios da crítica, unânime ao festejar o vigor e a originalidade com que conduziu o seu excepcional drama bélico Guerra ao Terror, que retrata o dia a dia de um esquadrão encarregado de desarmar bombas na ocupação norte-americana do Iraque.
Longe de ser uma patriotada, o longa tem a audácia de ao mesmo tempo que pode ser visto como um eletrizante filme de guerra, também dissecar a dor física e psicológica a que todos, soldados e a população do país, são submetidos, que nos final das contas ninguém sai ganhando.
Muitos críticos vem elogiando o trabalho de Kathryn, sobretudo por ter se aventurado em um gênero cinematográfico masculino por excelência. Já comparado a clássicos como Apocalipse Now (1979) de Francis Ford Coppola e Nascido para Matar (1987) de Stanley Kubrick, te¬¬ria como trunfo, além de contar uma grande história de forma original, mergulhar fundo na subjetividade dos personagens, que por sinal são todos homens.
Quem acompanha a filmografia da diretora, que inclui filmes como Caçadores de Aventuras (1991) e Estranhos Prazeres (1995), sabe que essa preferência por gêneros teoricamente pouco femininos não se trata de uma novidade.
Mas Kathryn não é a única mulher a fazer sucesso por trás das câmeras nesta temporada de prêmios. A dinamarquesa Lone Scherfig, mulher de vanguarda, que foi pioneira ao dirigir com os conceitos radicais do movimento Dogma 95 e fez a simpática comédia Italiano para Principiantes, de 2000, que lhe valeu um Urso de Prata em Berlim. Tem seu mais recente trabalho intitulado Educação, que foi um sucesso de crítica, é ambientado nos anos 60, antes dos Beatles e dos Rolling Stones e está entre os dez cadidatos ao Oscar de melhor filme.
Educação, ao contrário de Guerra ao Terror, tem como personagem central uma mulher e mostra a transição da jovem Jenny, vivida pela atriz Carey Mulligan, forte candidata ao Oscar de melhor atriz, que vai da adolescência à idade adulta, na Grã-Bretanha do início dos anos 60, na passagem do período ultra-rígido que se seguiu à Segunda Guerra Mundial para os tempos liberais que viriam a seguir, com a contracultura e a revolução sexual.
Tem o lírico Brilho de uma Paixão, que merece ser visto, da talentosa diretora Jane Campion, que injustamente só foi indicado a uma só categoria do Oscar, de melhor figurino feito por Janet Patterson, se passa no século XIX e conta a história do romance do poeta John Keats e Fanny Brawne, tem as maiores chances, principalmente, porque a academia adora um figurino de época, e deve levar uma estatueta para casa.
A diretora Nora Ephron, que é conhecida por cenas inesquecíveis como aquela do filme Harry e Sally de 1989, na qual a moça simula um orgasmo, sem economizar gemidos e gritos, em pleno restaurante, para provar que as mulheres sabem fingir muito bem. Dessa vez Norah Ephron também escolheu como tema comida e sexo, o amor e suas delícias e amargores. Julie e Julia filme é baseado em histórias reais contadas nos livros Julie e Julia de Julie Powell e Minha vida na França de Julia Child. Nora assina o argumento e a realização dessa comédia cheia de charme que sabe ocupar o seu lugar como película despretensiosa e aproveitar, de forma excepcional, o extraordinário talento de Meryl Streep, bem acompanhada por Amy Adams e Stanley Tucci. E que deu à 16 indicação à Meryl Streep, em 30 anos de carreira, ao prêmio de melhor atriz, com essa sua aclamada atuação.
Este é um filme sobre duas mulheres e as suas histórias e pouco mais. Tal não é necessariamente negativo, bem pelo contrário. Numa altura em que os filmes femininos de Hollywood pautam pela rotineira exploração dos conflitos entre sexos, Julie e Julia surge como um saudável desvio do marasmo. É uma estória e uma história que aqui se contam, salpicada por momentos de grande comicidade que, apesar de tudo, não deixam de dever muito às excelentes interpretações, reveladoras de um excelente trabalho de casting. De fato e de um ponto de vista técnico e prático, Julie e Julia, transpira qualidade, sobretudo na caracterização de Paris dos anos 50, a arquitetura, o guarda-roupa, a intriga política e já agora, do magnífico aspecto da comida que vai aparecendo. Desaconselha-se a ida ao cinema de barriga vazia, portanto, dado o potencial salivante de alguns planos.
Sem esquecer e para finalizar com o nosso cinema latino-americano que também está sendo feito por mulheres em uma ótima fase. No Brasil há um número substancial de diretoras em atividade, como Laís Bodanszky de O bico de sete cabeças e Tata Amaral de Um céu de estrelas. Da Argentina, Lucrecia Martel, de O pântano e A mulher sem cabeça, já é um nome consolidado e uma referência internacional. Mas veio do Peru o melhor longa-metragem produzido no continente em 2009: o brilhante e poético A teta assustada, de Claudia Llosa, vencedor do Urso de Ouro no Festival de Berlim que está entre os cinco candidatos ao Oscar de melhor filme estrangeiro deste ano.

Fonte: Webcine

Eu vi. O filme: Abraços Partidos

2010-02-05T13:38:00.000-08:00

Sinopse: Há 14 anos, o cineasta Mateo Blanco (Lluís Homar) sofreu um trágico acidente de carro, no qual perdeu simultaneamente a visão e sua grande paixão, Lena (Penélope Cruz). Sofrendo aparentemente de perda de memória, abandonou sua posição de cineasta e preservou apenas seu lado de escritor, cujo pseudônimo é Harry Caine. Um dia Diego (Tamar Novas), filho de sua antiga e fiel diretora de produção, sofre um acidente, e Harry vai em seu socorro. Quando o jovem indaga Harry sobre seus dias de cineasta, o amargurado homem revela se lembrar de detalhes marcantes de sua vida e do acidente. Ficha técnica: Título original: Los Abrazos Rotos/ Lançamento: 2009 (Espanha)/ Gênero: Drama/ Direção: Pedro Almodóvar/ Elenco: Penélope Cruz (Lena),Lluís Homar (Mateo Blanco / Harry Caine), Blanca Portillo (Judit García), José Luis Gómez (Ernesto Martel), Tamar Novas (Diego), Rubén Ochandiano (Ray X).

Achados e perdido

2010-01-26T12:48:00.000-08:00

Continuo em busca
Por isso me senti perdido
Perdido de mim mesmo
E dos meus outros

Metades para tentar ser um
No meu continente desconhecido
Que preciso achar, preciso me achar

Achados da vida
Lembranças, amores, sabedoria
Pessoas, perguntas, palavras
Conquistas, simplicidade, doação

Quando me senti perdido
A vida me mostra seus muitos caminhos
Quando me senti perdido
Penso no futuro

Me encontrar, para não se sentir perdido
Reviver, não é só viver de novo
É me encontrar.

(Codinome Pensador)

Ode aos nossos monstros

2010-01-22T07:17:00.001-08:00

Um doloroso sentir e vem a mais intensa falta de alegria
E ser atingido pela ausência de coragem
Num amargo deleite entre melancolia e a esperança
Se curar, só o tempo com toda a sua sabedoria

Olhamos para dentro de nós, olhamos para o nosso coração
Descobrimos então uma singela e inútil ilusão
Arrependimento de não guerriar diante de uma situação
Descobrimos a ciência da sabedoria que tem os nossos erros

Compreender o sabor venenoso das palavras cruéis
No impulsivo desejo dizer tudo que se sente
Compreender a dor que existe na própria dor
Na energia que inflama o amor e que faz o mundo girar

Buscar degraus, hábitos e atos acima do céu
Uma superioridade pretenciosa que não nos faz crescer
Aumentando cada vez mais o deserto da nossa solidão
Olhar nossa vida ferozmente para que milagres possamos merecer

Milagres que os nossos monstros não nos deixam ver
Não nos enxergamos, não vemos mais a nossa própria sorte
Estando cegos e doentes na maior das pestes sociais
Voltados para nós mesmos, voltados para a nossa própria morte

Agora é o momento de esperar o cosmo gigante se abrir
Agora é a hora exata do medo sumir e de vez se extinguir
Agora é o momento do anjo abrir suas asas para que possamos subir
Agora é a hora de vencer obstáculos e ganhar prêmios por evoluir.

(Codinome Pensador)

Os 15 melhores filmes de 2009

2010-01-13T08:11:00.001-08:00

Para que é fã de cinema e adora sair para assistir a um bom filme ou mesmo alugar um DVD, 2009 foi um ano maravilhoso. Veja a lista dos 15 melhores filmes de 2009:

Bastardos Inglórios (Quentin Tarantino)
Inimigos Públicos ( Michael Mann)
Amantes ( James Gray)
Aquele querido mês de agosto ( Miguel Gomes)
Gran Torino ( Clint Eastwood)
Quem quer ser um milionário ( Danny Boyle)
Foi apenas um sonho (Sam Mendes)
A troca (Clint Eastwood)
O curioso caso de Bejamin Button (David Fincher)
Dúvida (John Patrick Shanley)
Valsa com Bashir (Ari Folman)
Entre os muros da escola ( Laurent Cantet)
Sinédoque Nova York ( Charlie Kauffman)
Alexandra (Aleksandr Sokurov)
Rio Congelado ( Courtney Hunt)

Fonte: ACCPA (Associação dos críticos de cinema do Pará)

Saudades do eterno João Cabral de Melo Neto

2010-01-13T07:45:00.000-08:00

Se estivesse entre nós, o poeta João Cabral de Melo Neto completaria neste 9 de Janeiro de 2010, 90 anos. Escritor recifense, é um dos maiores representantes da literatura brasileira, nasceu em 1920 e morreu em 1999 e até hoje, estranhamente, a causa de sua morte não foi divulgada.
Aos 79 anos, já praticamente cego, sofrendo de depressão e problemas cardíacos, o poeta manda chamar um padre e pede a extrema-unção. Talvez ouvisse uma palavra d’alma mostrando que sua hora chegara e talvez sentisse que rezar um pouco lhe fizesse bem. Talvez. Estava em sua casa, na zona sul do Rio, ao lado dos próximos, e segundo seu filho, naquele momento era um homem sereno e em paz.
O escritor inovou a linguagem poética, deixando de lado o lirismo que influenciou várias gerações de poetas brasileiros. Com um estilo único, publicou livros que se tornaram clássicos da literatura nacional. Um dos mais famosos foi o Auto de Natal e Morte e Vida Severina, publicado na década de 50. O poema foi levado ao cinema, ao teatro e à televisão.
Quando morre um poeta, morre um pouco de cada um daqueles que amam a poesia. Fragmentos nossos morrem junto porque o egoismo do autor leva com ele um naco do nosso encanto, da nossa paz, leva com ele uma porção da nossa alma, da emoção dos dias de sol, das tardes de doçura, das noites de calmaria que a sua poesia proporcionou. Ainda que tenha deixado sua obra e sua lembrança, a morte de um poeta é sempre uma violência ao patrimônio humano, uma agressão. Ele morre e fica um vazio, um escuro, ficam câimbras no coração. João Cabral de Melo Neto foi um dos maiores poetas da língua portuguesa, e talvez, junto com Drummond, seja a mais importante expressão poética nacional do século XX.
Acadêmico das letras brasileiras desde 1968, indicado ao Prêmio Nobel por cinco vezes, diplomata com direitos consulares em Barcelona , Londres, Marselha, Madrid entre tantos outros cantos culturais do planeta, João acumulou densidade, prêmios, obras e leitores ao longo de uma vida de grande fecundidade literária. Publica seu primeiro livro aos 22 anos ( Pedra de Sono), o segundo aos 23 (Os Três Mal-Amados), e assim continua numa constante vida de poesia e diplomacia que deságua em 1956 com (Duas Águas), onde assombra e encanta a todos com (Morte e Vida Severina), (Paisagens com Figuras) e (Uma Faca só Lâmina). Nos seus últimos anos, na década de 80 e 90, publica (A Escola das Facas) em 1980, (Auto do Frade) 1984, (Agrestes) 1985, (Crime na Calle Relator) 1987, (Primeiros Poemas) 1990 e (Sevilha Andando) 1990 entre tantas outras reedições, revisões e coletâneas.

" A atmosfera que te envolve
atinge tais atmosferas
que transforma muitas coisas
que te concernem, ou cercam.

E como as coisas, palavras
impossíveis de poema:
exemplo, a palavra ouro,
e até este poema, seda.

É certo que tua pessoa
não faz dormir, mas desperta;
nem é sedante, palavra
derivada da de seda.

E é certo que a superfície
de tua pessoa externa,
de tua pele e de tudo
isso que em ti se tateia,

nada tem da superfície
luxuosa, falsa, acadêmica,
de uma superfície quando
se diz que ela é “como seda”.

Mas em ti, em algum ponto,
talvez fora de ti mesma,
talvez mesmo no ambiente
que retesas quando chegas,

há algo de muscular,
de animal, carnal, pantera,
de felino, da substância
felina, ou sua maneira,

de animal, de animalmente,
de cru, de cruel, de crueza, que sob a palavra gasta
persiste na coisa seda.

(João Cabral de Melo Neto/ A palavra seda)

Fonte: Site algosobre.com

Eu vi. O filme: Anticristo

2010-01-08T07:39:00.000-08:00

Sinopse: Um casal (Willem Dafoe e Charlotte Gainsbourg) pertubados com morte do único filho muda-se para uma casa no meio da floresta para superar o episódio. Mas os questionamentos do marido, psicanalista, sobre a dor do luto e o desespero de sua esposa desencadeiam uma espiral de acontecimentos misteriosos e assustadores. E as consequências dessa investigação psicológica são as piores possíveis.
Ficha técnica: Titulo original: (Antichrist)/ Lançamento: 2009/ Duração: 100 minutos/ Gênero: Suspense/ Direção: Lars Von Trier/ Elenco: Charlotte Gainsbourg, Willem Dafoe.

Até logo 2009 e que venha 2010

2009-12-30T05:42:00.001-08:00

Fazendo o meu balanço de 2009, analisando minhas as perdas e os ganhos, as minhas alegrias e as minhas tristezas, vejo que 2009 vai acabar com um bom balanço na minha vida e que venha 2010 para realizar minhas metas e novas conquistas.
Eu sempre coloco um coisa em na minha cabeça em primeiro lugar: ter sempre pensamento positivo, é com ele conseguimos tudo, falo por experiência própria. Quando desejamos realmente com positividade, algo que necessitamos em nossas vidas, seja um amor, uma casa, melhorar de vida, ter boa saúde, um bom emprego ou curar-se de uma doença, se nos imaginarmos como se já tivéssemos conseguido tais coisas, elas acontecerão de fato.
O poder do pensamento positivo existe e só depende de direcioná-lo para o seu objetivo, não como uma obrigação, mas com prazer de estar imaginando as coisas boas que quer que aconteçam na sua vida e na vida das pessoas que você ama.
Esse poder transformador que todos nós possuimos está à nossa disposição dentro da gente, nosso íntimo, desde que, para isso, sintamos a materialização os nossos desejos a se realizar. Mas pratique com o coração aberto e com a alma leve. Escolha o melhor momento para exercitar esse poder transformador e quando menos esperar, os resultados começarão a aparecer na sua vida, acredite.
Tem uma frase do escritor inglês Oscar Wilde que me lembrei agora, ele diz assim: “O pensamento positivo pode vir naturalmente para alguns, mas também pode ser aprendido e cultivado, mude seus pensamentos e você mudará seu mundo".
Os números prometem boas vibrações para 2010, que será o ano da criança, da comida e da comunicação. E a fusão de experiências produzidas pelo ano atinge a sala do inconsciente humano, já que 2+0+1+0 = 3. A sala 3 possui experiências ancestrais relativas ao surgimento da criança, aprendizado da fabricação de comida e ao desenvolvimento da capacidade de comunicação humana. No universo existem apenas cinco formas de criação, vindas da união (2+1), (3+9), do (4+8), do (5+7) e do (6+6). A experiência de criação em 2010 será o proveniente do (2+1) que é a produzida pela união das salas 2 e 1 do inconsciente humano e representam a mulher e o homem.
As cores com tons de púrpura e variações de todos os tons do amarelo estarão fortemente ligadas a 2010. Para o ritual da passagem de 2009 para 2010 e ao longo de todo o ano, usar essas cores atrairá bons fluídos.
Graças à Deus, não nasci com vocação para ser infeliz, sacudo a poeira e dou a volta por cima , e é o que eu recomendo a todo mundo, nada de ficar se lastimando e dizendo: Oh vida! Oh céus!
É hora de olhar para o ano que se inicia. É hora de olhar para o nosso próximo. É a hora do repartir o pão e esperar a hora do sol nascer novamente, começar a plantar: amigos, boas ações, o trabalho dos nossos sonhos, a vida que queremos, exercer a caridade, a gratidão e o perdão.
Olhar para o céu, ter fé , esperança e olhar para a nossa colheita que cultivamos, com mais sabedoria, com mais humildade, com mais flexibilidade, com mais sinceridade e com mais felicidade.
E gradecer, agradecer, agradecer, agradeder muito...E enxergar o sol, o céu, o arco- íris, as pessoas boas que estão na nossa vida, pela nossa saúde e exergar além da escuridão, das nuvens escuras que colocam na nossa frente.
Feliz Ano Novo com muita saúde e paz é o que eu desejo a todos. E até logo 2009, porque já deu o que tinha que dar e que 2010 venha com boas vibrações, realizando todos os nossos sonhos e com as melhores energias desse mundo de meu Deus.

(Codinome Pensador)

Paraíso ideal

2009-12-30T05:38:00.000-08:00

É só se fechar os olhos, é só se concentrar
Para todo mundo, toda gente ter a sua versão do paraíso

Harmonia, beleza, amor e muita dedicação
Que a sorte vai entrar no seu paraíso particular

O céu pode virar o inferno sem um paraíso para sonhar
Sonhar boas intenções e um horizonte para descansar

Para realizar todos os desejos para um coração se acalmar
Basta o paraíso perfeito com bichos, plantas e crianças

No paraíso ideal todo mundo cabe lá, é só mentalizar
Primaveras, dias quentes, uma nova era e uma casa para morar

Só no paraíso desejado todos os nossos pedidos tendem à se realizar
E viver para ver todo o nosso mundo em uma só festa universal.

(Codinome Pensador)

A hora da estrela

2009-12-23T06:25:00.000-08:00

Susan Margaret Boyle ou simplesmente Susan Boyle, cantora escocesa que se tornou célebre por sua participação no programa de calouros britânicos Britain's Got Talent, transmitido pela rede de televisão britânica (ITV). Em 11 de abril de 2009, a audição de Susan para o programa, cantando a canção I Dreamed a Dream do musical Os Miseráveis e foi um sucesso na Internet, divulgando sua imagem rapidamente.
Antes de cantar na audição, tanto os jurados quanto o público demonstraram desconfiança por sua aparência desleixada e comportamento inseguro da cantora. Em resposta, após a surpreendente apresentação ela foi ovacionada pelo auditório e pelos juízes, que aplaudiram de pé. O contraste de sua performance com a primeira impressão dada geraram repercussão global. Artigos sobre ela apareceram em jornais de todo o mundo, enquanto vídeos hospedados na internet com sua apresentação bateram recordes.
Aprovada para a semi-final, Susan cantou Memory, do musical Cats e foi vencedora pelo voto popular, essa apresentação aconteceu em 24 de junho de 2009. Desta vez estava com a aparência mais cuidada, com roupas melhores e maquiagem. Chegando à final do programa repetiu a música que a consagrou, I Dreamed a Dream, e ficou em segundo lugar na disputa, perdendo para um grupo de dança de rua chamado Diversity. Houve um erro na indicação do número de telefone que lhe daria votos em alguns vídeos postados no Youtube, o que poderia ter transferido votos para seus concorrentes, gerando a dúvida de que o incidente poderia ter causado sua derrota.
A final, ocorrida em 30 de maio de 2009, teve audiência recorde de quase 18 milhões de espectadores.
Após perder o programa, Susan se mostrou agressiva com a equipe técnica, chegando a atirar um copo d'água em um dos produtores. Ao chegar ao seu hotel, em Londres, o gerente chamou uma ambulância e os médicos encaminharam Susan para o The Priory, uma clínica psiquiátrica local.
Susan é filha de Patrick Boyle, um vendedor e Bridget Boyle, uma datilógrafa, ambos imigrantes irlandeses. A mais nova de três irmãos e seis irmãs, Susan nasceu quando sua mãe tinha 47 anos; o parto foi difícil e Susan chegou a ficar sem oxigênio por alguns minutos, resultando em sequelas mentais e em dificuldades de aprendizagem.
Um dos anfitriões do programa, Simon Cowell, assinou um contrato com a cantora amadora através do selo Sony Music. Além disso, ele também planeja fazer um filme sobre a história dela, sendo este, porém, mais focado no desejo dela de participar do Britain's Got Talent. A atriz Demi Moore estaria cotada para viver Susan. Após sua aparição no programa, apareceram na Internet vídeos com apresentações antigas da cantora, uma delas, na qual Susan cantou a canção Cry Me a River, foi assistida mais de 100 milhões de vezes no You Tube.
Enquanto Susan ficou internada quatro dias na clinica, recebeu a visita dos jurados do programa e várias cartas de fãs; o primeiro ministro britânico Gordon Brown chegou a declarar publicamente que estava torcendo para ela se recuperar. Durante sua internação de Susan, a produção do programa organizou uma turnê com os finalistas do programa; Susan recebeu alta a tempo de participar da turnê que começou pela Inglaterra. A cantora participou da maioria dos shows, mas desfalcou as datas de Manchester, Liverpool, Newcastle e Cardiff por orientação médica.
A popularidade instantânea de Susan gerou uma série de comentários de por que a história se tornou tão abordada e o que isto significa, enquanto outros se prestaram a lecionar sobre os valores morais aí incluídos. Por exemplo, o jornalista Collette Douglas Home do The Heral, descreveu o trajeto de Susan como uma parábola moderna da tendência das pessoas emitirem julgamentos errôneos, especialmente sobre atributos físicos. Como também, Lisa Schwarzbaum, em artigo do Entertainment Weekly, que observou a performance de Susan como representativa de uma vitória para a arte e o talento, postos em segundo plano dentro de uma cultura que se tornou obcecada pela aparência.
Após o fim da turnê britânica, Susan se mudou para os Estados Unidos e assinou um contrato com a Sony Music através de Simon Cowell.
Em 30 de novembro de 2009, sai o primeiro CD de Susan Boyle, intitulado I Dreamed a Dream, bateu novo recorde e fez história no mercado britânico. O álbum de estréia da escocesa que saiu do anonimato com a ajuda de um programa de calouros, já vendeu mais de 410.000 cópias em uma semana. O CD foi lançado também na semana passada nos Estados Unidos e marcou a melhor estréia de uma artista mulher desde que a SoundScan começou a registrar as vendas em 1991, disse a "Billboard.com".
"Ela abriu a boca no Britain's Got a Talent e o mundo se apaixonou por ela. É por isso que agora o álbum dela vendeu mais rápido do que qualquer outro em sua semana de estréia", afirmou Simon Cowell, um dos jurados do programa que revelou Susan Boyle.
A cantora, por meio de um comunicado de sua assessoria, disse apenas que "é fantástico" ter vendido tantos CDs em tão pouco tempo. Antes mesmo de ser lançado, I Dreamed a Dream já havia batido recordes. Durante sua pré-venda, foi o CD mais pedido da história do site Amazon.
Sua trajetória de sucesso vai ganhar, inclusive, um documentário na TV americana, dirigido pelo jurado Simon Cowell.
A trajetória de Susan Boyle é um verdadeiro filme de sessão da tarde, no qual a garota de origem humilde, que era alvo de chacota dos colegas de escola, vira uma solteirona sem auto-estima e resolve participar de um programa de talentos para honrar a memória da mãe (que sempre acreditou no potencial da filha) e, quem sabe, acabar tocando para Rainha. No final, a mocinha menos improvável de todas não se torna uma beldade (embora tenha dado uma melhorada considerável no visual só por ter feito a sobrancelhas e dado um upgrade no guarda-roupa) nem ganha o concurso de rainha do baile, porém, vence o preconceito, tem seu talento reconhecido de maneira quase mágica e fecha um contrato milionário.
Diversity, o grupo de dança que merecidamente venceu o Britain’s Got Talent, é um provável candidato a cair no esquecimento, porém, Susan Boyle já é uma estrela de maior grandeza e magnitude absoluta. E uma estrela que vai brilhar e reinar por muito tempo, eu espero, e até quem sabe vire uma diva com luminosidade suficiente para ficar para eternidade.

(Codinome Pensador)

O imbecil do ano

2009-12-15T14:57:00.000-08:00

Ele se chama Mahmoud Ahmadinejad, é o presidente do Irã e tem tudo na minha opinião para ser o imbecil do ano por conta de suas declarações polêmicas e absurdas.
Mahmoud Ahmadinejad, que já fez declarações de negação à existência do holocausto, o assassinato de milhões de judeus pela Alemanha nazista. Perguntado sobre como reagiria a uma eventual invasão dos Estados Unidos ou de Israel, Ahmadinejad respondeu que a era de ataques militares chegou ao fim, que é tempo de diálogo, e que americanos e isralenses não teriam coragem de invadir o Irã.
Sobre a armas nucleares, falou: “Uma nação com cultura, lógica e civilização não precisa de armas nucleares. Os países que buscam armas nucleares são aqueles que querem resolver todos os problemas com o uso da força. Nossa nação não precisa destas armas”.
É da seguinte opinião sobre os direitos humanos: “Nós não oprimimos ninguém e nem estamos preparados a nos submeter à opressão de ninguém. Queremos justiça, paz e segurança para todas as nações. Somos defensores da dignidade humana em todo o mundo”.
Perguntado sobre o abuso às mulheres e aos homossexuais no Irã, Ahmadinejad disse:
“Nós não temos homossexuais no Irã. Não sei quem falou para vocês que tínhamos respondeu o iraniano, acrescentando que as iranianas têm liberdade”.
Perguntado sobre os motivos pelos quais ajuda o terrorismo, Ahmadinejad argumentou que em seu país foi vítima do terrorismo e que defendeu a investigação as verdadeiras raízes de suas causas.
O poder Iraniano: “A nação iraniana é uma nação informada. É uma nação civilizada. É uma nação que faz história... Vocês sabem e nós sabemos: vocês precisam muito mais de nós, do que nós de vocês”. Disse Ahmadinejad.
E para finalizar e claro não esquecendo de sua opinião sobre crenças, ele disse: “A crença em um salvador é universal. É o pivô da nossa fé como muçulmanos e iranianos. Acreditamos que um descendente do profeta, que a paz esteja com ele, será o salvador final. O nome dele e suas atribuições são claras. Ele virá e vai administrar a justiça final”.
Ele merece ou não merece o troféu: O IMBECIL DO ANO? Esse troféu é dele e ninguém vai conseguir tirar o mérito de tanta imbecilidade desse novo messias do diabo, dessa besta quadrada, desse desequilibrado anticristo do nosso século.

(Codinome Pensador)

Poema hedonista

2009-12-14T11:39:00.000-08:00

Sócrates e Aristipo
Bem e mal
Prazer e dor
Oh moral hedonista!

Integração dos sentidos
Finalidade das coisas
Desejos naturais
A arte de ser e não de ter

Sabedoria necessária
Essencial felicidade
Índole voluptuosa
E a Alma fica impassível

Amor maximizado
Sofrimento minimizado
Liberdade instantânea
A singularidade de ser livre

Surge o contratualismo
Altruístas e individualistas
Agindo com moderação
Aritmética hedonística

Tempo e dinheiro
Inteligência e satisfação
Forças criadoras
Oh psicologia humana!

O preço da felicidade
O sentido da vida
Reflexões do mundo
E assim caminha a humanidade.

(Codinome Pensador)

Eu vi. O filme: A partida

2009-11-30T14:16:00.000-08:00

Sinopse: Daigo Kobayashi (Masahiro Motoki) tem o sonho de tocar violoncelo profissionalmente. Para tanto se endivida e compra um instrumento, conseguindo emprego em uma orquestra. O pequeno público que comparece às apresentações faz com que a orquestra seja dissolvida. Sem ter como pagar, ele devolve o instrumento e decide morar, com sua esposa Mika (Ryoko Yoshiyuki), em sua cidade natal. Em busca de emprego, ele se candidata a uma vaga bem remunerada sem saber qual será sua função. Após ser contratado, descobre que será assistente de um agente funerário, o que significa que terá que manipular pessoas mortas. De início Daigo tem nojo da situação, mas a aceita devido ao dinheiro. Apesar disto, esconde o novo trabalho da esposa. Aos poucos ele passa a compreender melhor a tarefa de preparar o corpo de uma pessoa morta para que tenha uma despedida digna.
Ficha Têcnica: Título original: (Okuribito/ Ano de lançamento: 2008 (Japão)/ Direção: Yojiro Takita/ Gênero: Drama/ Elenco: atores: Masahiro Motoki , Tsutomu Yamazaki , Ryoko Hirosue.

Atrás do olhar

2009-11-28T11:08:00.000-08:00

Atrás do olhar
Vida em silêncio, o desconhecido, sentimento à vibrar
Uma indiferença única que faz toda a diferença

Atrás do olhar
Corrosivo ódio, inebriante amor
Uma cegueira mesmo com a luz
A vida se ofusca e só vemos o que queremos ver

Atrás do olhar
Olhos do coração pensando com a cabeça
Um olhar para si e ser justo com esse mundo injusto
Onde o racional e emocional duelam no tempo-espaço

Atrás do olhar
Marte e plutão em constante ebulição
O olho invisível de Deus sobre crentes e ateus
Concentração para tentar captar o vácuo do vazio branco

Atrás do olhar
Nobres gestos, más intenções
Pequena palavra que apunhala, grandiosa generosidade
O afago que reina no gosto amargo

Atrás do olhar
Um tempo que passou, o recordar, se perceber
Um aprendiz com olhar sempre para frente, sempre à aprender.

(Codinome Pensador)

Desnudando Fernanda Young

2009-11-25T10:53:00.001-08:00

A escritora Fernanda Young confessou em entrevista que posou para a Playboy desse mês de novembro por duas razões: a primeira era ganhar a roupa de coelhinha; a segunda, para encontrar uma mulher que não está acostumada a ver nas publicações masculinas. “Quero mudar a estética do Brasil. Sou altamente brasileira, mas era sempre representada por um erotismo que não me diz respeito. Resolvi posar para me satisfazer”, revelou, citando que também gostaria de ver mulheres como Fernanda Torres, Andréa Beltrão e Angélica estampando a capa.

Antes de topar posar para a revista, Fernanda confessou que muito pensou. “Pensei tanto que já estava pensando em desistir, mas então lembrei de três babacas e adoro uma vingança”, disse, referindo-se a homens que lhe fizeram mal no passado. “Se chegasse aos 50 anos sem ter posado para a Playboy, iria me odiar muito. Prefiro me arrepender por ter feito algo porque o arrependimento de não fazer é muito pior”.

A apresentadora do GNT disse ter ficado surpresa quando viu as fotos e se deparou com seu corpo. “Estou bem à beça. Pedi para que usassem muito pouco do Photoshop. Não queria que minha pele perdesse a textura, o que faria o ensaio perder a razão”, contou, salientando que fez questão de apagar as estrias da gestação e as cicatrizes do peito, resultado de uma plástica.

O ensaio foi clicado por Bob Wolfenson, que realizou o desejo de Fernanda Young em retratar uma mulher à espera de seu homem. “Tudo acontece em uma casa vazia, mafiosa. Enquanto ela aguarda, se prepara. Há muito sonho, desejo e ilusão na preparação de uma mulher para um encontro amoroso. Talvez seja a parte mais excitante de um encontro.” Escreveu até um texto esclusivo intitulado (Estala coração de vidro pintado) para acrescentar à essa mulher-personagem que personificou na fotos sensuais e fetichistas do ensaio. “Minhas fotos não puramente eróticas tem arte nelas também e mesmo assim espero que muita gente se masturbe. Vou ficar felicíssima se isso acontecer. Aguardo relatos”, divertiu-se Fernanda.

A morena também contou que sempre sofreu na escola. “Era aquela em que todos jogavam s bolinhas. Até os que levavam a bolinha, jogavam em mim. Então, fazer a Playboy é uma espécie de vingança. Só aceitei que ser gostosa é legal há uns dois anos.”

A vontade de Young? Vender mais revistas que uma ex-BBB. “Os homens gostam de mulheres bundudas, peitudas, morenas e de cabelos compridos. Por que não podem ver algo diferente? Antes de ver a revista já ficam dizendo que sou sem sal...”, reclamou. A escritora também aposta no público feminino para comprar suas revistas. “Acho mais bonito o nu feminino e já comprei muitas vezes a Playboy. Porém, jamais compraria revista de homem nu. Acho indigesto. E olha que eu gosto de homem, viu?

Estala coração de vidro pintado

Por Fernanda Young

Enquanto ela se arruma, o mundo para. O mundo dela, onde só existe o homem que aguarda. Nessa casa sem vínculos, vazio perfeito para encontros clandestinos. Ela tenta fazer daquele quase nada, algo acolhedor. Quer oferecer, alimentar, prover o aconchego que crê que ele mereça. Porque ele é o seu homem. Só seu, durante o tempo em que estiver naquela casa. Lar sem lembranças nem porta-retratos. Ilusão que ela finge não notar, e durará apenas o tempo-livre daquele que espera. Já que ele não é dela e ela não é ele, embora se prepare como se fosse.
Quer que o vazio esteja lindo, sem saber que lindo seria vê-la assim, acreditando num amor-para-sempre, que termina antes do anoitecer. Não é ingênua ou cínica, é uma mulher e gosta desse jogo, mesmo sabendo que, nele, nunca há vencedoras. Perdedora ou perdida, sente-se excitada. Quase aborrecida por ele estar atrasado. Lembra, porém, de mais alguns detalhes que faltam no paraíso que quer ofertar.
Circula pela casa, toma um vinho, escreve um poema. Vai tentar convencê-lo de quanto ela é perfeita. Ela escreve versos. Ela é livre, mas sabe cozinhar. Escuta um barulho e seu corpo treme inteiro, ainda não é ele. Tenta ficar calma, mas seu coração, agora não bate, estala, como um delicado cristal que, num brinde, trinca. Serve-se mais uma taça de vinho. Sente uma certa vontade de chorar. Tenta se distrair. Pode brincar um pouco enquanto ele não chega? Decide que sim, imaginando tudo que gostaria de fazer com ele. Algumas que nunca fez, inclusive. Mas ele demora demais e ela prefere não mexer onde não deve.
O primeiro prazer daquela tarde deverá ser com ele, por ele. Mesmo reconhecendo que, no quarto escuro de sua mente, faça o que quiser, com quem quiser. Ele não precisa saber disso. Nenhum homem precisa saber que é na imaginação que a mulher esconde o tal ponto G. Ri. Vê a hora, começa a ficar realmente irritada. Mais uma taça de vinho e o seu coração de vidro estalará mais forte, talvez forte demais. Tornando-a mais intensa em sua poesia e menos preocupada com a refeição que esfria.
Que casa é essa, afinal? Decide macular o branco daquele local asséptico. O mundo, afinal, não é apenas o local que seu homem habita, homem que nem é tão seu. E tudo fica melhor quando está bagunçado. Então, desarruma tudo.

Fonte: Revista Playboy

A esperança não é a última que morre

2009-11-19T07:23:00.000-08:00

Morremos quando nascemos

Iniciamos uma viagem ao que não sabemos

Iniciamos uma viagem ao desfecho do início

Simplesmente a morte não tem segredo

Deixamos para trás o que possuímos

Levamos apenas o realmente somos

A esperança não é a última que morre

Ela só desaparece numa curva da estrada

Isso só acontece quando paramos de viver

Isso só acontece quando temos medo de morrer

Escondem de nós a beleza da morte para darmos valor à vida

Compreender a vida e a morte

É folhear um livro com começo, meio e fim.

(Codinome Pensador)

“Antiarte por excelência” de Hélio Oiticica

2009-11-13T06:16:00.000-08:00

Hélio Oiticica, nascido e falecido no Rio de janeiro, foi pintor, escultor, artista plástico e performático de aspirações anarquistas. Estudou com Ivan Serpa e em 1956 integrou o Grupo Frente, fundando três anos depois, em 1959 o Movimento Neoconcreto, ao lado de artistas como Amilcar de Castro, Lygia Clark, Lygia Pape e Franz Weissmann.
Integrou também a representação do Brasil na exposição internacional de arte concreta realizada em 1960 em Zurique, na Suíça e esteve presente nas coletivas de vanguarda Opinião 1965 e 1966, Nova Objetividade Brasileira e Vanguarda Brasileira, realizadas entre 1965 e 1967 no Rio de Janeiro e em Belo Horizonte, expondo ainda na Bienal de São Paulo em 1957, 1959 e 1965 e na da Bahia em 1966.
É considerado por muitos um dos artistas mais revolucionários de seu tempo e sua obra experimental e inovadora é reconhecida internacionalmente. Neto de José Oiticica, anarquista, professor e filólogo brasileiro, autor do livro O anarquismo ao alcance de todos.
Na década de 1960, Hélio Oiticica criou o Parangolé, que ele chamava de "antiarte por excelência". O Parangolé é uma espécie de capa ou bandeira, estandarte ou tenda, que só mostra plenamente seus tons, cores, formas, texturas e grafismos e os materiais com que é executado como: tecido, borracha, tinta, papel, vidro, cola, plástico, corda, palha, à partir dos movimentos de alguém que o vista. Por isso, é considerado uma escultura móvel. Foi também Oiticica que fez o penetrável Tropicália, que não só inspirou o nome, mas também ajudou a consolidar uma estética do movimento tropicalista na música brasileira, nos anos 60 e 70 .
Até 1959, Oiticica ainda se conservou fiel aos veículos e suportes tradicionais da pintura. Reduziam-se seus quadros de então a efeitos cromáticos e de textura obtidos unicamente com a aplicação de branco e revelavam um ascetismo que o desenvolvimento posterior de seu trabalho iria desmistificar. Nesses primeiros quadros via-se já muito nítida a tendência do artista a superar o plano bidimensional, pela utilização da cor com evidentes intenções espaciais.
Abandonando o quadro e adotado o relevo, bem cedo incursionaria Hélio por novos domínios, criando seus núcleos e penetráveis, para chegar em seguida à arte ambiental, em que melhor daria vazas a seu temperamento lúdico e hedonista. Surgem assim, de 1965 em diante, suas manifestações ambientais, com capas, estandartes, tendas (parangolés), uma sala de sinuca em 1966, Tropicália em 1967, um jardim com pássaros vivos entre plantas, lado a lado com poemas-objetos, Apocalipopótese em 1968, reunindo várias manifestações de outros artistas, no Aterro do Flamengo e Rio de Janeiro.
Todas essas experiências serão objeto de importante exposição efetuada em 1969, na Whitechapel Gallery, de Londres, no seu dizer: "uma experiência ambiental sensorial limite".
Hélio Oiticica, em 1970 tomou parte em Nova Iorque na mostra Information, organizada pelo MOMA, recebendo nesse mesmo ano bolsa de estudo da Fundação Guggenheim, viveu nos Estados Unidos até 1978, quando regressou ao Brasil e de novo se fixou no Rio de Janeiro, iniciando então a última fase de sua breve carreira.
Em 1981, um ano apenas após sua morte, seus irmãos Cesar e Cláudio criaram o Projeto Hélio Oiticica, destinado a preservar material e conceitualmente a obra do artista de quem a Galeria São Paulo, em 1986, levou a cabo importante exposição intitulada: O q faço é Música.
Nos últimos anos, em nível inclusive internacional, a importância de Hélio Oiticica como artista seminal dos novos desdobramentos da arte ocidental de fins do século e do milênio tem sido posta em destaque através de exposições itinerantes realizadas entre 1992 e 1994 em Paris, Roterdã, Barcelona, Lisboa e Mineápolis, sala especial na Bienal de São Paulo em 1994 e participação nas Bienais de 1996 e 1998. Em 1996 cria-se no Rio de Janeiro, o Centro de Artes Hélio Oiticica, que até hoje serve de referência para pesquisadores de sua obra do mundo todo.
Em 16 de outubro deste ano, um incêndio destruiu cerca de 50% obras do artista plástico, um acervo avaliado em US$200 milhões, que era mantido na residência do seu irmão, no bairro do Jardim Botânico, no Rio de Janeiro. Além de quadros e dos famosos “Parangolés”, no local também eram guardados documentários e livros sobre o artista.
Certa vez Hélio Oiticica disse: “A obra nasce de apenas um toque na matéria. Quero que a matéria de que é feita minha obra permaneça tal como é; o que a transforma em expressão é nada mais que um sopro: um sopro interior, de plenitude cósmica. Fora disso não há obra. Basta um toque, nada mais”.

Fonte: site sampa art

A nossa diva

2009-10-20T14:31:00.000-07:00

O novo trabalho da cantora Maria Bethânia tem 22 músicas e é dividido em dois álbuns: Tua, com canções de amor e Encanteria, com faixas mais festivas.
A faceta mística de Bethânia desponta claramente no Cd Encanteria, álbum do selo Quitanda agrega 11 composições inéditas, sambas e toadas sobre orixás, santos e as celebrações que os homenageiam. Caetano e Gilberto Gil cantam na faixa Saudade Dela. O outro Cd Tua, sai pela Biscoito Fino, também reúne 11 músicas inéditas e conta com a participação do pernambucano Lenine. Neste a cantora explora a sonoridade mais urbana, tem como mote o amor.

Em conjunto, os delicados trabalhos reafirmam que Bethânia já não cabe apenas nos rótulos de “romântica”, “brejeira” ou “artista de massa”. Ela é hoje, aos 63 anos e 46 de carreira, um clássico à altura de Edith Piaf, Nina Simone ou Ella Fitzgerald, ainda que de abrangência menor.
Em entrevista a Revista Bravo!, a cantora fala de seus dois novos álbuns, religião, sereias, também critica os que a atacam por usar a Lei Rouanet e elogia a senadora Marina Silva, possível candidata à Presidência da República.

Passa um pouco do meio-dia e, sob orientação do fotógrafo da revista Bravo!, Maria Bethânia caminha pelos jardins da Villa Riso, a parte remanescente de uma fazenda do século 18 que se transformou em espaço para festas. É lá, na estrada da Gávea, zona sul do Rio de Janeiro, que a cantora costuma receber jornalistas. O lugar fica próximo à casa onde mora desde 1972. "Por favor", pede-lhe o fotógrafo, "sente-se debaixo daquele pinheiro." Bethânia abana a cabeça negativamente: "Ali não". Com gentileza, mas irredutível, esclarece que pinheiros a incomodam. "Em minha terra, são árvores de cemitério.

"Oriunda de Santo Amaro, no Recôncavo Baiano, a irmã de Caetano Veloso, adepta de "uma irreligiosidade feroz", como já se definiu - nunca separou rigidamente o místico daquilo que os cartesianos chamam de real. Para a intérprete, o sagrado e o corriqueiro se entrelaçam. Um explica e alicerça o outro. Tal convicção, que a artista manifesta com uma naturalidade às vezes desconcertante, estimula um divertido folclore em torno dela, uma profusão de lendas que a tomam por feiticeira ou algo assim. "Quando Bethânia inicia uma turnê, chove. Evite usar negro ao lado de Bethânia. Sempre que Bethânia entra no estúdio, os monitores de ouvido acusam interferências." Das inúmeras histórias, a cantora é famosa por resguardar avidamente a própria intimidade, só confirma que não veste roupas pretas. Dispensa a cor em respeito às recomendações do candomblé, crença que abraçou junto com a devoção pelo catolicismo. "Mas podem usar negro perto de mim", avisa, às gargalhadas.

Durante a entrevista de quase duas horas, a cantora trajava uma pantalona azul e uma pashmina cor-de-rosa, espécie de xale que lhe recobria os ombros. Pelas mãos, braços e pescoço, espalhava algumas jóias, a maioria dourada. Um dos anéis e o relógio de pulso despertavam especialmente a atenção.

Entrevista:

Revista Bravo!: Que anel curioso…

Maria Bethânia: Você gostou? Traz a imagem do meu caboclo.

Revista Bravo!: Um índio?

Maria Bethânia: Exato, o caboclo que me protege, graças à Deus. Veja só que história inusitada: uma vez, desembarcando em Miami, topei na imigração com um policial branco, alto e muito forte. "Virgem Santíssima!", pensei. "Olhe o tamanho do sujeito!" No entanto, para minha surpresa, o homem sorriu. Quando pegou meu passaporte, notei que ostentava um anel de prata enorme. Uma peça luminosa, com o rosto de um índio. "Que anel incrível!", comentei em português. O homem continuou rindo como se me compreendesse. De repente, tirou o anel e me deu. Um gesto absolutamente improvável: a polícia dos Estados Unidos distribuindo presentes no aeroporto?! Tão logo retornei para casa, providenciei uma cópia do anel, menorzinha, em ouro. É a que estou usando.

Revista Bravo!: Qual o nome do caboclo? Pode revelar?

Maria Bethânia:Quer saber demais sobre o meu caboclo! (risos) Há décadas, pertenço à Nação Ketu do candomblé. Mas, ainda garota, em Santo Amaro, costumava visitar um terreiro de outra nação, a Angola. Ali os fiéis não cultuavam somente os orixás. Também recebiam o espírito dos índios que habitaram o Brasil, os caboclos. É uma tradição maravilhosa, que me comove. Por isso, conservo o anel. Sem contar que tenho uma bisavó indígena, da etnia pataxó.

Revista Bravo!: E o relógio?

Maria Bethânia: Comprei para marcar um acontecimento...

Revista Bravo!: Que acontecimento?

Maria Bethânia: Não vou entrar em detalhes. Foi algo bonito que me ocorreu e que se relacionava com o tempo. Precisava de uma coisa que simbolizasse aquilo.

Revista Bravo!: Como uma tatuagem?

Maria Bethânia: Tatuagem, não. O candomblé proíbe. Engraçado que, bem jovenzinha, sonhava em fazer uma. Cresci num lugarejo repleto de rios, mas passava as férias na praia. Sempre amei perdidamente o mar. Meu pai dizia que a terra e o oceano se espelham. "Tudo o que existe aqui em cima existe no fundo do mar." Eu o escutava, e minha imaginação corria solta: "Tudo, pai? Coqueiro, abelhas, montanha?". Ele jurava que sim. Não à toa, os marinheiros me encantavam. Admirava as tatuagens que carregavam nos braços. "Quando mandar em mim, arranjarei uma igual", planejava. Àquela época, poucas mulheres ousavam exibir tatuagem. Eu, atrevida, desejava uma nas costas, do lado direito, perto da bunda. Cogitei, primeiro, desenhar uma sereia. Sou fascinada por sereias. Depois mudei de opinião: "Vou botar uma estrela, ou um sol, ou uma lua". Acabei não desenhando nada.

Revista Bravo!: Sereias a fascinam?

Maria Bethânia: Imensamente. Criança, ganhava umas de minha mãe, pequeninas, de barro. Agora ganho dos amigos e dos fãs. Em casa, há um punhado: de metal, gesso, madeira. Sereias são as donas da voz... Senhoras da emissão, que cantam por minha boca. Só sei cantar graças às sereias. Elas me ensinaram. Minha voz apenas mora em mim. Não é minha. É das sereias. É de Deus.

Revista Bravo!: Uma metáfora, não? Ou você realmente acredita que sereias existam?

Maria Bethânia: Acredito. Certas pessoas conseguem ouvi-las, enxergá-las. Eu nunca as enxerguei. Mas as sinto, talvez porque queira senti-las. Creio que hoje esteja no mesmo lugar em que as sereias se encontram. Uma bênção!

Revista Bravo!: Julga-se predestinada?

Maria Bethânia: Sem dúvida. Nasci para o que faço. Já na infância, me comportava de maneira incomum. Andava maquiada por Santo Amaro como uma vedete, confeccionava minhas próprias roupas e imitava os personagens das peças que o grupo local de teatro montava. O povo da cidade morria de vergonha. Evitavam a minha companhia. Somente o Caetano me apoiava. Eu avisava: "Não adianta reclamar, pessoal! Sou do palco, vou viver do palco". Não suspeitava ainda que iria cantar. Pretendia virar trapezista. Circo me atraía muitíssimo. Uma ocasião, caí de amores por um palhaço, o Poli, mal o avistei no picadeiro. Paixão doida, de cinema! Fiquei tão envolvida que arrumei um jeito de conhecê-lo sem máscara. Era um homenzinho calvo, quase sexagenário. "Vou fugir com o senhor!", repetia. O coitado, lógico, apenas gargalhava. Quando o circo partiu de Santo Amaro, me desmanchei de tanto chorar.

Revista Bravo!: Em que momento você resolveu se tornar cantora?

Maria Bethânia: Com uns 15 anos. Ou melhor: Caetano resolveu por mim! (risos) Ele compunha a trilha de um curta [Moleques de Rua, do diretor Álvaro Guimarães, o Alvinho] e me pediu para gravá-la. Topei na hora. Quatro anos mais velho, Caetano me influenciava bastante. Nós o considerávamos o gênio da família. Desde cedo, o danado pintava como ninguém, tocava, escrevia canções. Lembro-me de vê-lo redigir uma peça inteira com 8 ou 9 anos. "Você vai fazer o papel da estrela", me prometia. Eu, um toquinho de gente, concordava. (risos) O negócio é que acabei gravando a trilha em Salvador, no ateliê de Mário Cravo Jr. [escultor]. Que período bom, rapaz! Pouco depois, em 1963, Alvinho encenou Boca de Ouro, a tragédia do Nelson Rodrigues, e me chamou para cantar um samba de Ataulfo Alves no prólogo. Iria interpretá-lo da coxia, sem aparecer. Mesmo assim, não deixei de caprichar nos trajes. Pus luvas, brincos, colar...

Revista Bravo!: Foi em Salvador, na década de 1960, que você se aproximou de Gal Costa. Continuam amigas?

Maria Bethânia: Continuamos, só que não como antigamente. Perdemos o convívio. Éramos grudadas, irmãs. Agora... Gal se distanciou muito de mim e de Caetano. Não brigamos nem nada. Ela apenas se isolou. Diminuiu o ritmo, se afastou da música, adotou um filho [Gabriel, em 2007]. Mora lá na Bahia e cuida do menino, linda. Um dia lhe perguntei: "Do que você mais gosta hoje, do canto ou da maternidade? Me responda, mulher!". Não respondeu. (risos) Tenho a impressão de que Gal, uma cantora inigualável, não se entusiasma tanto pelos novos autores. Deve avaliar que suas composições não estão à altura da voz dela, daquele cristal perfeito. É compreensível. A emissão de Gal exige de fato canções tão sofisticadas quanto as de Caetano, Chico Buarque, Dorival Caymmi, Tom Jobim, Ary Barroso. Eu, em contrapartida, não enfrento o mesmo problema. Sou uma intérprete antes de tudo. Uma intérprete de textos, de ideias, que também pode cantar. Não sou uma purista.

Revista Bravo!: Você nunca pensou em gerar ou adotar um filho?

Maria Bethânia: Pensei em dar à luz com meus 18, 19 anos. Desisti mais tarde e não me arrependo. Filho são meus discos, é minha carreira. Não disponho da sabedoria de meus pais para educar uma criança. E o mundo em que vivemos... A correria, a violência, a competição, o ar irrespirável... Colocar um bebê nesse inferno? Em um planeta sufocado? Fico apavorada quando constato algumas inversões de valores. O dinheiro, por exemplo. Virou o centro do universo. Uma loucura! Às vezes, acho que a atual crise financeira é um alerta do próprio dinheiro: "Prestem atenção! Entendam a minha natureza. Posso dormir um hoje e acordar outro amanhã". Enfim... Sou cruel com os amigos e sobrinhos que têm filhos. Cobro que zelem pelas crias e não admito que se queixem. Decidiram ter? Então se redobrem para ampará-los.

Revista Bravo!: Os dilemas ecológicos parecem preocupá-la. Você apoiará a possível candidatura à presidência da senadora Marina Silva, que acabou de ingressar no Partido Verde?

Maria Bethânia: Marina me arrebata. É nobre, firme, sóbria. E domina a área dela, a do meio ambiente. Como Gilberto Gil [ex-ministro da Cultura], passou pelo governo federal sem se manchar, sem cometer erros crassos. Jurei que não votaria mais em candidato nenhum, nem do Executivo nem do Legislativo. Mas a Marina talvez me anime a voltar atrás. Fechei com Lula nas eleições de 2002 e, depois, parei de votar. Os políticos me irritam. Imaginam que somos idiotas.

Revista Bravo!: Recentemente, você sofreu críticas da imprensa por recorrer à Lei Rouanet para bancar alguns de seus espetáculos...

Maria Bethânia: (Interrompendo) Sofri... Uma palhaçada! Uma tristeza! "Governo de esquerda só pode ajudar quem não faz sucesso." Que raciocínio torto! A lei deve acolher gregos e troianos: o ministério avaliza os projetos e cada artista sai à caça de patrocinador, como manda o figurino. Qual o drama? Por que tanta chateação?

Revista Bravo!: Porque se trata de verba pública?

Maria Bethânia: Verba pública? Nunca trabalhei com verba pública!

Revista Bravo!: A lei prevê que os patrocinadores descontem os gastos do Imposto de Renda - um dinheiro que, em tese, iria para o setor público.

Maria Bethânia: Renúncia fiscal, menino! É um mecanismo ótimo! O mínimo que a cultura merece.

Revista Bravo!: E quanto à alegação de que shows como os seus ou os de Caetano, Ivete Sangalo e outros cantores famosos se pagariam apenas com a bilheteria, sem a necessidade de patrocínio?

Maria Bethânia: O quê? Apenas com a bilheteria? Qualquer espetáculo de certo porte no Brasil consome uma fortuna. Nossos custos são de ópera! A plateia pede um cenário elegante, uma iluminação de primeira, um som magnífico. Não condeno, não. Estão corretíssimos! Mas qualidade tem preço. Para subir num palco, preciso ensaiar 40 dias ou mais. Você sabe o que significa arcar com 40 dias de estúdio, técnicos, equipamento, músicos? Um absurdo! "Ah, a cantora também leva uma bolada." Leva? Quem menos ganha é a cantora. Com despesas tão elevadas, você julgaviável depender só da bilheteria? Não há Canecão lotado que cubra um espetáculo. Não há teatrono país que cubra - e olhe que os ingressos não são baratos, infelizmente. Sem patrocínio, amargaríamos prejuízo caso quiséssemos manter o alto nível dos shows. E, sem a lei, não conseguiríamos patrocínio nenhum. Zero! Portanto...

Fonte: Revista Bravo!

Com pimenta, com paixão

2009-10-16T14:40:00.000-07:00

Com açúcar quase tudo se adoça
Um coração, um sorriso, um olhar, um paladar
Qual o teu medo?
Se eu te cubro beijos
Se eu adivinho teus desejos

Se abre para mim, abre tua boca
E dou para você tua gostosura preferida

Eu abro meus braços, abro minha alma
E me dou para ti com açúcar, com afeto

Sei que a vida não é sempre doce
Excitamos com pimenta, com paixão

Na minha língua sinto um sabor delícia
É teu beijo na minha boca com gosto de mel

Sempre me guardei para você
Sempre me preparei para você
Te encontrei e deixei de ser um embrião
Para ser hoje muito mais que um namorado
Para ser hoje um homem muito mais completo.

(Codinome Pensador)

O silêncio, o tempo e a paciência

2009-10-15T08:07:00.000-07:00

O silêncio refúgia o que o som destrói
As palavras arruínam o que o silêncio constrói
Só se aprende com os falantes, o silêncio que vem de dentro
A silenciosa voz interior, gemido que ecoa no meu ouvido
O sono das aves adormecidas, esse sim é o verdadeiro silêncio.

O tempo é uma lembrança colhida, nunca esquecida
O tempo nunca está perdido, nós que nos perdemos
Então sejamos os perdidos para se achar em algum momento
Só a saudade e os poetas fazem as coisas pararem no tempo
E o futuro vira passado, quando vivemos uma vida inteira

A paciência cura o que a vida não tem calma
Só a paciência é a única solução para a soma de todos os males
Primeiro temos que ter paciência com nós mesmos
Para conseguimos todos os nossos desejos
Só esperando com paciência para ver o que vai nos acontecer.

(Codinome Pensador)